Dirk Braeckman - Evidences possibles

Il y a plusieurs strates de textes dans Trajectoires, chacune correspondant à un mode de notation : carnet de voyages (les passages les plus « larges »), photographies (à la justification réduite) et enregistrements sonores (à la justification encore plus réduite). Il y a une quatrième strate qui est la reprise inversée du texte qui a une justification entre le «carnet» et la description des photographies. Ainsi, le dernier alinéa est repris dans le deuxième mais réduit de moitié au signe près et ainsi de suite. Le mouvement va également en sens inverse puisque le premier est repris en avant dernier, toujours réduit exactement de la moitié de sa longueur. L'idée suivie par l'auteur étant de créer un sentiment d'anticipation et un autre de réminiscence, les deux s'interpénétrant et conférant au lecteur un rôle d'acteur. Une impression de déjà vu, mais pas tout à fait identique, dans lequel les temps se mélangent et la chronologie est bousculée au profit de formes figées du souvenir.
A tout cela s'accolent plusieurs procédures et contraintes, toutes s'enrichissant l'une l'autre :
- l'idée d'une phrase qui soit en même temps paragraphe et dans laquelle se lit, à quelques reprises, l'influence de l'alexandrin. Avec cette question : comment créer du rythme dans le «vers libre»?
- l'expulsion du sujet. Le sujet, le «je» disparaît. Qu'est-ce que cela suppose en termes d'organisation formelle? Comment la phrase demeure- t-elle saisissable et qu'est ce qui sourd d'elle quand sujet et objet y deviennent difficilement discernables? Comme dans cet exemple : « S'observent les échanges de » au lieu de « J'observe les échanges de ».
- l'instantané : que cela impose-t-il à la phrase et au rythme d'être d'abord suscité par une primauté iconique? Car c'est l'oeil, l'image, qui est ici première.
Le tout produit, au sens propre, une expérience de lecture.
Pourquoi lire, sinon?

Trajectoires

Nicolas Guiet avec ses peintures, se développant en trois dimensions, propose un nouveau vocabulaire, un nouveau langage de formes qui s'étirent, se développent dans l'espace qui les accueille, tels des vers de poésie avec un rythme, une ponctuation, des reprises.

Nicolas Guiet-Cjskx - Exposition présentée à la galerie Jean Fournier, Paris du 6 septembre au 6 octobre

Eric Suchère est critique d'art et poète, non pas dans le sens d'une double activité menée de concert, mais dans celui d'une création duale avec tout ce que ce mot contient de porosité, de perméabilité, d'ambivalence. Ses textes dits de critique d'art sont soit véritablement de la poésie en prose, soit ces textes s'apparentent pleinement à des dispositifs littéraires. Et ces dispositifs d'écriture oeuvrent toujours en cohérence avec l'artiste qui est le motif du texte et dont le texte est le motif. Il écrit pour l'art tout autant que sur l'art. La position de Suchère est unique. Et comme tout poète il interroge ses outils et la place de la création dans le monde actuel, ses enjeux sociétaux, les modes - non sans ironie et critique, seules voies pour avancer. L'art, la politique, l'art, la politique, l'art, la politique... Quelle est la question ou pourquoi poser la question ou pourquoi relier les deux comme s'il était évident qu'il y avait un art politique, que l'art avait été lié au politique, que l'art serait lié au politique, que l'art devrait être lié au politique ? Ou, en quoi ce qui est relatif à l'exercice du pouvoir ou à la réflexion sur cet exercice concerne l'art et plus spécifiquement les arts plastiques contemporains ? Une fois la question posée, rien ne va plus de soi. On pourrait simplement se replonger dans l'histoire et dans quelques liens déjà bien établis entre les deux domaines mais l'on manquerait la cible. La cible serait : en ces temps troublés où les populismes et le capitalisme triomphent et où les utopies politiques ont presque disparu remplacées par le pragmatisme économique et la célébration de la démocratie comme seul mode de gouvernance acceptable, en quoi l'art peut-il quelque chose ? Que peut-il faire ? Que faire ?

Symptômes - Lectures transversales de l'art contemporain

L'imagination est un lieu où il pleut - Gilgian Gelzer et pratiques contemporaines

Pascale Remita convoque le réel en l'assourdissant. L'étrangeté qui se dégage de sa peinture révèle une grande finesse aux abords opaques et aux contours flous. Les surfaces, les paysages, le vivant y cohabitent pour ne faire parfois plus qu'un.
L'oeil tente de s'accrocher pour finalement être emporté. On découvre le travail de Pascale Remita comme on regarde un film de Lynch : on tente de se rassurer en se référant au réel ou on accepte de lâcher prise pour jouir des sensations que la peinture nous offre. Accepter de se laisser submerger par ces images engourdies, c'est sans nul doute la meilleure façon d'entrer en contact avec ces peintures, ces fusains et ces films qui touchent tantôt à l'informel, à l'évanescent, tantôt à la trivialité et la rugosité d'images trouvées revisitées.

Peinture froide prend feu

Il y a, au Mauritshuis de La Haye, un petit tableau du XVIIe siècle d'un peintre presque inconnu. Ce tableau sans prétention représente un chardonneret sur son perchoir. Cette scène si simple nous invite à supposer que l'artiste a tiré de la contemplation d'un véritable oiseau une expérience à ce point complète qu'il a souhaité la retranscrire en peinture. Le spectateur regardera la toile comme un monde en soi, se satisfaisant d'une surface colorée qui fait sens pour elle seule. Si une partie de l'art contemporain semble s'être éloignée de cette conception - jouant du sensationnel, de la participation ludique du spectateur, ou de l'illustration d'un concept -, celle-ci persiste. Des oeuvres continuent, veulent continuer à agir comme équivalent du monde, bouleversant et redéfinissant nos sens et nos perceptions. Cette conception se retrouve dans l'oeuvre de Shirley Jaffe mais également chez d'autres artistes d'hier ou d'aujourd'hui. Après Artistes ou lettrés ?, la collection " Beautés " tente de définir, à partir de l'art comme expérience, ce qu'est notre contemporanéité.

L'art comme expérience - Shirley Jaffe & pratiques contemporaines

L'usage contemporain du terme de chef-d'oeuvre semble paradoxal. D'un côté, on le voit dénié par la réalité de l'art, qui procède désormais d'un travail produisant des pièces par séries ; décrié par l'époque, qui le rejette comme une notion anachronique, voire réactionnaire, en opposant à sa verticalité de couronnement d'une oeuvre l'horizontalité de pratiques moins hiérarchisées, démocratiques et ouvertes à tous ; dévoyé, enfin, par un marché de l'art qui n'y recourt plus que pour désigner celui des travaux d'un artiste qui se vend le plus cher.
De l'autre, il subsiste pourtant à l'état de repère, de nec plus ultra, sous la forme d'un désir ou d'une nostalgie de l'expérience esthétique suprême, et jamais les visiteurs de musées n'ont été plus nombreux à se presser devant les toiles de maîtres.

Le chef-d'oeuvre inutile

Lent

"Se souvenir de tout : de deux nuages symétriques transversaux au-dessus d'un bâtiment, des arbres enneigés, de la neige sur des arbres, d'un hall de gare, des souterrains, des voies de métro, d'une amplitude, les suites de la suite des d'images et de tableaux : une traversée express".

Variable - (Sections 069-099)

Ici, un narrateur se souvient d'un paysage, d'une femme, d'une ville, et zoome sur ces quelques images. Ces boucles, bribes, fragments d'histoires apparaissent, s'estompent, se déplacent puis s'intensifient, se fixent jusqu'au gel.

Fixe, désole en hiver

Les peintures abstraites de Claude Tétot, de grands formats horizontaux, sont composées d’aplats colorés intenses d’où émergent des formes souvent insaisissables qui, posées sur ce fond monochrome, jouent avec la profondeur du tableau. Formes luttant avec le fond, entre émergence et recouvrement, recherche de ce point juste avant la chute, où chaque motif plastique semble tenir tel un dé en équilibre précaire sur l’un de ses angles, rapprochement de couleurs enfin, chaudes et froides, dont la confrontation fait naître des accords aigus. Eric Suchère nous guide dans la grammaire des formes et des surfaces. En quoi, la peinture de Claude tétot est-elle vraiment une peinture abstraite ? Douze tableaux récents donnent lieu à douze analyses qui nous permettent de rentrer pleinement dans l’univers de l’artiste. Coédité avec la galerie Jean Fournier, Paris

Claude Tétot

Principe de légèreté - Raoul De Keyser & pratiques contemporaines

En 1912, Vaslav Nijinsky chorégraphie Le Prélude à l’Après-midi d’un Faune. S’inspirant de vases grecs, il en déduit une série de mouvements des mains, du torse et des pieds et rejette les pas traditionnels du ballet classique comme l’idée de virtuosité du corps. Au lieu de prolonger une tradition, il la questionne et invente ses propres mouvements. Il ne s’agit pas de rompre avec le passé mais d’inventer une nouvelle manière de penser son art. En cela, il crée un geste pour l’art de la danse et pour l’ensemble des arts. De Nijinsky à Richard Long, en passant par John Cage, le XXe siècle a vu de nouvelles procédures de production d’oeuvres. Qu’en est-il aujourd’hui ? Quels gestes créons-nous ? Comment pensons-nous la relation de ces gestes à l’oeuvre ? Quel geste est à l’oeuvre ?

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