Quelle est la nature polymorphe, rebelle à toute délimitation, et donc proprement étonnante, du sublime ? En quoi consiste sa véhémence, sa force dynamique et dangereuse ? Comment expliquer les paradoxes de la sidération ou du plaisir négatif que son sentiment, sa passion ou même sa crise, engendrent chez tous ceux qui en font, moins l'expérience que l'épreuve ? Telles sont les trois principales questions que l'ouvrage entend poser dans l'inspiration des travaux de Baldine Saint Girons et de son livre Fiat Lux. Une philosophie du sublime (1993). Vingt-cinq chercheurs spécialistes reconnus de rhétorique, d'esthétique, de poétique, de philosophie, de peinture, de littérature, de musique, de psychanalyse, de sciences, de langues et cultures étrangères joignent ici leurs efforts afin de donner au lecteur — néophyte ou chercheur confirmé — les instruments les plus importants pour l'intelligence la plus vivante de la tradition du sublime. De l'antiquité jusqu'à l'époque actuelle, le lecteur est invité ici à saisir de façon organisée et claire les difficultés artistiques, philosophiques et existentielles de l'expérience de la grandeur.

Le sublime - Poétique, esthétique, philosophie

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale : il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La valeur de l'émotion musicale

Le livre interroge et explore, en une sorte de circularité de principe, à la fois la théorie mallarméenne de la musique, sa mise en pratique poétique, et les compositeurs, essentiellement de langue française, qui mirent Mallarmé en musique (principalement Debussy puis surtout Boulez qui en fit le coeur irradiant de son entreprise). Il tente de clarifier le sens artistique, poétique, esthétique et philosophique de la référence constante de Mallarmé à la musique et d'examiner à cette aune les musiques qui se réfèrent à Mallarmé. Par-delà l'analyse de ces musiques " mallarméennes ", il s'agit de comprendre la part de l'esthétique musicale et la part de l'esthétique tout court que Mallarmé rend possible pour l'art contemporain. Cet examen se fait tout au long de deux moments principaux que les XXe et XXIe siècles semblent dessiner à titre d'hypothèse : le premier moment étant celui de la mise en musique de la poésie mallarméenne au début du XXe siècle (Debussy et Ravel), le second étant celui de la puissante inspiration du Coup de dés et du Livre sur les musiciens des années cinquante (Boulez), Un troisième moment, plus contemporain ou actuel, élargit l'inspiration ou l'émulation de l'oeuvre mallarméenne aux arts de la scène ou de la performance.

Mallarmé et la musique, la musique et Mallarmé - L'écriture, l'orchestre, la scène, la voix

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage  les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

Comment penser un film de fiction à partir des oeuvres d'art qui s'y trouvent sous la forme d'objet, de représentation, de projet. de performance ou d'événement? A l'inverse. comment penser les oeuvres et les arts non filmiques à partir du cinéma qui les met en .scène, en images et en récit? C'est à ces deux questions reliées circulairement qu'est consacré cet ouvrage collectif où dialoguent historiens. théoriciens, critiques et esthéticiens du cinéma. Dans ce dialogue ouvert et pluridisciplinaire. le lecteur cernera d'abord les principales opérations, fonctions, modalités et portées de ce jeu baroque - souvent fascinant - d'emboîtements et de citations par lequel le film de fiction se laisse nourrir, creuser. perturber, altérer, hanter par d'autres oeuvres d'art que les oeuvres cinématographiques elles-mêmes. Il verra ensuite, et en retour, comment les oeuvres littéraires. plastiques, musicales. chorégraphiques, architecturales. théâtrales que les fictions filmiques utilisent, se laissent éclairer par la lumière propre du cinéma.

Les oeuvres d'art dans le cinéma de fiction

L'enregistrement affectera l'auditeur vers lequel finalement toute cette activité est dirigée. Ce sont ces changements, promis par Glenn Gould en 1966, que cet ouvrage repère et analyse. Musicologue, ethnomusicologue, historien des arts contemporains et des techniques d'enregistrement, producteur de disques, ingénieur du son, directeur artistique, musicien, théoricien du cinéma et philosophe, tous tendent l'oreille dans ce livre au monde sonore, musical et cinématographique contemporain.

Musique et enregistrement

Comment penser la passion de la montagne ? Comment dire le mystère d'une course en haute montagne ? L'irrationalité de son appel mais aussi l'intelligence et le calcul de son parcours ? Grâce au dialogue entre récits, concepts et images, ces essais tentent de répondre. Ils dessinent une philosophie de l'alpinisme qui est une philosophie de l'existence : « Il te reste peu de temps. Vis comme sur une montagne. »

De l'alpinisme

Dans les deux volumes de L'oeuvre de L'art parus en 1994 et 1997, Gérard Genette jetait les principes d'une esthétique extrêmement précise et argumentée. Cette esthétique surprit d'autant plus qu'elle venait d'un grand théoricien français de la littérature (du roman, de la rhétorique, de la poétique, des genres, etc.) qui passait à la philosophie grâce à la lecture de l'esthétique analytique, et qui était attentif à la diversité du mode d'existence des oeuvres dans l'histoire comme dans l'époque contemporaine. Cet ouvrage collectif est ainsi la première tentative de discussion des thèses, des arguments et des enjeux de la pensée esthétique de Gérard Genette. En croisant les regards des philosophes et des esthéticiens (analytiques et " continentaux ") avec ceux des théoriciens des différents arts (littérature, musique, cinéma, arts visuels), en replaçant cette esthétique dans l'ensemble du travail critique et théorique de Gérard Genette, il s'attache à comprendre et à évaluer l'importance d'un projet philosophique original du point de vue de la généralité de la théorie mais aussi du point de vue de la singularité des arts et des oeuvres. Le livre est complété par un DVD contenant l'enregistrement d'un entretien de 50 minutes avec Gérard Genette intitulé De Figures à Codicille. Il permet de comprendre le point de vue de Gérard Genette lui-même sur la nature et les conditions d'un parcours et d'un travail de près d'un demi-siècle.

La pensée esthétique de Gérard Genette

Ce livre explore les différents types de structures paysagères, naturelles ou artificielles, passées et présentes, dans une approche à la fois historique et pluridisciplinaire, du sillon de Romulus à la skyline. Il repose sur deux principes. D'une part, il fait le choix d'appréhender les paysages - naturels, anthropisés et artistiques - à partir des lignes et des figures géométriques simples qui les structurent ou qui les rythment : une ligne d'horizon, un cercle de mégalithes, un chemin de crêtes, une rocade, le sommet d'un volcan, une ligne d'éoliennes, un parcellaire agricole ou un gratte-ciel s'imposent à la perception et définissent immédiatement une configuration signifiante. D'autre part, il revendique la possibilité de faire dialoguer des conceptions du paysage trop souvent séparées : le point de vue anthropologique et archéologique sur les sociétés anciennes, le geste des land-artistes, le regard de l'urbaniste et celui du philosophe, les exigences de l'architecte et celles du géographe, les perspectives de l'historien d'art, du littéraire comme celles des théoriciens de la perception. Comme nous vivons dans un seul et même monde et que nous sommes spontanément capables de reconnaître un paysage lorsqu'il s'offre à nous - qu'il soit naturel, rural, urbain ou artistique -, l'ambition et l'originalité des analyses ici rassemblées sont de parvenir à esquisser, non seulement la possibilité d'une théorie commune, mais celle d'une théorie unitaire du paysage.

Des lignes et des paysages - Du sillon à la skyline

Que dit le cinéma - documentaire ou de fiction - sur la naissance des oeuvres, qu'elles soient celles des autres arts ou les siennes propres? Pourquoi et en quels sens le cinéma est-il un instrument privilégié et fécond d'observation, d'analyse et d'interprétation de la genèse des oeuvres d'art? Que nous apprend le cinéma sur la relation du créateur à son oeuvre et sur les opérations de la création que celle-ci soit entendue comme l'acte par lequel une oeuvre d'art est instaurée comme nouvelle et significative, ou qu'elle soit pensée comme la première manifestation publique d'une oeuvre d'art quand elle doit d'être représentée ou exécutée? Telles sont les principales questions de cet ouvrage. La création n'y sera pas abandonnée à son mystère, à sa fulgurance ou à sa généralité. Au contraire, elle sera approchée au plus près des oeuvres, des artistes, des gestes et des processus.

Filmer l'acte de création

Quelle est l'influence de la musique sur la perception des images animées ? Que devient la musique quand elle n'est plus qu'un élément parmi d'autres dans cet ensemble synthétique et temporel qu'est le film ? Cette double question est à l'origine de l'ouvrage, qui confronte des analyses de musicologues et de théoriciens du cinéma, de philosophes et de cinéastes.
Lieu unique de rencontre entre la musique populaire et la musique savante, le cinéma permet d'associer dans le même mouvement les amples partitions orchestrales de Max Steiner et les ritournelles de Carlos d'Alessio, le Leitmotiv entêtant de In the Mood for Love et le rock'n roll de Lost Highway, la musicalité joyeuse du cinéma de Jacques Tati et les recherches exigeantes de Jean-Luc Godard. Écouter les films pour mieux les voir, les voir pour mieux les écouter : tel est le but que se sont fixé, sans préjugés, les auteurs de ces études.

Musique et images au cinéma

Alpinisme et photographie - 1860-1940

L'hypothèse du livre est la suivante: la poésie mallarméenne est philosophique dans un sens non conceptuel, non disciplinaire ou non académique. Elle est cependant une puissante expérience sensible et spirituelle de pensée qui consiste, comme la philosophie depuis l'Antiquité, à s'étonner c'est-à-dire, à la fois, à s'émerveiller et à s'inquiéter. C'est pourquoi le présent ouvrage se place au centre du cercle suivant qu'il tente de mettre en mouvement: il faut lire les philosophes pour comprendre Mallarmé; il faut lire Mallarmé pour comprendre les philosophes. Car, c'est dans cette conversation (le mot est de Mallarmé) avec Platon, Montaigne, Pascal, Descartes, Hegel, que le poète écrit et élabore une philosophie dans l'acte même de la pratique artistique.

Mallarmé philosophe

" Ce que vous voyez est ce que vous voyez " est la formule que le peintre américain Frank Stella a utilisée en 1961. afin de justifier sa pratique picturale abstraite que les critiques de l'époque ont rapidement nommée " art minimal ". Car il s'agissait, pour lui, d'inventer une nouvelle forme artistique qui réduisît l'œuvre à ses éléments les plus simples, les plus matériels et les plus visibles au point de n'être plus qu'une entité purement objectale ne s'identifiant qu'à elle-même. Par ce geste et cette formule, l'art minimal et littéraliste de Stella mais aussi de Robert Morris, de Carl Andre ou de Donald Judd rejetait d'un coup la définition traditionnelle de l'art comme imitation, expression, symbole ou métaphore à interpréter. Il impliquait aussi une radicale reconsidération de l'art et de son histoire à l'époque moderne (au moins depuis l'émergence de la photographie et de l'impressionnisme d'Edouard Manet que ce livre collectif entend explorer. En nouant les discours de l'esthétique, de la critique, de la philosophie, de l'histoire de l'art et de l'art lui-même, l'ouvrage analyse les enjeux d'un moment important de l'art du XXe siècle. Profond à force de créer des surfaces seulement visibles, réflexif à force de vouloir réduire l'œuvre à une simple chose parmi les choses, " l'art minimal " - puis " l'art conceptuel " - nous interroge et nous inquiète ou sujet de la nature, des opérations et de la fonction de l'art d'aujourd'hui.

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