L'enregistrement affectera l'auditeur vers lequel finalement toute cette activité est dirigée. Ce sont ces changements, promis par Glenn Gould en 1966, que cet ouvrage repère et analyse. Musicologue, ethnomusicologue, historien des arts contemporains et des techniques d'enregistrement, producteur de disques, ingénieur du son, directeur artistique, musicien, théoricien du cinéma et philosophe, tous tendent l'oreille dans ce livre au monde sonore, musical et cinématographique contemporain.

Musique et enregistrement

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale : il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La valeur de l'émotion musicale

Hormis quelques rares oeuvres, l'opéra français souffre d'une mauvaise réputation. Fort mal connu, on lui reproche de ne viser que rarement au sublime, de ne guère rechercher l'intensité et la profondeur de l'expression ou la densité de l'écriture. Faust ou Carmen ne sont que les arbres qui cachent une forêt trop longtemps laissée à l'abandon.Sensible à la nuance et à la légèreté, parfois à l'intimisme (notamment dans l'opéra lyrique), allant du divertissant au grandiose (particulièrement dans le grand répertoire meyerbeerien) en mettant souvent en scène des sujets exotiques, ce répertoire, qui connut une très grande popularité, servit un temps de modèle aux plus grands compositeurs lyriques du moment, Wagner et Verdi en tête, au nom desquels on l'a, depuis, souvent rejeté.Comment dès lors comprendre ce qui fait la véritable spécificité de cet édifice lyrique français, si ce n'est en s'appliquant à en démonter les rouages, à en dévoiler les artifices et les originalités, à en présenter les acteurs: compositeurs, librettistes, interprètes, éditeurs et aussi journalistes, sans négliger le pouvoir politique, la censure et même le public.A travers un discours souvent pittoresque se dessinent les diverses voies empruntées par l'opéra français d'alors, certaines classiques, parfois académiques (Boieldieu, Auber, Adam), d'autres plus originales (Gounod, Bizet, Massenet) ou franchement iconoclastes au regard des conventions de l'époque (Berlioz), ainsi que les transformations qui s'opèrent au cours du siècle, parmi lesquelles l'influence grandissante de la musique allemande et du wagnérisme.Ce livre, nourri des écrits de nombre de compositeurs doués d'une plume remarquable et savoureuse (Berlioz, Saint-Saëns, Reynaldo Hahn), ne se prive pas du regard d'écrivains aussi essentiels que Stendhal, Balzac, Gautier ou Zola, observateurs attentifs et compétents de la vie lyrique.Une approche sociologique, esthétique, littéraire et bien évidemment musicale de cette période particulièrement féconde de l'histoire de l'opéra.Musicologue, maître de conférences à l'université de Metz, Hervé Lacombe prépare actuellement un important ouvrage sur Bizet.

Les Voies de l'opéra français au XIXe siècle

L'enjeu du présent ouvrage est d'interroger les modalités d'articulation entre opéra et fantastique en diversifiant les modes d'approche de ce « monde à part » où la réalité semble être remise en question. Diverses contributions cherchent à dévoiler ce que le fantastique vient prendre en charge à l'opéra ou, inversement, ce que l'opéra en soi exprime ou fait valoir de fantastique. Puis un large panorama permet d'explorer les répertoires allemand, français, russe, américain, italien, anglais, aux XIXe et XXe siècles. Enfin, plusieurs contributions visent à élargir le propos à l'imaginaire lyrique en général, qu'il soit le fait de la littérature, de la peinture ou du cinéma. Des entretiens avec le compositeur Georges Aperghis et les metteurs en scène Daniel Dupont et Olivier Py complètent ce volume issu d'un colloque international et interdisciplinaire organisé en partenariat entre l'Opéra de Rennes et l'université Rennes 2.

Opéra et fantastique

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage  les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La musique de Francis Poulenc n'a pas connu de purgatoire et s'est affirmée comme l'une des plus appréciées du XXe siècle. Ce livre cherche à comprendre son succès et son devenir (sa fortune) en France et à l'étranger. Sont évoqués les réseaux professionnels et amicaux, les institutions, la presse, les interprètes grâce auxquels les oeuvres circulent. Mais aussi les conditions d'exécution ou de représentation des oeuvres du musicien, les cadres esthétiques de leur réception, et toute forme de témoignage permettant de rendre compte de leur programmation, de leur diffusion et de leur perception. De l'Espagne au Japon, en passant par la sphère germanique ou l'Italie, des chercheurs montrent comment Poulenc et son oeuvre furent accueillis et critiqués. Les questionnements se situent à diverses échelles : tandis qu'est déployé le vaste panorama de la discographie poulencquienne, le Concert champêtre révèle des visages inattendus. On s'attache à l'écoute de Poulenc par les écrivains et musicologues de son temps, mais aussi à la manière dont lui-même a créé les conditions de son traitement critique. Plusieurs études abordent le chef-d'oeuvre Dialogues des Carmélites, objet de nombreuses réappropriations de la part des metteurs en scène. Sont enfin considérés la place de Poulenc durant des périodes clés de l'histoire, et les échos qu'a suscités sa musique chez des compositeurs de tous horizons.

Fortune de Francis Poulenc - Diffusion, interprétation, réception

Pétrie d'influences, écrite dans des genres établis, fondamentalement tonale, l'oeuvre de Francis Poulenc montre de manière éclatante qu'il est encore possible, durant la première moitié du XXe siècle, de tirer un style éminemment personnel d'un langage hérité. Animée de paradoxes et oscillant du profane au sacré, empruntant constamment sa matière à d'autres auteurs sans jamais perdre son caractère propre, la musique du compositeur français est reconnaissable entre toutes. Elle porte la marque de singularités que cet ouvrage se propose d'identifier, d'explorer et d'expliquer en croisant approches et méthodes d'analyse aussi stimulantes qu'inattendues. Les différents genres dans lesquels Poulenc s'est exprimé sont abordés de la messe à l'opéra, de la mélodie à la musique de film, de la symphonie à la musique de chambre, du concerto à la sonate.

Du langage au style - Singularités de Francis Poulenc

Suivre les pas de Poulenc, c'est vivre dans un Paris de légende ; aller à la rencontre de Picasso, Matisse et Dufy, d'Apollinaire et Gide, de Radiguet et Max Jacob ; découvrir les ateliers du Montparnasse artiste, entrer chez les marchands de tableaux qui défendent le cubisme, suivre les créations des Mamelles de Tirésias et de Parade, participer à l'aventure des Ballets russes, passer de la comète étincelante de Cocteau au lyrisme et aux litanies poétiques d'Éluard. Il n'est guère de destin de musicien comparable à celui-là. Un musicien pétri de théâtre, de poésie et de peinture, tout à la fois enfant et témoin de la France de la première moitié du XXe siècle, où s'entrechoquent les Années folles, la grande crise des années 1930 et deux guerres mondiales. « Ma musique est mon portrait », disait-il peu avant sa disparition. Tout au long de son existence, Poulenc se présente, se peint, se confie, avoue même se confesser en musique. Plus sans doute que chez aucun autre compositeur, sa vie nourrit son ouvre. Écrire sa biographie, c'est éclairer son imaginaire, son style et son esthétique.Se fondant sur nombre de sources inédites (correspondances, archives, témoignages), explorant les relations du musicien à sa famille, au milieu artistique et culturel de son temps, à l'église et au Tout-Paris, à l'avant-garde et à la tradition, aux musiques populaires et aux musiques du passé, croisant l'intime et le social, le travail secret du compositeur et l'activité publique du concertiste, éclairant les nombreuses contradictions qui animent cette personnalité hors du commun, Hervé Lacombe livre le portrait nuancé et foisonnant d'un homme à fleur de peau, déchiré par des aspirations et des désirs incompatibles, soucieux de prendre place dans l'histoire de la musique tout en restant fidèle à un monde dont il observe la disparition.

Musique et enregistrement

Résumé

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