Ouvrage publié à l'occasion de l'exposition Kimber Smith, oeuvres sur papier 1957 - 1975 présentée à la galerie Jean Fournier du 21 janvier au 5 mars 2016.

Kimber Smith est de ces artistes « pour artistes », une figure à la marge telle que les affectionnait Jean Fournier, marchand d'art à Paris de 1956 à 2006. Kimber Smith fut le compagnon de route de Shirley Jaffe ou encore de Sam Francis parmi les artistes américains vivant à Paris durant les années cinquante.
La galerie Jean Fournier sera l'un des lieux incontournables pour la peinture américaine en France. En 2016, dix ans après la disparition de Jean Fournier, la galerie organise la première exposition personnelle de Kimber Smith puisqu'aucune ne sera organisée de son vivant hormis quelques participations à des expositions collectives.

Kimber Smith ; oeuvres sur papier, 1957-1975

Nulle part quelque

Gasiorowski - Académie Worosis Kiga

Depuis deux siècles l'histoire de l'art occupe le passé, elle ordonne les musées, l'enseignement, les discours esthétiques et critiques, établit les hiérarchies, restaure les vérités, les réputations et finit par cautionner les valeurs du marché. Face à l'histoire l'artiste et l'amateur d'art, manquant d'autorité et de statut, sont souvent démunis. Il n'empêche, la mémoire du passé nous hante, elle s'immisce de nos esprits de mille manières au hasard des découvertes et s'impose en provoquant des confrontations anarchiques avec le présent. Bien au-delà de l'ordonnance didactique des salles des musées, l'art d'autrefois, avec ses fantômes innombrables, nous poursuit au point que nous aspirons aussi à un oubli salutaire. Pour exister face au poids de l'histoire, l'art doit aussi "du passé faire table rase" et s'en remettre au "présentisme" contemporain au point de s'en tenir parfois à des formes conceptuelles ne laissant d'autres traces que le document ou le certificat. Ainsi vivons-nous dans une "tradition du nouveau" qui embrasse à la fois le culte d'hier et un besoin d'amnésie. Beautés aborde le dilemme de notre relation à la mémoire et à l'oubli en tenant d'en souligner la complexité, les multiples facettes, et quelques-unes des contradictions les plus fécondes.

Entre mémoire et oubli

Un simple coup d'oeil dans l'histoire de la culture semble suffire pour constater que son évolution découle d'échanges continus entre ce qu'on appelle le « majeur » et le « mineur », le « haut » et le « bas », l'« élevé » et le « vil », le « noble » et l'« ignoble ». Ces catégories - par conséquent poreuses - et les clivages - fluctuants - qu'elles entretiennent seraient donc, sinon superflus, du moins en partie étrangers aux phénomènes culturels ; ils témoigneraient de l'insertion de ces derniers dans des logiques qu'on préfèrerait imaginer sans rapport avec eux, et en particulier dans des logiques de profit marchand et de distinction sociale.

Majeur/mineur vers une déhiérarchisation de la culture

La composition de ce livre nous montre à quel point un ouvrage qui retrace les étapes de l'activité d'un artiste est - lorsqu'il s'agit d'une monographie réussie - une sorte de somme. Une somme, certes ; mais cela ne signifie pas que, pour autant, nous y lisions simplement la résolution d'une équation plastique. L'œuvre de Laube, qui s'étend ici sur plus de vingt ans, est mise en relief d'une façon inédite par la mise en pages du livre même : les chapitres chamboulent la chronologie de l'œuvre, et la chronologie ainsi composée nous donne une vision renouvelée de son long travail sur la forme et sur la matérialisation de son dessein artistique. Par cette fragmentation du temps dans l'objet-livre, la matière des œuvres résonne dans leurs reproductions photographiques, irradie l'expérience visuelle d'une manière inédite. Et cela éclaire l'activité de l'artiste, dans un curieux excursus incursif. Réel abstractif. Comme Eric Suchère le remarque, avec une clarté critique rare (dans ses 62 notes d'analyse généreuse, chapitre 7), Jean Laube pratique un art de la confrontation. Il travaille de manières variées l'architecturalité, par les modalités d'une "frontalité de la construction" (dans sa série Carton-Crimée), tente d'épuiser les "moyens primitifs de modélisation" (série des Chambres), tend, depuis un épuisement de la peinture (Ephémérides n° 2), jusqu'à une recherche profonde de la structure, de la forme en reliefs (Cartons-La Calade. Ainsi de La Calade n°27). L'activité de Laube oscille entre d'étranges maquettes et des sortes de polyèdres, toutes formes abstraites travaillées par sa volonté de représenter ; volonté aiguisée encore par un désir de scénographie (les Chambres. Voir Sous-sol, ou Warschauer). De la peinture à la sculpture (et retours), le geste construit, à travers ces objets, un rapport, sans cesse renouvelé, entre l'effort d'abstraction et sa source d'inspiration dans le réel.

Reliefs

Si la modernité et les avant-gardes ont été, en grande partie, politique, voulant révolutionner les formes et changer le monde, qu'en est-il aujourd'hui ? L'art contemporain n'a-t-il pas abandonné son idéal critique et les artistes, au lieu de river aux grands soirs, ne sont-ils pas juste soucieux de s'intégrer dans un marché globalisé pour faire fructifier les fruits de leur travail ? A moins qu'il ne faille considérer la politique comme un thème possible comparable à n'importe quel autre et donnant les gages d'une libéralité du propos mais d'un propos qui n'aurait plus rien d'offensif et se constituerait en marque de fabrique. Pourtant, face aux défis économiques, écologiques et idéologiques. certaines attitudes permettent d'envisager autre chose qu'un pragmatisme désillusionné et de penser des modes politiques de pratique et de diffusion, d'autres manières d'être artiste. Luc Tuymans, en choisissant la peinture et des thèmes polémiques, tout en militant activement dans son pays pour le statut des artistes, témoigne de ces possibilités.

Le motif politique - Luc Tuymans & pratiques contemporaines

Un important mouvement de la production artistique contemporaine, qu'on pourrait qualifier d'anthropofuge, cherche à désaxer le regard pour l'inviter à voir, ou ressentir, un univers dont l'humanité est écartée, et même tout à fait exclue (citons entre autres Richard Long, Pierre Huyghe et Raphael Siboni...). Cécile Beau est, parmi la nouvelle génération, une des figures incontournables de ce mouvement, et participe à la découverte d'autres réalités, d'autres échelles. Outil de référence et de reconnaissance, la monographie Aoriste, d'inspiration naturaliste, permet de retracer le parcours de l'artiste en mettant en cohérence les grandes tendances de son travail, à travers une sélection rigoureuse des oeuvres et leurs éléments constitutifs - matières minérales et végétales brutes, liquides, ondes sonores ou lumineuses ayant subi de légères mutations. Pour accompagner cette sélection (2009-2021), cinq textes de Sally Bonn, Hadrien Reyre, Bertand Rigaux, Eric Suchère et Thomas Schlesser ponctuent la monographie. Ces auteur. ice. s proposeront des approches hétérogènes en utilisant le contexte des pièces pour générer une déambulation théorique, fictive, ou sensorielle. Retour d'expédition, inventaire d'une zone singulière, il s'agit d'étudier ces spécimens et ces mécanismes potentiellement naturels. Navigant dans un état transitoire, ce "bestiaire" nous raconte une histoire qui n'est pas celle de l'humain, mais celle d'un substrat, d'une matière en soi. Composé d'installations où le son, l'image et l'objet entretiennent des rapports étroits et multiples, le travail de Cécile Beau (née en 1978) s'intéresse aux phénomènes trop lents, trop lointains ou trop discrets pour l'échelle de temps humaine. Elle construit une oeuvre minimale et sensorielle qui se saisit de la nature et du cosmos comme objet d'étude et de contemplation. L'artiste déplace temps et espace, propose des territoires intermédiaires, des entre-deux toujours étranges, dépouillés de toute présence humaine. Elle fait intervenir végétaux et minéraux qu'elle mêle à des machineries illusionnistes pour recréer des phénomènes physiques spécifiques. Ceux-ci se voient "activés" dans des écosystèmes prenant la forme de paysages d'une poésie, souvent austères et énigmatiques, qu'elle fusionne en d'étranges hybrides naviguant dans un autre espace-temps... Ainsi il apparaît que l'artiste ne propose pas des scénarios préétablis mais lance des pistes où le spectateur peut se perdre à loisir.

Cécile Beau - Aoriste

Oeuvrons-nous encore d’après modèle ? Après un siècle d’abstraction, de conceptualisation et d’intérêt pour l’inconscient, la question semble désuète. Cependant, si le modèle n’émane plus, comme autrefois, de l’anatomie parfaite de la statuaire grecque ou du pittoresque du motif, il demeure la référence de goûts. Les attitudes, les vies remarquables, les engagements, façonnent nos œuvres comme le faisaient hier les canons académiques. Reste donc la question de savoir ce qu’est un modèle, de ce qui nous conduit à modéliser le monde pour mieux le voir et le dire ? Ici, l’œuvre de Denis Laget est une entrée en matière, car elle est traversée par cette question.

D'après modèle - Denis Laget & pratiques contemporaines

Il reste le souvenir d'un jour, la marche le long des berges, le jaune d'un vêtement peint, la suite naturelle des éléments, la répétition des jours en identique, le longitudinal des pins, l'expulsion d'une albertine, l'arrêt optique sur une lectrice et Le Bernin en invisible. 
Les pins résument et condensent : que la lumière soit par-dessus les pins, voilée : résume antérieur.

Résume antérieur

Ici, un narrateur se souvient d'un paysage, d'une femme, d'une ville, et zoome sur ces quelques images. Ces boucles, bribes, fragments d'histoires apparaissent, s'estompent, se déplacent puis s'intensifient, se fixent jusqu'au gel.

Fixe, désole en hiver

Motifs & partis pris

L'art contemporain est en crise, dit-on. Quelle bonne nouvelle ! L'art ne va jamais mieux que lorsqu'il perd ses repères. La collection " Beautés " s'ouvre avec un ensemble de réflexions sur le statut de ceux qui font l'art d'aujourd'hui, en mettant en regard celui de l'artiste professionnel et celui du lettré, modelé exotique venu de la Chine ancienne. Idéalisé comme celui ou celle qui parvient à créer et à donner du sens à sa vie, l'artiste d'aujourd'hui est aussi fragilisé par les aléas d'une spéculation aveugle et par la massification des pratiques amateurs. Le lettré est au contraire celui qui s'écarte de toute démarche commerciale. Cultivant l'interdisciplinarité, il ne se laisse enfermer dans aucun style. Il place au coeur de son oeuvre le souci de soi, une éthique, une sagesse. impliquant une distance avec le pouvoir et l'ordre établi. Ces traits qui le singularisent résonnent dans la vie et l'oeuvre de Marc Devade, mais ne pouvons-nous pas les retrouver aussi, en tout ou partie, chez un certain nombre d'artistes européens d'hier et d'aujourd'hui ?

Livres