L'enfant, le vieillard, le puissant ou le faible, le savant comme l'ignare... nul ne peut prétendre échapper à la maladresse. Elle est la marque de notre émotion et
de notre fragilité. De notre grâce, même. La littérature est peuplée de maladroits, la science est ponctuée d'erreurs judicieuses, et la peinture " primitive ", et le cinéma burlesque... Partout la maladresse révèle son sens moral et son altruisme.
Il est donc temps de saisir la dimension heureuse de cette faute créatrice à une époque où il faut un homme parfait, où la science est régulièrement mise en demeure de garantir un monde sans faille. Penser la maladresse,
en comprendre l'esthétique et les ressources créatrices est donc non seulement une forme de sagesse, mais aussi une action de résistance face au triomphalisme technologique ambiant.

La Maladresse. Une Faute Heureuse

L'imagination est un lieu où il pleut - Gilgian Gelzer et pratiques contemporaines

Il y a, au Mauritshuis de La Haye, un petit tableau du XVIIe siècle d'un peintre presque inconnu. Ce tableau sans prétention représente un chardonneret sur son perchoir. Cette scène si simple nous invite à supposer que l'artiste a tiré de la contemplation d'un véritable oiseau une expérience à ce point complète qu'il a souhaité la retranscrire en peinture. Le spectateur regardera la toile comme un monde en soi, se satisfaisant d'une surface colorée qui fait sens pour elle seule. Si une partie de l'art contemporain semble s'être éloignée de cette conception - jouant du sensationnel, de la participation ludique du spectateur, ou de l'illustration d'un concept -, celle-ci persiste. Des oeuvres continuent, veulent continuer à agir comme équivalent du monde, bouleversant et redéfinissant nos sens et nos perceptions. Cette conception se retrouve dans l'oeuvre de Shirley Jaffe mais également chez d'autres artistes d'hier ou d'aujourd'hui. Après Artistes ou lettrés ?, la collection " Beautés " tente de définir, à partir de l'art comme expérience, ce qu'est notre contemporanéité.

L'art comme expérience - Shirley Jaffe & pratiques contemporaines

Que fait un ouvrier qui touche l'objet qu'il façonne ou la machine qu'il actionne ? Pourquoi et comment le " mouvement ouvrier ", qui est aussi synonyme de " création d'œuvre en acte " est-il devenu peu à peu une notion exclusivement militante ?. Car la main-d'œuvre, nous raconte l'auteur, est d'abord une main à l'œuvre : du plus profond de la préhistoire jusqu'à nos jours, le geste ouvrier crée en façonnant et en esthétisant outils et techniques, en cultivant ses traditions, ses fêtes, ses expressions artistiques. Au-delà de leur fonction technique et économique, les mouvements des sans-voix portent une vision du monde. L'auteur décrit le microcosme du geste et des écarts ouvriers (des ficelles du métier au sabotage) avec un regard érudit et littéraire. Il montre au moyen d'une rêverie précise comment l'éclatement des tâches dans les arts et métiers, le folklore ou les traditions populaires, a fini par retirer aux gestes du travailleur leur valeur sociale et esthétique. Un ouvrage au style étincelant, rehaussé par trente illustrations d'époque

Le mouvement ouvrier - Une histoire des gestes créateurs des travailleurs

L'usage contemporain du terme de chef-d'oeuvre semble paradoxal. D'un côté, on le voit dénié par la réalité de l'art, qui procède désormais d'un travail produisant des pièces par séries ; décrié par l'époque, qui le rejette comme une notion anachronique, voire réactionnaire, en opposant à sa verticalité de couronnement d'une oeuvre l'horizontalité de pratiques moins hiérarchisées, démocratiques et ouvertes à tous ; dévoyé, enfin, par un marché de l'art qui n'y recourt plus que pour désigner celui des travaux d'un artiste qui se vend le plus cher.
De l'autre, il subsiste pourtant à l'état de repère, de nec plus ultra, sous la forme d'un désir ou d'une nostalgie de l'expérience esthétique suprême, et jamais les visiteurs de musées n'ont été plus nombreux à se presser devant les toiles de maîtres.

Le chef-d'oeuvre inutile

Si la modernité et les avant-gardes ont été, en grande partie, politique, voulant révolutionner les formes et changer le monde, qu'en est-il aujourd'hui ? L'art contemporain n'a-t-il pas abandonné son idéal critique et les artistes, au lieu de river aux grands soirs, ne sont-ils pas juste soucieux de s'intégrer dans un marché globalisé pour faire fructifier les fruits de leur travail ? A moins qu'il ne faille considérer la politique comme un thème possible comparable à n'importe quel autre et donnant les gages d'une libéralité du propos mais d'un propos qui n'aurait plus rien d'offensif et se constituerait en marque de fabrique. Pourtant, face aux défis économiques, écologiques et idéologiques. certaines attitudes permettent d'envisager autre chose qu'un pragmatisme désillusionné et de penser des modes politiques de pratique et de diffusion, d'autres manières d'être artiste. Luc Tuymans, en choisissant la peinture et des thèmes polémiques, tout en militant activement dans son pays pour le statut des artistes, témoigne de ces possibilités.

Le motif politique - Luc Tuymans & pratiques contemporaines

Oeuvrons-nous encore d’après modèle ? Après un siècle d’abstraction, de conceptualisation et d’intérêt pour l’inconscient, la question semble désuète. Cependant, si le modèle n’émane plus, comme autrefois, de l’anatomie parfaite de la statuaire grecque ou du pittoresque du motif, il demeure la référence de goûts. Les attitudes, les vies remarquables, les engagements, façonnent nos œuvres comme le faisaient hier les canons académiques. Reste donc la question de savoir ce qu’est un modèle, de ce qui nous conduit à modéliser le monde pour mieux le voir et le dire ? Ici, l’œuvre de Denis Laget est une entrée en matière, car elle est traversée par cette question.

D'après modèle - Denis Laget & pratiques contemporaines

Lors des nombreux débats sur l'art contemporain, on a souvent invoqué la figure de l'artiste - sans jamais la questionner. Muets, prétendait-on, les artistes travaillaient dans leurs ateliers... Comme si la figure de l'artiste, sujet exceptionnel et sensible, professionnel de la création, idole romantique allait toujours d'elle-même au milieu de toutes les remises en cause.
Au fil d'entretiens publiés par le Journal des expositions, Camille Saint-Jacques, lui-même artiste, a entrepris de questionner le statut de l'artiste contemporain. Il s'est adressé pour cela à des philosophes et des sociologues (Jean-Luc Nancy, Jean-Marie Schaeffer, François Flahault, François Jullien, Emmanuel Pernoud, Nathalie Heinich, Tzvetan Todorov), plus proches de l'anthropologie que de l'histoire de l'art. Le résultat est un élargissement des perspectives sur l'art, sa ou ses valeurs dans les sociétés actuelles et la vision de ce qu'est un artiste "contemporain".

Artiste, et après ?

La Genèse le prétend, l'homme est fait de poussière et au terme de son existence, il n'a d'autre destin que de revenir à cet état premier. S'il est donc un point commun entre les premiers mythes fondateurs et l'astronomie contemporaine, c'est bien cette poussière, matière première du monde. Aussi, les images de New York recouverte de la poussière du 11 septembre 2001 ont-elles immédiatement frappé les imaginations, comme une préfiguration de la fin du monde. Cependant, la poussière n'est pas seulement le plus fascinant et le plus ancien des objets spéculatifs, c'est aussi une réalité plus prosaïque, une hantise ménagère, un abject obsédant. A partir d'une approche esthétique, Camille Saint Jacques entreprend d'articuler ces deux visages de la poussière pour traquer, au coeur de nos obsessions quotidiennes d'hygiène et de netteté, nos aspirations incessantes à ordonner le monde.

Esthétique de la poussière, une entrée en matière

Eloge du maquillage : du cosmos aux cosmétiques

Une "journée", le mot désigne la surface d'enduit frais qu'un fresquiste prépare pour sa journée de travail. Ses dimensions varient selon la saison, la difficulté du motif à peindre, la commodité de l'endroit, les courants d'air... Ce livre est un récit. Plus qu'un essai ou un journal d'atelier, il raconte finalement moins comment l'artiste peint que ce que l'expérience de la peinture fait au peintre. Un livre plein d'images mais sans reproductions, sur l'histoire millénaire, commune et singulière du couple romanesque que forment le peintre et la peinture. Qu'on le prenne comme une invitation à peindre, un enseignement, un roman...

Les Journées

Principe de légèreté - Raoul De Keyser & pratiques contemporaines

En 1912, Vaslav Nijinsky chorégraphie Le Prélude à l’Après-midi d’un Faune. S’inspirant de vases grecs, il en déduit une série de mouvements des mains, du torse et des pieds et rejette les pas traditionnels du ballet classique comme l’idée de virtuosité du corps. Au lieu de prolonger une tradition, il la questionne et invente ses propres mouvements. Il ne s’agit pas de rompre avec le passé mais d’inventer une nouvelle manière de penser son art. En cela, il crée un geste pour l’art de la danse et pour l’ensemble des arts. De Nijinsky à Richard Long, en passant par John Cage, le XXe siècle a vu de nouvelles procédures de production d’oeuvres. Qu’en est-il aujourd’hui ? Quels gestes créons-nous ? Comment pensons-nous la relation de ces gestes à l’oeuvre ? Quel geste est à l’oeuvre ?

Le geste à l'oeuvre - Richard Tuttle & pratiques contemporaines

L'art contemporain est en crise, dit-on. Quelle bonne nouvelle ! L'art ne va jamais mieux que lorsqu'il perd ses repères. La collection " Beautés " s'ouvre avec un ensemble de réflexions sur le statut de ceux qui font l'art d'aujourd'hui, en mettant en regard celui de l'artiste professionnel et celui du lettré, modelé exotique venu de la Chine ancienne. Idéalisé comme celui ou celle qui parvient à créer et à donner du sens à sa vie, l'artiste d'aujourd'hui est aussi fragilisé par les aléas d'une spéculation aveugle et par la massification des pratiques amateurs. Le lettré est au contraire celui qui s'écarte de toute démarche commerciale. Cultivant l'interdisciplinarité, il ne se laisse enfermer dans aucun style. Il place au coeur de son oeuvre le souci de soi, une éthique, une sagesse. impliquant une distance avec le pouvoir et l'ordre établi. Ces traits qui le singularisent résonnent dans la vie et l'oeuvre de Marc Devade, mais ne pouvons-nous pas les retrouver aussi, en tout ou partie, chez un certain nombre d'artistes européens d'hier et d'aujourd'hui ?

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