La plus grande exposition Delacroix jamais réalisée ! A l'occasion de la première grande monographie dédiée à Eugène Delacroix, évènement inédit en Espagne jusqu'à présent, issue d'un partenariat entre le Musée du Louvre et la fondation La Caixa, les éditions El Viso ont le plaisir d'en publier le catalogue. Une rétrospective entièrement consacrée au maître de la peinture romantique française qui présentera 190 oeuvres provenant du Louvre, d'une vingtaine de musées européens et américains ainsi que de collections privées et se tiendra à Barcelone d'octobre 2011 à février 2012 et à Madrid de mars à juin 2012 L'ouvrage aborde successivement les années de jeunesse du peintre, son voyage au Maroc et ses années de maturité en s'attardant sur des thèmes tels que : la peinture et la musique, le journal comme autoportrait, le nu et le drapé, l'expérimentation technique du noir et blanc ou encore paysage et histoire.

Delacroix 1798-1863 - De l'idée à l'expression

Un nouveau volume de l'histoire de l'art français, consacré au XIXe siècle dans toute sa diversité avec Ingres et Delacroix, Manet et Puvis de Chavannes, Gustave Eiffel et Charles Garnier. L'art français devient alors universellement exemplaire, diffusant à l'étranger les trouvailles de l'impressionnisme, le modèle haussmannien ou les audaces de l'Art nouveau et recevant les influences étrangères.

L'art français ; le XIX siècle

La représentation de l'enfance accompagne l'histoire de la peinture depuis le Moyen Age. Des tableaux d'église aux tableaux de Salon, les artistes ont brossé tous les visages de l'enfance : enfants divins de la peinture religieuse ou mythologique, petits princes de l'art de cour, anges du foyer de la peinture de genre, enfant modèle du portrait de famille, sans compter tous les irréguliers de l'enfance qui n'ont pas moins intéressé les artistes, petits gueux et petits bâtards, enfants surnaturels ou démoniaques, cancres et révoltés. Cette place dévolue à l'enfance conduit à s'interroger sur les fonctions mêmes de la peinture, sur son évolution du sacré au profane et du profane à l'intime, sur son implication clans la formation des identités sexuelles et dans les pratiques éducatives, sur sa quête de naïveté primitive. Figure incontournable de la peinture, l'enfant est une grande question pour l'histoire de l'art. Au travers plus de deux cent trente artistes, du XIVe siècle à nos jours, ce livre propose une étude sans précédent sur le sujet.

L'enfant dans la peinture

De l'Ancien Régime aux Restaurations via les Révolutions et l'Empire, les années 1770 à 1830 constituent une période d'importantes mutations politiques, culturelles et sociales. A l'aune des Lumières qui ont placé l'individu au centre des regards, le portrait s'affirme comme le genre moderne par excellence. Aussi les plus grands artistes (Reynolds, Gainsborough, Goya, Pajou, Houdon, Canova, Thorvaldsen, David, Prud'hon, Ingres...) s'y adonnent-ils, lui conférant une place incontournable au sein des beaux-arts. Au-delà des modèles traditionnellement établis, le portrait connaît une extension sans précédent de son répertoire : souverains, chefs d'Etat, militaires, mais aussi femmes du monde, courtisanes, artistes et familles bourgeoises. Entre public et privé - des imposantes effigies officielles, aux représentations de personnages saisis dans l'intimité du quotidien - des formes artistiques nouvelles s'établissent. cet album, qui réunit 20 chefs-d'œuvre peints et sculptés de l'exposition, met en lumière les évolutions, en Europe et aux Etats-Unis, d'un genre riche de multiples influences.

Portraits publics, portraits privés, 1770-1830

" Aucun tableau ne révèle mieux l'avenir d'un grand peintre que celui de E. Delacroix représentant le Dante et Virgile aux Enfers ", voilà comment Adolphe Thiers salua, en 1822, la première oeuvre qu'Eugène Delacroix présenta au Salon.
Par un sujet inédit inspiré d'un épisode peu connu de la Divine Comédie de Dante, par la conception sombre et profondément dramatique de la toile, par l'exécution, rapide et dense, nourries de références à Michel- Ange ou à Rubens, Delacroix, âgé d'à peine 24 ans, étonna, déconcerta ou suscita l'enthousiasme.
Les termes du débat sur la question du romantisme en peinture, qui allait éclater, en 1824, avec les Massacres de Scio, venaient d'être magistralement posés.
L'ouvrage accompagnant l'exposition, replacera Dante et Virgile aux Enfers, dit aussi la Barque de Dante, aujourd'hui conservé au musée du Louvre, dans son contexte historique, artistique, iconographique. Il s'attachera d'une part à préciser la place de ce coup d'essai au Salon dans la carrière et la production de jeunesse de l'artiste, d'autre part à évaluer dans quelle mesure l'inspiration littéraire a pu permettre un renouvellement de la peinture d'histoire et enfin à expliquer comment ce célèbre tableau a pu constituer un jalon fondamental dans la définition d'un art romantique, en ouvrant à la peinture française un univers poétique nouveau, plus intense et dramatique.

Dante et virgile aux enfers d'eugene delacroix - les dossiers du musee du louvre

" C'est un noble usage que de laisser le palais des rois ouvert au peuple ! " s'exclama le critique Delécluze lors de l'inauguration du musée Charles X au Louvre en 1827. Après la chute de l'Empire, la Louvre, qui avait accueilli le plus prestigieux musée du monde, devint l'objet des attentions les plus vives des gouvernements successifs de la Restauration. Sous les règnes de Louis XVIII et Charles X, on entendit faire du Louvre non seulement le symbole fastueux de la monarchie restaurée, mais aussi celui du relèvement d la Nation. A côté du musée royal, qui se développa sur les dépouilles du musée Napoléon, trois nouveaux musées y furent créés : le musée Charles X et ses deux divisions, l'une antique, l'autre égyptienne sous l'égide du jeune Champollion, un musée de sculptures modernes et l'ancêtre du musée de la Marine. Des institutions politiques et administratives, comme la chambre des Séances royales ou le Conseil d'Etat, vinrent s'y installer. Toutes furent dotées de décors somptueux, où œuvrèrent certains des artistes les plus célèbres du moment : les peintres Gros, Gérard, Ingres ou Delacroix, les architectes Percier et Fontaine, le sculpteur David d'Angers... Si quelques uns de ces ensembles furent démembrés, beaucoup sont aujourd'hui conservés dans les salles du musée et suscitent l'admiration des visiteurs. Pourtant, ils n'ont jamais fait l'objet d'une étude d'ensemble, qui les replace à la fois dans le contexte culturel, artistique et politique de ces années 1820, bientôt qualifiées de romantiques. Le présent ouvrage entend combler cette lacune. Ainsi revisité, le Louvre de la Restauration apparaît comme l'un des lieux du renouveau de la peinture monumentale en France, renouveau qui s'opéra autour d'une idée politique : le dépassement de la Révolution dans une relecture mythique de l'histoire de la monarchie et la réconciliation nationale.

Le Louvre à l'époque romantique - Les décors du palais (1815-1835)

Catalogue officiel de l'exposition Corot, le peintre et ses modèles au musée Marmottan Monet à Paris, du 8 février au 22 juillet 2018. Les figures de Corot n'ont jamais fait l'objet d'une exposition d'une telle ampleur. Aujourd'hui universellement célèbre pour ses paysages, Camille Corot (1796-1875) fut aussi un immense peintre de figures ; Degas l'estimait d'ailleurs tout particulièrement en ce domaine, soulignant sa modernité. Portraits d'intimes et nus étranges, paysannes romaines et moines absorbés dans la lecture, enfants et modèles d'ateliers, femmes à la mode et hommes en armures, Corot aborda tous les genres avec succès, des toutes petites effigies de ses intimes à ses monumentales figures de fantaisie, dont la Femme à la perle au musée du Louvre est la plus célèbre.
 
Contemporain aussi bien d'Ingres auquel il rend hommage que de Courbet ou du jeune Manet, auquel il se confronte, Corot, au cours de sa longue carrière, cherche, avec ses figures, à élever un pont entre tradition et modernité.
 
Riche d'une soixantaine de chefs-d'oeuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées d'Europe et des États-Unis (musée du Louvre, musée des Beaux-Arts de Lyon, musée d'Art et d'Histoire de Genève, de Zurich, Metropolitan Museum of Art de New York, National Gallery de Washington, collection Thyssen-Bornemisza de Madrid...), cet ouvrage rend compte de l'exposition organisée par le musee Marmottan Monet, Corot, peindre la figure humaine, du 8 février au 8 juillet 2018. Il met en lumière cet aspect aussi original que brillant de la production de celui qui fut le premier paysagiste moderne.
Version bilingue français/anglais.Version bilingue français/anglais.
Coédition Editions Hazan/Musée Marmottan Monet

Corot ; le peintre et ses modèles

Ingres - la réforme des principes : 1806-1834. Longtemps, Jean-Dominique Ingres a été compris comme le suiveur de David ou comme le père de l'académisme, un attardé fuyant la scène artistique et s'exilant en Italie, un dessinateur s'opposant au "coloriste", au "moderne" Delacroix. Le présent essai entend comprendre la manière dont ce mythe s'est construit, et les raisons qui ont présidé, dès le XIXe siècle, à son élaboration. A la lecture des documents de l'époque et en confrontant les peintures d'Ingres à celles de ses contemporains, il apparaît alors que le peintre, loin d'être un suiveur consciencieux de David, très vite chercha à réformer l'art de son maître. C'est vraiment entre 1806 et 1834 que l'artiste entendit être " ce révolutionnaire-là ", faisant du Salon le lieu de sa reconnaissance publique et celui de l'affirmation de son originalité, une originalité qui ne cessa de dérouter. Loin d'être le peintre académique et dogmatique qu'on a voulu souvent voir, Ingres, dans ces années d'effervescence artistique et de débats esthétiques, entendait bien sortir la peinture d'histoire de l'ornière de la répétition stérile. Pour cela, il lui fallut transgresser les principes acquis chez David, en se mettant en quête de modèles nouveaux : il les trouva notamment au Musée. C'est dans ce mouvement d'archaïsme libérateur qu'il réussit à réformer les principes enseignés et a affirmer sa singularité.

Ingres - La réforme des principes : 1806-1834

En 1835, le peintre Antoine-Jean Gros se suicide en se jetant dans la Seine, peu de temps après le Salon où il avait présenté Hercule et Diomède. Les critiques virulentes à l'encontre de ce tableau ont longtemps été considérées comme la cause de sa mort. Cet ouvrage réexamine les pièces de ce dossier et, particulièrement, la manière dont cette mort " honteuse " a été rapportée, transformée, voire maquillée. C'est toute la question de l'artiste moderne qui est posée dans ce débat. Cet épisode met en lumière les difficultés éprouvées par les grands peintres de l'Empire, la plupart élèves de David, à gérer les mutations de la société après 1815, notamment la liberté accordée aux artistes recevant des commandes de l'Etat et la confrontation directe avec l'opinion publique, par l'intermédiaire du Salon. Gros, Gérard, Girodet et Guérin adoptèrent des stratégies diverses et propres pour assurer le maintien de leur notoriété, voire de leur pouvoir, en particulier face à une génération nouvelle pressée d'arriver. L'ouvrage montre comment, dans la société moderne, la rencontre de ces deux générations s'est cristallisée autour de la finalité et de la survie de la peinture d'histoire. À la faveur d'une liberté nouvelle dans le système des beaux-arts, dans un pays en paix et de nouveau prospère, les artistes et les critiques reprennent en les réactualisant des débats initiés dans les années 1790 et en partie occultés par la constitution d'une épopée napoléonienne, traduite en images par David et ses meilleurs élèves.

Le suicide de Gros ; les peintres de l'Empire et la génération romantique

Catalogue officiel de l’exposition Corot, le peintre et ses modèles au musée Marmottan Monet à Paris, du 8 février au 8 juillet 2018. Les figures de Corot n'ont jamais fait l'objet d'une exposition d'une telle ampleur. Aujourd’hui universellement célèbre pour ses paysages, Camille Corot (1796-1875) fut aussi un immense peintre de figures ; Degas l’estimait d’ailleurs tout particulièrement en ce domaine, soulignant sa modernité. Portraits d’intimes et nus étranges, paysannes romaines et moines absorbés dans la lecture, enfants et modèles d’ateliers, femmes à la mode et hommes en armures, Corot aborda tous les genres avec succès, des toutes petites effigies de ses intimes à ses monumentales figures de fantaisie, dont la Femme à la perle au musée du Louvre est la plus célèbre. Contemporain aussi bien d’Ingres auquel il rend hommage que de Courbet ou du jeune Manet, auquel il se confronte, Corot, au cours de sa longue carrière, cherche, avec ses figures, à élever un pont entre tradition et modernité. Riche d’une soixantaine de chefs-d’œuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées d’Europe et des États-Unis (musée du Louvre, musée des Beaux-Arts de Lyon, musée d’Art et d’Histoire de Genève, de Zurich, Metropolitan Museum of Art de New York, National Gallery de Washington, collection Thyssen-Bornemisza de Madrid…), cet ouvrage rend compte de l’exposition organisée par le musee Marmottan Monet, Corot, peindre la figure humaine, du 8 février au 8 juillet 2018. Il met en lumière cet aspect aussi original que brillant de la production de celui qui fut le premier paysagiste moderne.Version bilingue français/anglais.Coédition Editions Hazan/Musée Marmottan Monet

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