A la faveur de l'ouverture au public, en 2004, de l'Atelier Gilioli à Saint- Martin-de-la-CIuze, le présent ouvrage vient enrichir notre connaissance de cet artiste. Emile Gilioli (1911, Paris - 1977, Paris) est l'un des représentants les plus marquants de la sculpture abstraite d'après-guerre. Avec près de cinq cents oeuvres réalisées tout au long de sa vie, il est aujourd'hui présent dans les plus grands musées d'art moderne du monde. Venu s'installer à Saint-Martin-de-la-Cluze, dans le Trièves, pendant la Seconde Guerre mondiale, il débute sa carrière artistique à Grenoble. Ses premières expositions lui procurent dès 1941 des contacts avec des amateurs d'art et des architectes. Ces derniers lui passeront rapidement commande d'oeuvres monumentales dont on peut admirer de nombreux exemples en Isère. Ce sont ces ouvres et d'autres, témoignages d'une vie artistique foisonnante, que le lecteur est invité à découvrir à travers ces pages.

Emile Gilioli, sculpteur

Le prisme de la légende de l' "artiste maudit" a longtemps troublé la vision de l'oeuvre d'Amedeo Modigliani. Cet ouvrage monographique invite à se plonger dans l'univers de cette légende artistique de Paris bohème et à envisager son oeuvre d'un nouvel oeil. Plus largement, ce sont les traits d'une société en complète mutation que le peintre a su saisir : la nouvelle place des femmes (la fameuse "Garçonne"), la mise en exergue de la jeunesse et le cosmopolitisme. Une société qu'il aborde selon des convictions sociales jamais démentiers avec une prédilection pour les sujets populaires. Quand à son style, il puise ses racines dans l'univers parisien sans jamais s'y enfermer : traversée du cubisme sous l'égide du marchand Paul Guillaume jusqu'à un langage '"cubo-métaphysique", désir de simplification au temps de Léopold Zborowski. La magie qu'exerce plus particulièrement la dernière période (1918-1919), marquée par un séjour prolongé de l'artiste sur la Côte d'Azeur, ne peut s'appréhender sans prendre en compte l'élévation des portraits de femmes, Jeanne, Hanka ou Lunia, qui équilibrent hiératisme issu du Gréco, maniérisme réinventé des attitudes et matière lumineuse de la palette.

Modigliani

Giacometti Genet : Masques et portrait moderne

La marionnette : objet d'histoire, oeuvre d'art,  objet de civilisation

Cet ouvrage propose de montrer les liens de parenté qui unissent le mythe et l'art non dans un rapport d'illustration, mais dans celui d'une action conjointe sur la vie. L'ambition est aussi d'éprouver des méthodologies innovantes et peu usitées en histoire de l'art. Dans La Pensée sauvage, Claude Lévi-Strauss dessine les traits du mythologique sous le prisme d'une anthropologie et d'un rapport particulier au monde. L'art et le mythe entretiennent des liens de proximité parce qu'ils sont langages. Ils sont aussi deux pôles qui suscitent des sentiments et des actions connexes, parce qu'ils se vivent. Contrairement à la légende, le mythe est à la fois un déni du religieux - il place l'âge d'or dans un futur à inventer et non dans un passé originel et perdu -, il est aussi une recomposition d'agencements qui tente d'exprimer au plus près et au plus juste une certaine humanité. Nous retrouvons dans cette définition l'oscillation qui sous-tend l'ouvre d'art lorsqu'elle n'est pas « domestiquées à des fins de rendement »... À la fin de ce volume, des entretiens inédits avec des personnalités importantes du monde de l'art : Pierre Restany, Dado, Alain Joubert et Vladimir Velickovic.

Art et Mythe

L'art et le mythe entretiennent des liens de proximités parce qu'ils sont langages. Ils ont la particularité de se fonder sur l'échange entre celui qui fait et celui qui sait " écouter ". Art et mythe sont deux pôles qui suscitent de la part des hommes, des sentiments et des actions connexes, parce qu'ils se vivent. On cherchera moins à mettre en évidence l'illustration du mythe dans l'art que la circulation du mythe à travers l'art. Des conceptions Jungiennes d'une formulation préconsciente du mythe à la proposition structurale lévi-Straussienne, c'est tout un XX e siècle tourné vers la question d'une définition du mythologique. La filiation demande à être revisitée aujourd'hui tant les artistes et leurs problématiques continuent d'être en résonnance avec ces conceptions. De la peinture à l'installation, du théâtre à la pratique scénique et au cinéma, l'art ne cesse de produire des mythèmes qui s'inscrivent comme autant de perspectives. 
Qu'on pense à l'avènement de la modernité pour voir aux hasards de Kandinsky à Debord et de Brecht à Genet, toute une propension à construire une mythologie contemporaine propre à traduire et exprimer ce monde tout en le transformant. Le mythe est un cycle qui se répète et qui épouse les formes de la révolution et de la mutation, il n'est qu'une origine en devenir, portant en lui sa propre défaite. Pour exemples, Roger Caillois, Sigmund Freud, André Breton et même Georges Bataille poserons des bases théoriques, souvent conflictuelles, pour en comprendre les modalités de fonctionnement et l'art sera un terrain de prédilection pour en éprouver les outils méthodologiques.

Art et mythe

A l'occasion du 20e anniversaire de la chute du Mur de Berlin, le Musée d'Histoire contemporaine, Bibliothèque de documentation internationale contemporaine, présente à partir de créations artistiques les procédures de destruction de Berlin-capitale de la RDA et leurs inscriptions dans un paysage urbain reconstruit d'où émerge de façon inattendue et spontanée des traces du passé. Car si des procédures d'effacement sont bel et bien mises en oeuvre, des traces subsistent néanmoins. Il s'agit donc dans cet ouvrage de rendre visible cette ambivalence entre oubli et mémoire, entre effacement et muséification, désir de détruire et de construire.

Berlin, l'effacement des traces

À l'invitation du musée d'Orsay, des artistes d'aujourd'hui dialoguent avec les collections en choisissant l'œuvre de laquelle ils se sentent proches. Naît ainsi la possibilité de voir les collections sous un nouveau jour. Figure majeure de l'art contemporain depuis la fin des années 1950, Jannis Kounellis, artiste italien né en 1936, est lié au mouvement de l'Arte Povera. Fasciné par le rapport entre nature et culture, il s'interroge sur les interactions entre matériaux organiques, minéraux et animaux (charbon, lait, pierre, bois) et éléments vitaux (air et feu), inventant un langage poétique propre qui donne la part belle au sacré et au mystère. Pour ces raisons, Kounellis a choisi de mettre son œuvre en correspondre avec l'Angelus de Millet.

Janis Kounellis, Jean-François Millet - Edition bilingue français-anglais

30 ans après une exposition mythique, Le Centre Pompidou organise avec le Musée Reina Sofia de Madrid et la Fondation Dali la grande rétrospective de ce début du XXIème siècle. Alors que les expositions récentes ont privilégié une approche thématique et donc partielle, l'exposition du Centre Pompidou abordera l'ensemble de l'oeuvre et de la personnalité de Dali. Une scénographie spectaculaire, des oeuvres exceptionnelles provenant du monde entier et des films feront de cette exposition l'événement culturel de la fin d'année. Le catalogue dédié à l'exposition sera lui aussi spectaculaire : une iconographie incroyablement riche, une maquette d'une grande originalité, les contributions des meilleurs spécialistes. Un livre de référence au design exceptionnel.

Dali - Ouvrage publié à l'occasion de l'exposition présentée à Paris, Centre Pompidou, Galerie 1, du 21 novembre 2012 au 25 mars 2013 et Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, du 23 avril au 2 septembre 2013

Cet ouvrage propose un panorama de la peinture italienne des XIXe et XXe siècles en insistant sur les structures de l'art italien ; polycentrisme, recherche d'identité, affirmation internationale dans une période où tradition et modernité sont en constant dialogue. Cette époque de la peinture italienne est très peu connue et très peu traitée en France. Or, elle suscite un regain d'intérêt depuis quelque temps dans l'histoire et la critique d'art.

La peinture italienne des XIXe et XXe siècles

La rencontre de 230 chefs-d'oeuvre de la sculpture,
sélectionnés parmi les collections des trois plus
grands musées nationaux, le musée du Louvre,
le musée d'Orsay et le Musée national d'art
moderne du Centre Pompidou.
Les oeuvres organisées en séquences d'images,
offrent une vision renouvelée de la sculpture.
Le texte les accompagne comme une initiation
à l'histoire de l'art. En annexe, les notices
biographiques des artistes proposent des
repères historiques.
Deuxième titre après la Grande Galerie
des Peintures, cet ouvrage permet à un large
public de mieux appréhender l'histoire de la
sculpture, d'acquérir les bases d'une véritable
culture, à travers un parcours ponctué
de rapprochements et de chocs visuels.

La grande galerie des sculptures

La publication de cet ouvrage, réédition augmentée de Giacometti. Portrait de genet ou le scribe captif s'imposait. La narration précise (comme intime) de la relation entre deux personnalités essentielles du XXe siècle, l'un des plus grands artistes et l'un des meilleurs écrivains de langue française ; la confrontation du style des deux hommes au-delà des seuls modes d'expression et celle de leur vision du monde impressionnante d'actualité et de profondeur ; la méditation sur le portrait au XXe siècle enfin, avaient séduit les lecteurs de ce livre épuisé depuis longtemps. Dans un texte rédigé spécialement pour l'occasion, Thierry Dufrêne offre aujourd'hui aux lecteurs des développements inédits. Explorant l'intérêt de Giacommetti pour les arts primitifs et celui de Genet pour les cultures extra-européennes, il y traque la source de l'étonnant rituel d'échange de l'image entre l'artiste et le dramaturge. L'ouverture du musée du Quai Branly, consacré aux arts non européens, donne une résonance nouvelle à cette approche.

Giacometti Genet - Masques et portrait moderne

Nymphéas de Claude Monet, qui comptent parmi les œuvres les plus saisissantes du XXe siècle, inspirent encore les artistes d'aujourd'hui, sensibles notamment au fait que les" grandes décorations " du musée de l'Orangerie préfigurent la notion contemporaine d' " environnement ".
Ainsi en est-il d'Alain Kirili (né en 1946), dont l'œuvre sculpté s'est très tôt confronté aux Nymphéas. Invité par le musée à exposer dans ses murs, Kirili a créé pour l'occasion un nouveau de ses Commandements, en hommage à Claude Monet. Il l'accompagne de sculptures plus anciennes, ainsi que de nombreuses et spectaculaires œuvres graphiques, qui constituent le versant le moins connu de sa création multiforme.

Kirili et Les Nymphéas - Paris, musée de l'Orangerie, 16 mai-17 septembre 2007

Les années cinquante sont d'abord l'histoire d'un dépassement, celui d'un trauma de la Seconde Guerre mondiale. Trois voies ont été empruntées par les créateurs et les "mondes de l'art" : repartir à zéro ; explorer de nouvelles voies ; relancer l'art moderne. Dans le contexte des Trente Glorieuses et de la Reconstruction, les artistes s'emparent de la modernité, non sans tensions et contradictions, et font face au défi technologique (fonctionnalisme, arts cinétique et cybernétique, standardisation et mises en série du design), visent un langage universel, l'abstraction, et proposent de nouvelles "images de l'homme" via la figuration ou les arts de l'image technique (photographie et cinéma). Le passage du moderne au contemporain s'effectue avec les réalismes d'avant-garde, l'"ère du soupçon" – qui met en cause théories et figures de maîtrise : l'auteur, la composition –, alors que des dynamiques diverses, dont la décolonisation, le décloisonnement et les nouvelles scènes artistiques, changent la donne. "Les années cinquante" est l'un des thèmes inscrits au programme limitatif de l'histoire des arts, enseignement de spécialité série L, en classe de terminale.

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