Ce traité propose une synthèse sur le thème des instabilités rocheuses sous un angle d'approche géomécanique, en rassemblant quelques contributions récentes, reconnues au plan international. Il aborde de manière approfondie les trois phases du phénomène (déclenchement, propagation, interaction avec ouvrages), et met en avant les avancées scientifiques dans ce domaine, tout en démontrant comment celles-ci trouvent une application dans le domaine de l'ingénierie et l'expertise. La gestion des instabilités rocheuses, à l'échelle d'un site, nécessite à la fois une identification la plus fine possible de l'aléa, actuel et à venir, sous l'emprise des phénomènes climatiques, mais aussi une maîtrise du dimensionnement des techniques de protection qui peuvent être réalisées. La volonté de ce Traité est donc d'esquisser une synthèse des connaissances et outils actuels, construite dans un souci permanent de pédagogie et d'information à vocation opérationnelle, sans nuire à la rigueur scientifique attachée aux fondements des outils et méthodes développées.

Géomécanique des instabilités rocheuses - Du déclenchement à l'ouvrage

Marc Rothko est né en 1903 à Dvinsk dans l’Empire Russe sous le nom de Marcus Rothkowitz. A la fin des années 30, il abandonne le suffixe de son patronyme et adopte la nationalité américaine. C’est après la Seconde Guerre mondiale que va s’affirmer ce qui fera la notoriété internationale de sa peinture : ses célèbres écrans de couleur. Il se suicide en 1970. Troublé par l’apparent effacement de ses origines dans son oeuvre, Stéphane Lambert a cherché à reparcourir le fil gommé de ce déracinement. L’auteur a donc fait le voyage en Lettonie et à Houston et surtout s’est beaucoup promené dans les peintures de Rothko. Il ressort de cette confrontation un texte qui, partant de l’expérience vécue du peintre, peu à peu se plie à l’absence de forme de l’oeuvre observée et en sonde l’incommensurable profondeur : un lieu où se seraient amalgamés tous les lieux, où s’allient les contraires.

Mark Rothko - Rêver de ne pas être

Le livre de Stéphane Lambert traite un thème littéraire fondamental : le corps qui est le nôtre, le corps que nous sommes, le corps que nous devenons à travers les expériences que nous en faisons ou qu'il nous amène à vivre. Sans complaisance aucune, mais loin de toute hypocrisie et de toute provocation, Stéphane Lambert évoque ici une telle histoire où l'être sexuel du corps - homosexuel en l'occurrence - s'impose comme défi à la société. Histoire du moi et histoire du corps se croisent, de l'enfance à l'âge adulte, composée en creux d'un abus qui était aussi une vraie initiation au plaisir. Un livre cru et impitoyable, écrit dans un style classique d'une grande pureté et d'une précision sans faille qui renouvelle le genre de l'autobiographie.

Mon corps mis à nu

Dans la foulée d'un précédent ouvrage intitulé Art Poems publié en 2018 dans la même collection, ce recueil est composé de brèves suites consacrées à la création picturale, depuis l'art pariétal jusqu'à la création la plus contemporaine, que ce soit à travers les ouvres de Mark Tobey, de Lee Ufan, de Gerhard Richter ou encore d'Evi Keller. Sa poésie demeure parole d'ouverture et plus particulièrement encore lorsqu'il s'attarde à la création picturale appréhendée comme avènement d'un événement. Ici, Stéphane Lambert rejoint les thèmes les plus décisifs qui traversent son ouvre littéraire, que celle-ci épouse la forme du roman, de l'essai, et bien sûr, de la poésie. Pour l'auteur de ces textes, sentir et percevoir trouvent leur manifestation sensible à travers la recherche de nouvelles formes expressives, si ce n'est par la figuration, par la construction d'un espace pictural visant une représentation, pour ne pas dire une présentation. Tout au long de ces suites, l'auteur parvient sans difficulté à étonner son lecteur, à la fois par la rigueur dont il fait preuve, par la précision de ses observations, du fait que sa propre expérience intérieure rejoint celles qui se manifestent au cour des créations picturales qui sont aussi d'autres expériences de la vie.

écriture première - collection  poiesis

Propos provoqués et recueillis par Stéphane Lambert. 
«Metteur en scène, je n'avais rien pour l'être, aucune préparation, aucun ancêtre, rien, le désert.
Ce désert sans doute a été mon meilleur allié.» Claude Régy, né en 1923 à Nîmes, après une formation d'acteur auprès de grands maîtres de la scène (Dullin, Balachova, Vitold), s'est consacré à la mise en scène d'auteurs contemporains depuis les années 1950, créant pour la première fois en France certains textes de Pirandello, Kleist, Duras, Pinter, Saunders, Stoppard, Arrabal, Bond, Sarraute, Handke, Botho Strauss, Jon Fosse. ouvrant considérablement le répertoire des oeuvres contemporaines. Il a aussi fait découvrir des acteurs, comme Gérard Depardieu en 1971, Martial Di Fonzo Bo, Laurent Cazanave, entre autres. Il laisse résonner ici les échos de ses lectures, de ses rencontres et de ses nombreuses mises en scène.

Dans le désordre

Mark Rothko, rêver de ne pas être

Deux siècles après leur composition (1819-1823), dans un monde confronté à de nouveaux enjeux de taille, Stéphane Lambert se penche sur l'extraordinaire cycle des peintures noires de Goya pour sonder leur inépuisable actualité. Par cette plongée dans l'imaginaire de ses hantises les plus entêtantes, le peintre espagnol avait transfiguré tous les genres picturaux de l'époque et bouleversé durablement la vision de notre humanité. Goya (1746-1828) a tout traversé, les humiliations et les honneurs, les assauts de la maladie, la guerre et les remous de l'Histoire, avec le fabuleux don de transformer les ravages en occasions de révolutionner son art. Revenant sur le riche et long parcours d'un artiste de génie, le livre prend la forme d'un voyage à travers une oeuvre professant la vitalité inébranlable de la création face à la menace du chaos. Ce livre a reçu le prix André Malraux en 2019.

Visions de Goya - L'éclat dans le désastre

Paul Klee, entre-mondes

Giverny. Début du XXe siècle. Alors qu’au loin ont cessé de retentir les bombardements, un vieil artiste scrute opiniâtrement un étang vibrant sous les fluctuations de la lumière. Il a formé le voeu de saisir l’intimité de la matière à travers le motif obsédant des nymphéas.Mais une double cataracte menace sa vue, et la création côtoie si souvent le vertige…C’est le dernier combat de Monet, qui le mènera à l’apogée de son art. À ses côtés, sa belle-fille, Blanche, peintre elle aussi – et son souffre-douleur, et Clemenceau, ami fidèle, alors retiré de la politique, sans qui le projet de l’Orangerie n’aurait jamais vu le jour.Stéphane Lambert évoque, par le biais de ce bouleversant trio, les derniers jours de Monet dans la lumière enflammée du jardin de Giverny.

Monet

un autre monde surgi de l'ancien qui dit que l'art ne finit pas à son élan premier. Stéphane Lambert

Art Poems

Le sexe et la main

Ce récit traite un thème littéraire fondamental : le corps qui est le nôtre, le corps que nous sommes, le corps que nous devenons à travers les expériences que nous en faisons ou qu'il nous amène à vivre. Sans complaisance aucune, mais loin de toute hypocrisie et de toute provocation, Stéphane Lambert évoque ici une telle histoire où l'être sexuel du corps - homosexuel en l'occurrence - s'impose comme défi à la société. Histoire du moi et histoire du corps se croisent sans jamais tout à fait coïncider, de l'enfance à l'âge adulte, composée en creux d'un abus qui était aussi une vraie initiation au plaisir. Livre cru, souvent cruel et impitoyable, écrit dans un style classique d'une grande pureté et d'une précision sans faille, Mon corps mis à nu renouvelle le genre de l'autobiographie.

Après avoir appris le décès de son ex-compagnon Jude dans un accident d'avion, et être passé à côté d'une possible histoire d'amour avec Tom (un poète dont il admire le caractère lumineux) à Vilnius, l'écrivain Nathaniel Bodler s'installe à Paris, ville où Jude a vécu après leur rupture et qui représente à ses yeux la scène de la réussite littéraire. Reprendre son destin en main, se défaire des passions tristes, se reconstruire, telles sont ses motivations en ces temps où le monde donne tous les signaux d'une désintégration généralisée. Nathaniel passe alors plusieurs semaines dans un rapport conflictuel et chaotique avec cet environnement dont la facticité et l'impersonnalité le renvoient à ses propres limites et empêchements. La ville qui l'avait tant fasciné ne lui offre qu'un visage empreint de mort avant qu'une double rencontre à la portée diamétralement opposée (François Priester, un richissime amateur d'art, et North, un ami de Jude, secrètement amoureux de lui) ne l'oblige à clarifier ses propres aspirations.

Paris nécropole - Occasion

« Et toute création qui tienne est le fruit de l'équilibre trouvé entre la foi et le vertige. Ou plutôt - entre le vertige et la foi. L'ordre des mots était important. Car le vertige, ce me semble, est mon plus vieux compagnon. Et se disant cela, il sentait remuer en lui l'ombre de ses démons...» Nicolas de Staël incarne comme nul autre le balancement (la fracture) entre la conviction de devoir créer, chercher des formes nouvelles, et l'incapacité de vivre, le tourment d'exister.
Stéphane Lambert parcourt cette faille constitutive de l'oeuvre et de la vie fulgurante du peintre et pose par ce biais la question fondamentale de l'art et de la création.
Dans une première partie, passant de l'autre côté du miroir, il donne la parole à Nicolas de Staël lors d'une nuit d'intense bouillonnement intérieur, qui le vit revenir, au volant de sa voiture, de Paris à Antibes où il devait se suicider une semaine plus tard après avoir réalisé sa dernière oeuvre, le gigantesque Concert.
Dans la seconde partie, l'auteur se retrouve à son tour face à cette même oeuvre au musée Picasso d'Antibes, et poursuit à partir de là une réflexion sur ces deux composantes, apparemment contradictoires de la vie de Nicolas de Staël, le vertige et la foi, qui, réunies, donnent à l'art sa grandeur et à l'artiste sa tragique fragilité.

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