Première monographie du photographe / vidéaste français, dont les deux pratiques se complètent mutuellement pour interroger le paysage urbain, sa part d'irrationnel et son rapport à la nature.

Rémy Marlot

À travers une centaine d'autoportraits photographiques, cet ouvrage montre comment, dès le début, les photographes se sont représentés, et comment la photographie elle-même fut perçue. Des autoportraits réalisés à titre expérimental, comme celui de Nadar à la lumière électrique, en côtoient d'autres exécutés à des fins commerciales, comme celui de Disdéri. Parfois, un objet représentatif, comme le chapeau de Bayard, joue le rôle du double symbolique. Avec la démocratisation de la photographie, certains amateurs voient dans l'autoportrait prétexte à montages, ratés ou déformations, dans une approche cette fois ludique du sujet et du medium. Des portraits de Victor Hugo en exil réalisés par l'atelier de Jersey accompagnent cet ensemble et rappellent l'engouement immédiat du poète pour la photographie, son sens inné de la mise en scène et du travail sur son image.

Le photographe photographié - L'autoportrait en France 1850-1914

Un baiser à l'Hôtel de Ville, des gamins turbulents, des ouvriers à l'usine, des gens du monde, des anonymes, des portraits de Picasso, de Tati... Robert Doisneau (1912-1994) est surtout connu pour ses photographies gaies, spontanées, poétiques de Paris et de sa banlieue. Mais ses soixante ans de vie de photographe vont bien au-delà, avec près de 500 000 images produites. On a pu qualifier le regard de Robert Doisneau de reportage humaniste, réalisme poétique, humour tendre..., mais au fond, aucune catégorie n'est parvenue à définir la richesse et la diversité de son oeuvre. Une piste cependant : il s'est situé lui-même comme un «pêcheur d'images» par opposition aux photographes «chasseurs». En effet, pour Quentin Bajac, le style de Doisneau, c'est avant tout la recherche d'une certaine simplicité, d'une immédiateté et d'une économie de moyens : une volonté de ne pas se disperser, pour demeurer toujours en alerte, léger, mobile et à l'affût du monde.

Robert Doisneau ; pêcheur d'images

Quelques jours à peine après la fin sanglante de la Commune de Paris, c'est une profusion d'images photographiques, de tous formats, que découvrent les Parisiens, dans les devantures des magasins ou, interprétées en gravure, dans les colonnes de leurs journaux : images spectaculaires d'un Paris incendié et ruiné, vendues en albums ou à la pièce, bien évidemment, mais également portraits carte-de-visite des principaux acteurs des évènements, fédérés et Versaillais, puis, par la suite, premiers photomontages anticommunards. Si nombre de ces images ont été reproduites ici et là dans des ouvrages consacrés à la Commune, elles ont plus rarement fait l'objet d'une étude approfondie : que représentent-elles exactement, par qui ont-elles été produites, dans quelles conditions, dans quel but, comment ont-elles été perçues à l'époque ? Autant de questions auxquelles cet ouvrage s'efforce d'apporter un début de réponse.

La Commune photographiée

Miroslav Tichy a créé, dans la Tchécoslovaquie communiste, du début des années 1960 au milieu des années 1990, une œuvre photographique obsessionnelle autour de la figure féminine, réinventant de toutes pièces la photographie en marge de tout courant artistique. Ses images, saisies de manière instinctive ou automatique avec des optiques approximatives et des appareils bricolés à l'aide de matériaux de rebut, proposent une réalité extraordinaire, érotisée et onirique: elles révèlent un artiste hors normes, marqué par des influences picturales classiques, mais dont la méthode s'apparente parfois à certaines pratiques amateur et de l'art "outsider". Montrées pour la première fois en 2004, les photographies de Miroslav Tichy, inclassables et intemporelles, témoignent d'un talent singulier. Ce catalogue constitue le premier ouvrage sur l'artiste disponible en français.

Miroslav Tichy

Aujourd'hui consacré comme l'un des photographes majeurs de sa génération, Martin Parr parle néanmoins assez peu de son travail. D se livre ici dans un entretien avec Quentin Bajac et donne les clefs de ce qui fonde la particularité de son approche : un regard social, à la fois ironique et empathique sur les classes moyennes et populaires, les loisirs et pratiques consuméristes de masse et les objets de grande consommation. Sont abordées dans cet entretien illustré sa jeunesse et sa formation au Manchester Polytechnic, les controverses liées à son travail sur la société anglaise des années 1980, sa position particulière entre le monde du photoreportage (au sein de Magnum Photos), celui de la presse et celui de l'art, son attitude à l'égard de l'évolution du monde contemporain, mais également les multiples autres facettes de son travail avec la photographie, devenues aujourd'hui prépondérantes : l'historien, l'éditeur de livres, le commissaire d'exposition et le collectionneur. Si la globalisation, thème cher à l'artiste, est à l'origine d'un certain désenchantement du monde, ses images profondément attachées à l'humain nous accompagnent et nous permettent de l'habiter et de le regarder autrement.

Le mélange des genres ; entretien avec Quentin Bajac

Marc Riboud

La collection Thomas Walther du Museum of Modern Art (New York) est un fonds photographique réunissant près de 350 photographies. Elle s'avère unique non seulement au regard de la qualité exceptionnelle des tirages, exclusivement d'époque, mais aussi parce qu'elle reflète un moment clé de l'histoire de la discipline, à travers une centaine de figures emblématiques de l'avant-garde européenne des années 1920 et 1930 comme Berenice Abbott, Manuel Alvarez Bravo, Claude Cahun, André Kertész, Germaine Krull, Alfred Stieglitz, Paul Strand ou Edward Weston, pour ne citer que les plus connues.

Rémy Marlot

Résumé

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