Giacometti Genet : Masques et portrait moderne

La rencontre de 230 chefs-d'oeuvre de la sculpture,
sélectionnés parmi les collections des trois plus
grands musées nationaux, le musée du Louvre,
le musée d'Orsay et le Musée national d'art
moderne du Centre Pompidou.
Les oeuvres organisées en séquences d'images,
offrent une vision renouvelée de la sculpture.
Le texte les accompagne comme une initiation
à l'histoire de l'art. En annexe, les notices
biographiques des artistes proposent des
repères historiques.
Deuxième titre après la Grande Galerie
des Peintures, cet ouvrage permet à un large
public de mieux appréhender l'histoire de la
sculpture, d'acquérir les bases d'une véritable
culture, à travers un parcours ponctué
de rapprochements et de chocs visuels.

La grande galerie des sculptures

A la faveur de l'ouverture au public, en 2004, de l'Atelier Gilioli à Saint- Martin-de-la-CIuze, le présent ouvrage vient enrichir notre connaissance de cet artiste. Emile Gilioli (1911, Paris - 1977, Paris) est l'un des représentants les plus marquants de la sculpture abstraite d'après-guerre. Avec près de cinq cents oeuvres réalisées tout au long de sa vie, il est aujourd'hui présent dans les plus grands musées d'art moderne du monde. Venu s'installer à Saint-Martin-de-la-Cluze, dans le Trièves, pendant la Seconde Guerre mondiale, il débute sa carrière artistique à Grenoble. Ses premières expositions lui procurent dès 1941 des contacts avec des amateurs d'art et des architectes. Ces derniers lui passeront rapidement commande d'oeuvres monumentales dont on peut admirer de nombreux exemples en Isère. Ce sont ces ouvres et d'autres, témoignages d'une vie artistique foisonnante, que le lecteur est invité à découvrir à travers ces pages.

Emile Gilioli, sculpteur

Cet ouvrage propose un panorama de la peinture italienne des XIXe et XXe siècles en insistant sur les structures de l'art italien ; polycentrisme, recherche d'identité, affirmation internationale dans une période où tradition et modernité sont en constant dialogue. Cette époque de la peinture italienne est très peu connue et très peu traitée en France. Or, elle suscite un regain d'intérêt depuis quelque temps dans l'histoire et la critique d'art.

La peinture italienne des XIXe et XXe siècles

Nymphéas de Claude Monet, qui comptent parmi les œuvres les plus saisissantes du XXe siècle, inspirent encore les artistes d'aujourd'hui, sensibles notamment au fait que les" grandes décorations " du musée de l'Orangerie préfigurent la notion contemporaine d' " environnement ".
Ainsi en est-il d'Alain Kirili (né en 1946), dont l'œuvre sculpté s'est très tôt confronté aux Nymphéas. Invité par le musée à exposer dans ses murs, Kirili a créé pour l'occasion un nouveau de ses Commandements, en hommage à Claude Monet. Il l'accompagne de sculptures plus anciennes, ainsi que de nombreuses et spectaculaires œuvres graphiques, qui constituent le versant le moins connu de sa création multiforme.

Kirili et Les Nymphéas - Paris, musée de l'Orangerie, 16 mai-17 septembre 2007

Cet ouvrage propose de montrer les liens de parenté qui unissent le mythe et l'art non dans un rapport d'illustration, mais dans celui d'une action conjointe sur la vie. L'ambition est aussi d'éprouver des méthodologies innovantes et peu usitées en histoire de l'art. Dans La Pensée sauvage, Claude Lévi-Strauss dessine les traits du mythologique sous le prisme d'une anthropologie et d'un rapport particulier au monde. L'art et le mythe entretiennent des liens de proximité parce qu'ils sont langages. Ils sont aussi deux pôles qui suscitent des sentiments et des actions connexes, parce qu'ils se vivent. Contrairement à la légende, le mythe est à la fois un déni du religieux - il place l'âge d'or dans un futur à inventer et non dans un passé originel et perdu -, il est aussi une recomposition d'agencements qui tente d'exprimer au plus près et au plus juste une certaine humanité. Nous retrouvons dans cette définition l'oscillation qui sous-tend l'ouvre d'art lorsqu'elle n'est pas « domestiquées à des fins de rendement »... À la fin de ce volume, des entretiens inédits avec des personnalités importantes du monde de l'art : Pierre Restany, Dado, Alain Joubert et Vladimir Velickovic.

Art et Mythe

L'art et le mythe entretiennent des liens de proximités parce qu'ils sont langages. Ils ont la particularité de se fonder sur l'échange entre celui qui fait et celui qui sait " écouter ". Art et mythe sont deux pôles qui suscitent de la part des hommes, des sentiments et des actions connexes, parce qu'ils se vivent. On cherchera moins à mettre en évidence l'illustration du mythe dans l'art que la circulation du mythe à travers l'art. Des conceptions Jungiennes d'une formulation préconsciente du mythe à la proposition structurale lévi-Straussienne, c'est tout un XX e siècle tourné vers la question d'une définition du mythologique. La filiation demande à être revisitée aujourd'hui tant les artistes et leurs problématiques continuent d'être en résonnance avec ces conceptions. De la peinture à l'installation, du théâtre à la pratique scénique et au cinéma, l'art ne cesse de produire des mythèmes qui s'inscrivent comme autant de perspectives. 
Qu'on pense à l'avènement de la modernité pour voir aux hasards de Kandinsky à Debord et de Brecht à Genet, toute une propension à construire une mythologie contemporaine propre à traduire et exprimer ce monde tout en le transformant. Le mythe est un cycle qui se répète et qui épouse les formes de la révolution et de la mutation, il n'est qu'une origine en devenir, portant en lui sa propre défaite. Pour exemples, Roger Caillois, Sigmund Freud, André Breton et même Georges Bataille poserons des bases théoriques, souvent conflictuelles, pour en comprendre les modalités de fonctionnement et l'art sera un terrain de prédilection pour en éprouver les outils méthodologiques.

Giacometti Genet : Masques et portrait moderne

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