Principe de légèreté - Raoul De Keyser & pratiques contemporaines

L'enfant, le vieillard, le puissant ou le faible, le savant comme l'ignare... nul ne peut prétendre échapper à la maladresse. Elle est la marque de notre émotion et
de notre fragilité. De notre grâce, même. La littérature est peuplée de maladroits, la science est ponctuée d'erreurs judicieuses, et la peinture " primitive ", et le cinéma burlesque... Partout la maladresse révèle son sens moral et son altruisme.
Il est donc temps de saisir la dimension heureuse de cette faute créatrice à une époque où il faut un homme parfait, où la science est régulièrement mise en demeure de garantir un monde sans faille. Penser la maladresse,
en comprendre l'esthétique et les ressources créatrices est donc non seulement une forme de sagesse, mais aussi une action de résistance face au triomphalisme technologique ambiant.

La Maladresse. Une Faute Heureuse

L'art contemporain de la seconde moitié du XXe siècle. C'est-à-dire ? L'Art, le grand, le majeur, celui des musées, des grands maîtres avec leurs légendes dorées... Et puis aussi les arts petits, les mineurs, ceux qu'on peine encore à distinguer du tour de main, de l'artisanat et des techniques. Autant parler alors au pluriel des "arts contemporains", parce que l'objet de ce livre n'est pas d'établir des hiérarchies mais d'élargir le goût pour l'art à partir des émotions esthétiques de chacun, qu'elles concernent les choses ou bien les œuvres. Pour aborder cette modernité tardive, il ne s'agit de viser à l'exhaustivité, mais plutôt de tisser les relations qui nous amèneront à saisir le fil qui conduit à l'œuvre. L'ouvrage propose donc pour chaque discipline cinq "clés", cinq thèmes transversaux : le rapport entre arts majeurs et arts mineurs, la mondialisation des échanges artistiques, le marché face aux politiques culturelles, les nouvelles technologies et les pratiques artistiques et le corps et ses genres. Cette entrée en matière, commune à tous les arts envisagés ici, est pourtant chaque fois infléchie par le regard singulier d'un auteur différent et prolongée par le choix d'une dizaine de dates servant de repères pour une première approche. Trois manières donc d'ouvrir ce livre. La première consisterait à choisir les chapitres consacrés aux pratiques artistiques qui spontanément nous attirent. Il ne autre serait plus attentive à certains des cinq thèmes évoqués. Une troisième enfin, plus historique celle-là, s'attacherait à des périodes ou aux dates repères qui jalonnent l'ouvrage. Pratiques, thèmes, histoire : trois approches bien méthodiques. Trop peut-être ? Reste alors celle, plus plaisante, qui consiste à se laisser aller des images vers le texte, d'alterner la surprise de retrouver ici l'écho des souvenirs esthétiques personnels avec la découverte d'aventures insoupçonnées.

Arts Contemporains 1950-2000

La paresse, la lenteur, les loisirs, sont plus que jamais à la mode. En ce début de XXIe siècle, nous n'en finissons plus de louer le temps libre, d'aspirer à un temps pour soi, enfin « libéré » du travail par les prouesses de la technique.
D'aboulique, la paresse est devenue sympathique, publicitaire et militante. Elle est partout, dans notre mauvaise conscience comme dans nos désirs, dans la publicité comme dans la démagogie politique. Pourtant, notre époque s'interdit de la penser sérieusement, occultant des siècles de réflexion à son sujet. En fait, nous alternons entre une réprobation pure et simple, reprenant de
manière atténuée le discours biblique, et un enthousiasme naïf et bon enfant qui confond repos et paresse.
Or, il ne faut abandonner la paresse ni aux moralisateurs ni aux publicités pour voyagistes. Sa force tient dans ce qu'elle est notre part d'ombre, à la fois intime et universelle, dans ce qu'elle nous rappelle la vanité de notre agitation, et invite au recul et à la pondération. Nostalgie d'un paradis perdu mythique qui offrait à l'homme une jouissance sans effort, il nous faut cultiver notre
paresse, sans prétendre l'anéantir ou l'idéaliser.

Notre paresse

Un simple coup d'oeil dans l'histoire de la culture semble suffire pour constater que son évolution découle d'échanges continus entre ce qu'on appelle le « majeur » et le « mineur », le « haut » et le « bas », l'« élevé » et le « vil », le « noble » et l'« ignoble ». Ces catégories - par conséquent poreuses - et les clivages - fluctuants - qu'elles entretiennent seraient donc, sinon superflus, du moins en partie étrangers aux phénomènes culturels ; ils témoigneraient de l'insertion de ces derniers dans des logiques qu'on préfèrerait imaginer sans rapport avec eux, et en particulier dans des logiques de profit marchand et de distinction sociale.

Majeur/mineur vers une déhiérarchisation de la culture

Il faut peindre en pratiquant l'oubli jusqu'à oublier la peinture même, ne jamais lui accorder d'importance vaniteuse et narcissique, se dire chaque jour : Anything goes. L'expérience véritable c'est de n'avoir aucun métier. Dans ces notes limpides tenues au rythme d'un journal, le peintre Camille Saint Jacques ne tire ni plan ni conclusion ; ni à lui-même, ni à l'art, il n'assigne programme ni fin. Semblant reprendre sa respiration dans le mouvement réflexif, il met en ordre les pensées qui le visitent au cours de son travail et cultive par là même l'abandon nécessaire pour entreprendre le prochain tableau. En équilibre entre la clarté de l'analyse et l'équivoque poétique, entre le trouble de l'introspection et l'observation théorique, c'est à l'école de l'ignorance que l'artiste se met ici, afin de préserver aussi lucidement que possible la part de mystère qu'il éprouve dans l'acte de peindre, et de conserver à sa ligne "l'évidence même d'un solstice ou d'un équinoxe, aussi nette et erratique à la fois qu'un partage de midi."

Talus et fossés

L'usage contemporain du terme de chef-d'oeuvre semble paradoxal. D'un côté, on le voit dénié par la réalité de l'art, qui procède désormais d'un travail produisant des pièces par séries ; décrié par l'époque, qui le rejette comme une notion anachronique, voire réactionnaire, en opposant à sa verticalité de couronnement d'une oeuvre l'horizontalité de pratiques moins hiérarchisées, démocratiques et ouvertes à tous ; dévoyé, enfin, par un marché de l'art qui n'y recourt plus que pour désigner celui des travaux d'un artiste qui se vend le plus cher.
De l'autre, il subsiste pourtant à l'état de repère, de nec plus ultra, sous la forme d'un désir ou d'une nostalgie de l'expérience esthétique suprême, et jamais les visiteurs de musées n'ont été plus nombreux à se presser devant les toiles de maîtres.

Le chef-d'oeuvre inutile

Eloge du maquillage : du cosmos aux cosmétiques

En 1912, Vaslav Nijinsky chorégraphie Le Prélude à l’Après-midi d’un Faune. S’inspirant de vases grecs, il en déduit une série de mouvements des mains, du torse et des pieds et rejette les pas traditionnels du ballet classique comme l’idée de virtuosité du corps. Au lieu de prolonger une tradition, il la questionne et invente ses propres mouvements. Il ne s’agit pas de rompre avec le passé mais d’inventer une nouvelle manière de penser son art. En cela, il crée un geste pour l’art de la danse et pour l’ensemble des arts. De Nijinsky à Richard Long, en passant par John Cage, le XXe siècle a vu de nouvelles procédures de production d’oeuvres. Qu’en est-il aujourd’hui ? Quels gestes créons-nous ? Comment pensons-nous la relation de ces gestes à l’oeuvre ? Quel geste est à l’oeuvre ?

Principe de légèreté - Raoul De Keyser & pratiques contemporaines

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