Désintégration d'un couple

Jour après jour, notre regard soutient l'insoutenable des images : guerres, génocides, terrorisme, actes de barbarie, humiliations, injustices extrêmes. 

L'effroi du présent nous devient familier. 

Le monstrueux a même un pouvoir hypnotique. Cette usure et cette sidération n'appellent-elles pas un autre régime d'images ? l'invention d'un regard qui ne soit ni trop proche ni trop lointain, ni obscène ni détaché ? Dominique Baqué examine les représentations de la violence dans le photojournalisme, l'art engagé ou « caritatif », le témoignage amateur, la vidéo trash. Elle s'arrête avec émotion sur le cinéma et sur les ouvres (photographie, vidéo, installation) qui évitent le piège de la compassion, réveillent les consciences par d'autres stratégies visuelles : l'appropriation, la théâtralisation, le retrait. Elle interroge la responsabilité de ceux qui font et de ceux qui regardent : peut-on « pactiser » avec l'inhumain ? Est-il des situations où l'art doit se retirer ? En définitive, quel rôle doit-il, veut-il et peut-il vraiment jouer ? Avec cette ultime question : en ces temps où de nouvelles violences sont infligées aux femmes, pourquoi l'art reste-t-il quasi muet ?

L'effroi du présent - Figurer la violence

Identifications d'une ville Dominique Baqué _ Comment repenser la ville sans la réduire, ainsi que l'architecture à leurs seules pathologies, mais la penser comme entité à double face : à la fois lieu de tensions et promesse de nouvelles possibilités de vie. Affronter la ville postmoderne autour de quelques figures emblématiques. - La ville en lambeau et ses pathologies : Anthony Hernandez. - Le pacte noué avec la ville : Gabriele Basilico perse la ville comme un chantier permanent, métaphore du vivant. - La ville-sculpture chez Gilbert Fastenackens et archéologiale chez Stéphane Couturier, chez qui friches et chantiers pourraient êtres mises en écho avec les photographies de Delmart et Duvandelle concernant au XIXe siècle les grands travaux du baron Haussmann. - Comment retrouver du lien social ? à rebours de l'échec des artistes politiques des années 80-90, évoquer le travail de Luc Delahaye avec les habitants de Toulouse. - Penser avec Jean-Luc Moulène, la ville comme lieu d'une expérience totale. Suivant un trame historique ' afin " d'asseoir " la problématique de l'urbanité contemporaine ' le livre fera appel aux références majeures de La Photographie Plasticienne : Jeff Wall, Philip Lorca, Di Corcia, etc' Conclusion très " élargie " qui évoque les nouvelles politiques urbanistiques, notamment dans les banlieues, les centres commerciaux, pensés comme lieus de vie, le retour de " l'agora ", le respect de l'environnement avec le recours aux énergies durables, l'expansion de l'art des jardins, etc'. L'auteure : Ancienne élève de l'ENS, agrégée de Philosophie et universitaire Dominique Baqué est l'auteur de nombreux textes portant sur la question de l'image en général, et de la photographie en particulier. Ecrivain, elle a notamment publié un essai sur Maurice Tabard (Belfond), les Documents de la modernité (Jacqueline Chambon) La photographie plasticienne : un art paradoxal (Editions du Regard) et Mauvais Genre(s) (Editions du Regard). Journaliste, elle signe chaque mois la chronique "Photographie" de la revue Art Press.

Identifications d'une ville

Si c’est à Bataille qu’il revient, sans nul doute, d’avoir écrit les textes les plus souverains sur l’érotisme, force est cependant de constater que l’extrême de l’art contemporain s’avère étranger aux catégories élaborées par l’auteur des Larmes d’Eros.Tel est l’objet premier de ce petit essai : comprendre comment, aujourd’hui, le corps érotique se défigure et se reconfigure selon d’autres économies du désir.Opérant une traversée des médias – arts plastiques, photographie, cinéma, mais aussi littérature et mode – Mauvais Genre(s) examine ainsi les jeux d’échange, toujours plus nombreux, entre érotisme et pornographie, et les nouvelles figures de l’obscène. Mais si la frontière entre érotisme et pornographie devient fragile, labile, d’autres phénomènes s’articulent, parfois de façon contradictoire ou paradoxale, pour dessiner une nouvelle corporéité : la dé-sublimation de la chair et la constitution d’un documentarisme sexuel ; la tension entre ce que l’on pourrait appeler un "pôle froid", dont témoignent les corps lisses et aseptisés de l’imagerie virtuelle, et un "pôle chaud", lorsque le corps passe à l’acte, invente des postures de résistance contre l’ordre sexuel dominant. Corps travesti, androgyne ou queer, corps "artialisé" par les marquages des rituels sadomasochistes. Corps mutant enfin, dont s’esquisse en ce début de siècle la post-humanité.Mais davantage encore : au-delà de la différence des sexes défendue par les tenants du naturalisme biologique ou ceux d’un freudisme figé, s’aventurer à penser, dans sa sexuation encore inchoative, la possibilité d’un troisième genre. Au-delà des "mauvais genres".

Mauvais genre(s) : érotisme, pornographie, art contemporain

Anachronique, hors mode, la très riche oeuvre de Daniel Hourdé, polymorphe et polysémique, tout à la fois tragique et ludique, s'inscrit éthiquement dans le lignage du christianisme, et formellement dans celui du maniérisme.
Dessins, installations, sculptures : l'oeuvre est multiple, mais c'est sans nul doute la sculpture qui se situe au coeur de son travail.
 
Géants sublimes dont les corps athlétiques et nerveux évoquent la tradition des « écorchés », motifs récurrents de la Croix et de la couronne d'épines, de la Chute et de la Rédemption, squelettes, tout semble inviter à une méditation sur la Vanité du monde.
 
Pourtant, cette mélancolie qui irrigue l'oeuvre se voit sans cesse remise en cause par l'insertion de motifs ludiques, de titres drolatiques et d'emprunts à la culture Pop.
L'orange, couleur fétiche de l'artiste, dynamise une oeuvre complexe qui célèbre tout à la fois le tragique et la farce, l'effondrement et le rire.
 
Et, comme l'art et la vie ne font qu'un chez Daniel Hourdé, c'est dans un vaste atelier éminemment théâtral, tout à la fois cabinet de curiosités, cocon, lieu magique et mortifère, palais baroque, bunker - que vit et oeuvre l'artiste, tel le dandy de Huysmans.
« Ma maison, c'est un peu mon laboratoire intime où je garde, un peu prisonniers c'est vrai, tous les égarements de mon imagination ».

Daniel Hourde

Parmi les photographes de l'entre-deux-guerres, Maurice Tabard occupe une place singulière. Théoricien, auteur de nombreux écrits où s'élabore une réflexion sur l'histoire de l'art, la philosophie des sciences - et notamment des mathématiques -, il demeure avant tout un « curieux », au sens classique du terme. En marge des dogmes et des mouvements constitués, Tabard est pourtant proche du Bauhaus, par son désir d'élaborer une pédagogie de l'art, et de rassembler autour de l'image une communauté de théoriciens et de plasticiens. Il a également des affinités avec le surréalisme. Mais ce qui fait aussi sa force, c'est sa conscience aiguë de la spécificité de l'ouvre photographique. Maurice Tabard prône une esthétique de la rigueur et de la lucidité : il refuse l'arbitraire et le spontanéisme, sans exclure toutefois le jeu et l'innovation. Tabard est ce photographe qui, dans les années trente, sut déjouer toute systématicité, cet insatiable expérimentateur d'images capable de conjoindre le plaisir du dilettantisme et la maîtrise du métier. Un esprit libre.

Maurice Tabard

Il est des artistes dont l'oeuvre, au-delà de ses multiples variations, est indissociable d'un matériau de prédilection. Le ciment sera la marque de fabrique et, bien plus encore, "l'amour" de la sculptrice Claude de Soria. Ne dit-elle pas "Je suis ciment". A partir de 1968, et sa rencontre avec l'oeuvre de Simon Hantaï, elle rejettera avec force toute figuration pour se consacrer à l'abstraction pure de formes intemporelles. L'artiste après avoir expérimenter la terre et le plomb qui suscite chez elle des mots aussi forts que "dégoût ou nausée" pense tout abandonner. C'est le hasard qui présida à la découverte du ciment et à son appropriation par de Soria. Le ciment qui contribue largement à la radicalité de l'oeuvre. Que des formes simples, élémentaires originelles même, sans aucune adjonction superfétatoire : cercle, boule, rectangle, tige.

Claude de Soria

« Monter à Paris », lorsqu'on est un jeune Corse confronté à une nature aussi belle que pétrifiée, et saisir le flux nerveux de l'urbanité : telle est l'origine du travail de Pierre-François Grimaldi qui, depuis des décennies maintenant, se passionne pour les murs, dont il arrache et décolle papiers et affiches, et plus encore pour les murs et tunnels du métro, là où la foule passe dans un espace extrêmement réduit, et où se concentre un maximum d'informations. 
Son geste artistique se fait archéologie de la modernité, tandis que tout un monde s'ouvre et s'offre au regard comme un trésor perdu : les affiches des Trente Glorieuses, dont Grimaldi, feuille après feuille, dépouille l'épaisseur et procède à des « assemblages » qui frappent par leurs couleurs fraîches et gaies, les visages euphoriques, les slogans naïfs.
On pense aux papiers collés de Braque et de Picasso, à Jean Arp et Kurt Schwitters , aux Nouveaux Réalistes bien sûr, mais la démarche de l'artiste demeure singulière, ne se revendiquant d'aucun lignage.
Chez Grimaldi, l'image est à la fête. Et, avec elle, le visuel, la couleur, la jouissance rétinienne.

Pierre-François Grimaldi

Né à Brest en 1962, Bruno Perramant, vit et travaille à Paris. Cet artiste est très marqué par l'histoire de l'art, la littérature et le cinéma. Sur la toile il ne joue pas seulement avec les couleurs mais aussi avec les mots et la narration. Il travaille ses compositions sous la forme de grands ensembles appartenant à un même cycle ou une série comme : les fantômes, les grottes, les baleines... Coloriste subtil, il accorde une importance capitale à la couleur en utilisant pour ses toiles, des teintes peu saturées, qui gardent cependant leur éclat et leur vivacité, en opposition à un fond sombre.

Désintégration d'un couple

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