La negation a l'oeuvre: la philosophie symboliste de l'art, 1860-1905

L'ouvrage explore le paysage photographique des origines (vers 1850) à nos jours, des paysages des frères Bisson aux artistes actuels comme Walter Niedermayr, Jean-Marc Bustamante ou Eric Bourret. Il déploie la triple thèse suivante : 1) le paysage photographique achève ou accomplit l'ensemble du genre du paysage tel que la peinture l'a inventé à la Renaissance ; 2) en l'accomplissant, le paysage photographique se libère de la tradition paysagère elle-même et ouvre au paysage un champ indéterminé d'inventions presque infinies dont les études rassemblées ici explicitent quelques-unes des possibilités ; 3) cette continuité et cette rupture créent ainsi un paysage "sans qualité" selon l'expression de Robert Musil, paysage dont la polymorphie alimente les autres arts et la créativité de l'art contemporain. Voilà pourquoi le livre dessine un parcours permettant d'articuler - c'est son originalité - invention du paysage pictural, invention du paysage photographique et inventions photographiques du paysage. L'ouvrage fondamentalement pluridisciplinaire entend se plier à la logique photographique elle-même qui permet d'engendrer de nouvelles images non picturales, des images machinées, non métaphoriques, profondément documentaires, et dont la reproductibilité permet un archivage du réel, une exploration de nouveaux territoires naturels ou urbains, la multiplication infinie de points de vue sur eux.

Les inventions photographiques du paysage

Comment penser un film de fiction à partir des oeuvres d'art qui s'y trouvent sous la forme d'objet, de représentation, de projet. de performance ou d'événement? A l'inverse. comment penser les oeuvres et les arts non filmiques à partir du cinéma qui les met en .scène, en images et en récit? C'est à ces deux questions reliées circulairement qu'est consacré cet ouvrage collectif où dialoguent historiens. théoriciens, critiques et esthéticiens du cinéma. Dans ce dialogue ouvert et pluridisciplinaire. le lecteur cernera d'abord les principales opérations, fonctions, modalités et portées de ce jeu baroque - souvent fascinant - d'emboîtements et de citations par lequel le film de fiction se laisse nourrir, creuser. perturber, altérer, hanter par d'autres oeuvres d'art que les oeuvres cinématographiques elles-mêmes. Il verra ensuite, et en retour, comment les oeuvres littéraires. plastiques, musicales. chorégraphiques, architecturales. théâtrales que les fictions filmiques utilisent, se laissent éclairer par la lumière propre du cinéma.

Les oeuvres d'art dans le cinéma de fiction

Au sein des recherches actuelles sur l'émotion musicale, ce livre possède une approche originale: il ne s'agit pas tant de décrire la nature, les opérations et les fonctions de cette émotion, que de s'interroger sur les enjeux conceptuels, culturels, sociaux et artistiques de sa valorisation ou de sa dévalorisation. Autour de ce souci axiologique, il s'agit donc d'articuler des perspectives anthropologiques, esthétiques, historiques et pragmatiques afin de poser la question : au nom de quoi, en vue de quoi et dans quels moments de la musique occidentale, les acteurs impliqués par son exercice et sa compréhension revendiquent-ils ou refusent-ils l'émotion ? Dans la mesure où cette question engage  les propriétés de la création, de l'exécution et de l'expérience musicale individuelle et collective, l'ouvrage tente de déterminer les points de vue multiples (religieux, philosophique, éthique, politique, esthétique et artistique) à partir desquels sont posées la valorisation ou la dévalorisation de l'émotion, tant dans les discours que dans les pratiques. Appréhender historiquement et conceptuellement la relation entre musique et émotion ; étudier certaines époques qui ont posé les termes du débat de façon cruciale ; explorer les dispositifs, les pratiques et les rôles joués par le compositeur, l'interprète et l'auditeur ; saisir le rapport que tel et tel type de musique ou genre musical (opéra, rock, jazz) entretient avec l'émotion, telles sont les quatre finalités de cet ouvrage.

La valeur de l'émotion musicale

Quelle est l'influence de la musique sur la perception des images animées ? Que devient la musique quand elle n'est plus qu'un élément parmi d'autres dans cet ensemble synthétique et temporel qu'est le film ? Cette double question est à l'origine de l'ouvrage, qui confronte des analyses de musicologues et de théoriciens du cinéma, de philosophes et de cinéastes.
Lieu unique de rencontre entre la musique populaire et la musique savante, le cinéma permet d'associer dans le même mouvement les amples partitions orchestrales de Max Steiner et les ritournelles de Carlos d'Alessio, le Leitmotiv entêtant de In the Mood for Love et le rock'n roll de Lost Highway, la musicalité joyeuse du cinéma de Jacques Tati et les recherches exigeantes de Jean-Luc Godard. Écouter les films pour mieux les voir, les voir pour mieux les écouter : tel est le but que se sont fixé, sans préjugés, les auteurs de ces études.

Musique et images au cinéma

" Ce que vous voyez est ce que vous voyez " est la formule que le peintre américain Frank Stella a utilisée en 1961. afin de justifier sa pratique picturale abstraite que les critiques de l'époque ont rapidement nommée " art minimal ". Car il s'agissait, pour lui, d'inventer une nouvelle forme artistique qui réduisît l'œuvre à ses éléments les plus simples, les plus matériels et les plus visibles au point de n'être plus qu'une entité purement objectale ne s'identifiant qu'à elle-même. Par ce geste et cette formule, l'art minimal et littéraliste de Stella mais aussi de Robert Morris, de Carl Andre ou de Donald Judd rejetait d'un coup la définition traditionnelle de l'art comme imitation, expression, symbole ou métaphore à interpréter. Il impliquait aussi une radicale reconsidération de l'art et de son histoire à l'époque moderne (au moins depuis l'émergence de la photographie et de l'impressionnisme d'Edouard Manet que ce livre collectif entend explorer. En nouant les discours de l'esthétique, de la critique, de la philosophie, de l'histoire de l'art et de l'art lui-même, l'ouvrage analyse les enjeux d'un moment important de l'art du XXe siècle. Profond à force de créer des surfaces seulement visibles, réflexif à force de vouloir réduire l'œuvre à une simple chose parmi les choses, " l'art minimal " - puis " l'art conceptuel " - nous interroge et nous inquiète ou sujet de la nature, des opérations et de la fonction de l'art d'aujourd'hui.

"Ce que vous voyez est ce que vous voyez" - Tautologie et littéralité dans l'art contemporain

Ce livre explore les différents types de structures paysagères, naturelles ou artificielles, passées et présentes, dans une approche à la fois historique et pluridisciplinaire, du sillon de Romulus à la skyline. Il repose sur deux principes. D'une part, il fait le choix d'appréhender les paysages - naturels, anthropisés et artistiques - à partir des lignes et des figures géométriques simples qui les structurent ou qui les rythment : une ligne d'horizon, un cercle de mégalithes, un chemin de crêtes, une rocade, le sommet d'un volcan, une ligne d'éoliennes, un parcellaire agricole ou un gratte-ciel s'imposent à la perception et définissent immédiatement une configuration signifiante. D'autre part, il revendique la possibilité de faire dialoguer des conceptions du paysage trop souvent séparées : le point de vue anthropologique et archéologique sur les sociétés anciennes, le geste des land-artistes, le regard de l'urbaniste et celui du philosophe, les exigences de l'architecte et celles du géographe, les perspectives de l'historien d'art, du littéraire comme celles des théoriciens de la perception. Comme nous vivons dans un seul et même monde et que nous sommes spontanément capables de reconnaître un paysage lorsqu'il s'offre à nous - qu'il soit naturel, rural, urbain ou artistique -, l'ambition et l'originalité des analyses ici rassemblées sont de parvenir à esquisser, non seulement la possibilité d'une théorie commune, mais celle d'une théorie unitaire du paysage.

Des lignes et des paysages - Du sillon à la skyline

L'hypothèse du livre est la suivante: la poésie mallarméenne est philosophique dans un sens non conceptuel, non disciplinaire ou non académique. Elle est cependant une puissante expérience sensible et spirituelle de pensée qui consiste, comme la philosophie depuis l'Antiquité, à s'étonner c'est-à-dire, à la fois, à s'émerveiller et à s'inquiéter. C'est pourquoi le présent ouvrage se place au centre du cercle suivant qu'il tente de mettre en mouvement: il faut lire les philosophes pour comprendre Mallarmé; il faut lire Mallarmé pour comprendre les philosophes. Car, c'est dans cette conversation (le mot est de Mallarmé) avec Platon, Montaigne, Pascal, Descartes, Hegel, que le poète écrit et élabore une philosophie dans l'acte même de la pratique artistique.

Mallarmé philosophe

Le livre interroge et explore, en une sorte de circularité de principe, à la fois la théorie mallarméenne de la musique, sa mise en pratique poétique, et les compositeurs, essentiellement de langue française, qui mirent Mallarmé en musique (principalement Debussy puis surtout Boulez qui en fit le coeur irradiant de son entreprise). Il tente de clarifier le sens artistique, poétique, esthétique et philosophique de la référence constante de Mallarmé à la musique et d'examiner à cette aune les musiques qui se réfèrent à Mallarmé. Par-delà l'analyse de ces musiques " mallarméennes ", il s'agit de comprendre la part de l'esthétique musicale et la part de l'esthétique tout court que Mallarmé rend possible pour l'art contemporain. Cet examen se fait tout au long de deux moments principaux que les XXe et XXIe siècles semblent dessiner à titre d'hypothèse : le premier moment étant celui de la mise en musique de la poésie mallarméenne au début du XXe siècle (Debussy et Ravel), le second étant celui de la puissante inspiration du Coup de dés et du Livre sur les musiciens des années cinquante (Boulez), Un troisième moment, plus contemporain ou actuel, élargit l'inspiration ou l'émulation de l'oeuvre mallarméenne aux arts de la scène ou de la performance.

La negation a l'oeuvre: la philosophie symboliste de l'art, 1860-1905

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