Les oeuvres et installations vidéo emblématiques du duo, avec des contributions de Philippe-Alain Michaud, de John G. Hanhardt et une biographie complète.

Kopystiansky

Conçue pour documenter trois expositions personnelles - Dioramas à la Fondation Pernod Ricard, Paris (2016-17), l'exposition aux Moulins de Paillard à Poncé-sur-le-Loir (2018) et Replica au CCA - Center for Contemporary Art Tel Aviv (2018) -, cette publication, comprenant deux essais de Philippe-Alain Michaud et de Mike Sperlinger, offre un aperçu complet de l'oeuvre de l'artiste sur près de vingt ans.

Laurent Montaron

Collection films | La collection du Centre PompidouUne exploration de la collection cinématographique grâce à une approche originale basée sur une trentaine d'oeuvres de la collection de films du Centre Pompidou. Le propos n'est pas de ré-écrire une nouvelle histoire traditionnelle du cinéma mais de considérer le film comme objet appartenant aux champs des arts plastiques : une autre manière de voir les grands films de Bunuel, Richard Serra, Man Ray ou encore René Clair. Cette lecture inédite apporte une contribution originale à l'histoire de l'art comme à celle du cinéma.

Collection films | La collection du Centre Pompidou

Le titre de cet essai est emprunté à l'ouvrage de Lucien Levy- Bruhl, L'Âme primitive, publié en1927. Selon Levy-Bruhl, à l'inverse des constructions dualistes qui caractérisent la rationalité moderne, les peuples « primitifs » ont développé une conception pluraliste de l'âme correspondant à une appréhension pré-rationnelle du moi, conception selon laquelle l'âme, essentiellement non-fixée, peut prendre une multiplicité de formes et se déposer dans différents sujets. La théorie développée par Levy-Bruhl, si elle s'appuie sur un schéma évolutionniste désormais caduque, conserve une portée heuristique intacte : elle sert ici de métaphore pour décrire les procédures de la figurabilité, c'est-à-dire les dispositifs formels, symboliques ou rituels qui gouvernent les transformations des corps en figures ou, inversement, permettent aux figures de prendre corps.
Auto-destruction, possession, métempsychose, rêve, phénomènes de mort retardée : les textes rassemblés ici font le récit de ces déplacements, qui sont autant de retours en-deçà du principe d'identité et trouvent un accomplissement dans l'opération filmique : aussi ces textes, s'ils ne traitent pas tous du film, sont néanmoins traversés par la question de la filmicité.
Ce livre est fabriqué comme une mosaïque, chacun des articles fonctionne comme un corps rêvé ou réel. Les fantômes, les zombies, les âmes, les revenants mais aussi les plantes, les membres isolés ou la peur sont autant d'éléments du monde de l'enfance qui surgissent dans celui des adultes à travers des films, des comics et des performances. L'auteur tisse ici un récit admirable et avec une poésie incroyable il opère des rapprochements inédits.

âmes primitives

"Cinéma est un mot grec qui signifie « mouvement » [movie]. L'illusion du mouvement est certainement le complément ordinaire de l'image filmique, mais cette illusion repose sur la certitude que la vitesse à laquelle se succèdent les photogrammes n'admet que des variations très limitées. Rien dans l'agencement structural du ruban filmique ne peut justifier une telle certitude. C'est pourquoi nous la rejetons. Désormais, nous appellerons notre art simplement : le film."Hollis Frampton, Pour une métahistoire du filmCe livre propose une lecture rétrospective, non linéaire et décentrée de l’histoire des images en mouvement : il s’appuie sur une analyse de la pensée filmique telle qu’elle se déploie, indépendamment de ses applications techniques, dans l’histoire des représentations, et constitue un repérage de la manière dont les propriétés du film, disjointes de l’appareil qui conditionne le spectacle cinématographique, agissent dans les différents champs des pratiques artistiques.Les premiers chapitres analysent la manière dont le film est né de la déconstruction de l’espace et des catégories à partir desquels la forme-cinéma s’est instituée ; les suivants s’attachent à décrire comment artistes et cinéastes, au fil de la période moderne et contemporaine, ont disjoint les propriétés du film – lumière, durée, mouvement – et séparé ses éléments constitutifs – photogramme ou ruban de photogrammes, faisceau, surface de projection… – pour les réagencer en d’autres configurations. Ce changement de perspective dont on n’a pas fini de mesurer les effets nous oblige à une lecture rétroactive de l’histoire du film tout entière, en même temps que celle de son intégration à un système des arts qu’il transforme en retour. Ce qu’on appelle improprement « cinéma expérimental » apparaît désormais comme la trace, tout au long du XXe siècle, du fait que l’expérience du film ne se confond pas avec l’histoire de sa dématérialisation : face au spectacle de cinéma traditionnel moulé dans l’espace du théâtre classique, du film avant-gardiste des années 1920 à l’expanded cinema des années 1960, jusqu’au film d’artiste contemporain, le style « expérimental » aura été une façon de repenser l’histoire des images en mouvement en suggérant d’autres généalogies et selon d’autres concepts.Face au dispositif spatial dans lequel s’est reconnu et s’est déployé le cinéma moderne (des spectateurs immobiles dirigeant leur regard vers un écran conçu comme une surface transparente) et à partir duquel il a produit ses propres régimes d’intelligibilité, se dessine une autre manière de penser le film : un film despécifié, émancipé des lois de la théâtralité et de celles de la photo-impression, un dispositif de transfert généralisé engendrant des phénomènes de comparution.Philosophe et historien de l'art, Philippe-Alain Michaud s'intéresse particulièrement aux relations entre film et histoire de l'art. Conservateur chargé du département film du Centre Georges Pompidou, il est professeur à l’École de recherche graphique (ERG – École Supérieure des Arts) de Bruxelles. Parmi ses publications : Aby Warburg et l’Image en mouvement (Paris, Macula, 1998) ; Le Peuple des images (Paris, Desclée de Brouwer, 2002) ; Filme: Por Uma Teoria Expandida do Cinema (Rio, Contraponto, 2014).

Sur le film

Né en 1977 à Oradea (Roumanie), Mircea Cantor vit et travaille " sur Terre ". Il étudie d'abord à l'Université d'art et d'esthétique de Cluj-Napoca puis se tourne vers l'école des Beaux-Arts de Nantes en 1999. D'emblée, ses réflexions s'engagent à travers différents médiums : vidéos, installations, photographies, dessins, performances, sculptures, dont la monographie qui sera publiée tentera de rendre compte de façon exhaustive. Mircea Cantor se dit artiste du monde, un monde sans frontière, et souhaite mettre en lumière les failles et les dysfonctionnements de l'être humain par le prisme de notre société contemporaine. Poétique et allégorique, son oeuvre entière est caractérisée par cette faculté de traiter de sujets complexes mais toujours dans une esthétique suspendue entre le réel et la chimère. Mircea Cantor voue une obsession au motif. L'apparence des formes, leur temporalité et leur force de persistance rétinienne font également partie des finalités attendues par l'artiste pour ses oeuvres. Il se joue de nos traditions, critique la face du monde, la politique, le phénomène de globalisation, l'histoire, mais reste concentré sur les aspirations humaines, observant minutieusement nos comportements et nos failles. Ancré dans son temps, il en révèle les cicatrices, les absurdités ainsi que la beauté de notre monde. S'interroger sur l'essence humaine est primordial. Mircea Cantor souhaite livrer une oeuvre symbolique en s'inspirant de divers champs de la connaissance afin de donner sens à l'existence humaine. Les fondements de son travail pourraient se résumer en plusieurs mots : tradition, humilité, esthétique, indépendance, rigueur et morale. Ce livre est bilingue français/anglais.

Mircea Cantor

Hans Richter (1888-1976) a traversé toute l'histoire de l'art du XXe siècle : issu de l'expressionnisme, à la croisée du mouvement Dada, du constructivisme et du néo-plasticisme, il est l'inventeur du film abstrait et l'un des acteurs majeurs des avant-gardes des années 1910 et 1920. De Theo van Doesburg à El Lissitzky, de Kasimir Malévitch à Ludwig Mies van der Rohe ou Marcel Duchamp, il a tissé des liens d'amitié et collaboré avec bon nombre d'artistes européens de premier plan avant d'accompagner le basculement de la scène artistique de l'Europe vers les Etats-Unis, où il émigre au début des années 194o, et où il contribuera, à travers ses expositions, ses publications et son enseignement, à écrire l'histoire du mouvement moderne. Mais la vie de Richter n'est pas limitée à la sphère de l'histoire de l'art : elle se confond avec l'Histoire tout court, souvent tragique, du siècle dernier, de la Grande Guerre à la révolution spartakiste et à la République de Weimar, de l'effondrement économique à l'avènement du nazisme et à la persécution des juifs. L'exposition "Hans Richter. La traversée du siècle" présentée au Centre Pompidou-Metz dresse ainsi le portrait d'un artiste-cinéaste qui a constitué un nouveau système des arts dans lequel le film occupe une place déterminante et d'un grand témoin de son temps, résolument engagé dans le réel.

Hans Richter - La traversée du siècle

Mouvement d'inspiration littéraire et artistique né aux États-Unis, dans les années 1950, à l'initiative de William Burroughs, Allen Ginsberg et Jack Kerouac, la Beat Generation a profondément influencé la création contemporaine.Le beau livre revient sur dix-huit années explosives, de New York, en passant par Los Angeles et San Francisco, jusqu'au Mexique, Tanger et Paris. L'ouvrage met particulièrement en avant le séjour parisien des écrivains de la Beat Generation, une étape essentielle.Les nombreux documents reproduits (photos, manuscrits, pochettes de disques, dessins et peintures ...) témoignent de l'euphorie créative des membres du groupe, ainsi que de la pluridisciplinarité du mouvement (arts visuels, littérature, jazz, poésie sonore ...). Sous la direction de Philippe-Alain Michaud, l'ouvrage propose différents essais des plus grands spécialistes du sujet. Une dizaine d'entretiens inédits avec des protagonistes du mouvement, ainsi que des extraits de textes et poèmes (Allen Ginsberg, Gregory Corso, William Burroughs, notamment) viennent enrichir le catalogue.4ème de couvertureLa Beat Generation naît à New York dans les années 1940 de la rencontre d'un petit groupe d'écrivains encore inconnus : Jack Kerouac, William S. Burroughs et Allen Ginsberg. En deux décennies, rayonnant au-delà de ce premier cercle, le mouvement acquiert une notoriété immense. De Greenwich Village à North Beach, le quartier de la bohème littéraire de San Francisco, puis au-delà des frontières vers le Mexique, Tanger, Paris et jusqu'en Extrême-Orient, porté par l'ivresse du voyage et le goût de la liberté, l'esprit de la Beat Generation se répand partout. Défiant l'Amérique consumériste, ségrégationniste et réactionnaire, défendant sans doctrine un idéal contemplatif et nomade, le groupe multiplie les expérimentations, formant le creuset des contre-cultures modernes.Avec plus de cinq cents oeuvres et documents, l'exposition « Beat Generation » au Centre Pompidou met en perspective un courant qui va bien au-delà de l'avant-garde littéraire. Les essais, témoignages, poèmes et entretiens rassemblés dans cet ouvrage richement illustré rendent compte de l'effervescence d'un des mouvements culturels les plus influents du XXe siècle.

Kopystiansky

Résumé

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