En 20 ans et presque autant de films, Wang Bing s'est imposé comme l'un des plus importants cinéastes contemporains. Dans une veine tantôt anthropologique, tantôt historique, ses films dressent inlassablement et avec la plus grande abnégation, le portrait d'une Chine qui est celle des laissés-pour-compte de la modernisation et de l'histoire du pays.

Wang Bing, un geste documentaire de notre temps

Johan van der Keuken (1938-2001) est l'auteur d'une oeuvre considérable traversée par une grande diversité de pratiques et de formes : la photographie, le cinéma (une soixantaine de films), l'installation et l'écriture théorique s'y côtoient dans un mouvement de perpétuel questionnement des formes et des techniques. Son parcours couvre près de cinquante années de cinéma, depuis l'émergence du cinéma direct jusqu'à l'avènement du numérique, et la diversité des propositions esthétiques qui s'y déploient fait de lui un cinéaste inclassable, en constante lutte contre les grammaires et les conformismes. Construits autour d'un dialogue permanent entre l'intime et le politique — "on regarde le monde de l'intérieur de soi" a-t-il écrit — les films de Johan van der Keuken interrogent la complexité des interdépendances qui animent la société moderne ; le regard qu'il porte sur les relations entre le Nord et le Sud, entre l'économie et l'environnement, entre le local et le global travaille avec une étonnante pertinence les problèmes qui agitent notre actualité. Parmi les chercheurs en cinéma et cinéastes qui ont contribué à ce volume, certains ont été ses compagnons de route dans l'exercice d'une pensée du cinéma toujours en expansion en ouverte à l'échange, d'autres ont découvert plus tardivement l'importance de son oeuvre et témoignent par leurs travaux de sa fertilité et de sa pérennité. Ces contributions au vaste champ d'investigation que cette oeuvre nous tend explorent les nombreuses hybridations qui composent sa poétique — entre le cinéma et les arts, entre l'art et la technique, entre l'image et le texte, entre l'anthropologie et l'avant-garde — pour éclairer les tensions signifiantes qui sous-tendent sa puissance politique.

Johan van der Keuken - Documenter une présence au monde

Né en 1947 à Canton, dans le Sud de la Chine, Hou Hsiao-hsien et sa famille, dans une période particulièrement trouble, se réfugient dès 1948 sur l'île de Taiwan. C'est là où il grandit, devient vite orphelin et cède à la délinquance avant de découvrir le cinéma. Dans les années 1980 il devient l'un des principaux cinéastes de la Nouvelle Vague taiwanaise. Ces années d'apprentissage, comptant déjà quelques grandes réussites (notamment Un temps pour vivre, un temps pour mourir) précédent la reconnaissance internationale. Le Lion d'or obtenu en 1989 pour La Cité des douleurs consacre en effet un cinéaste qui comptera parmi les plus importants des années 1990 et 2000. Entre films consacrés à l'histoire de Taiwan, films autobiographiques, films montrant la jeunesse contemporaine et expériences à l'étranger, les ouvres marquant profondément cette période et unanimement saluées par la critique sont nombreuses : Le Maître de marionnettes, Goodbye South, Goodbye, Millennium Mambo ou encore Café Lumière. En s'interrogeant plus particulièrement sur le traitement de l'espace, du temps et du son à l'ouvre dans l'ensemble de la filmographie du cinéaste taiwanais, les 14 textes constituant cet ouvrage collectif tentent de mettre en évidence les qualités formelles de l'un des plus grands cinéastes de notre temps.

Le cinéma de Hou Hsiao-hsien - Espaces, temps, sons

Le livre Quand bien même on le réclame sur la plupart des plateaux avant chaque prise de vue, le silence au cinéma est difficilement tenable. Instinctivement associé au vide, au néant, à la contemplation, à la passivité, au temps suspendu, à la mort, ou encore à l'impossibilité de l'événement, le silence est craint. L'attrait du silence manifesté ou subi par les cinéastes et les personnages dans la quinzaine de films ici réunis (du Prince étudiant d'Ernst Lubitsch à Paterson de Jim Jarmusch en passant par Silence et Cri de Miklós Jancsó) doit donc être entendu comme aspiration jamais véritablement concrétisée ni satisfaite. Le silence au cinéma est toujours relatif, perturbé, rompu, brisé, irrégulier, provisoire, dénaturé. Mais il ne provoque en rien une sclérose du sens, du récit ou encore de l'émotion, pour redonner temporairement la main au visible, à défaut de son autonomie complète. Le motif du silence - décliné selon quatre approches entrecoupées de focalisations sur des moments silencieux - sera donc ici mis en exergue dans sa capacité à stimuler des récits fictionnels mais aussi documentaires. Dès lors il conviendra de sa poser la question : par quoi est-il compensé ? C'est que le silence est très vite devenu un recours dramatique très efficace, non pas à le considérer isolément, mais grâce à sa confrontation ou sa juxtaposition avec les composantes de la bande-son que sont la parole, la musique et les bruits. Autrement dit, le silence a besoin d'elles pour résonner, à défaut de s'imposer comme quatrième composante. L'auteur Antony Fiant est professeur en études cinématographiques à l'université Rennes 2. Il travaille sur l'esthétique et la dramaturgie du cinéma contemporain, qu'il soit de fiction ou documentaire, et plus particulièrement sur le cinéma soustractif et la représentation des peuples. Il collabore à plusieurs revues de cinéma (Trafic, Positif et Images documentaires) et est l'auteur de quatre essais dont : Pour un cinéma contemporain soustractif (2014, Presses universitaires de Vincennes) et Wang Bing. Un geste documentaire de notre temps (2019, éditions Warm). Il a aussi coordonné, aux éditions Yellow Now, avec Gilles Mouëllic et Caroline Zéau, Johan van der Keuken. Documenter une présence au monde (2020, "Côté Cinéma"). Côté cinéma / Motifs Une collection de livres de cinéma, dont la modeste ambition est de s'attacher à constituer une iconologie, un inventaire des éléments matériels qui, alors même qu'ils semblent n'être que banal contexte, environnement bordinaire, voire contraintes météorologiques inévitables, font pourtant sens au cinéma. Ainsi la neige, les nuages, la lumière, le vent, le flou, les cafés, les ruines... , autant de matières, de motifs que le cinéma enregistre et qui colorent, dramatisent, rendent lyriques ou dynamisent les récits. Chaque volume s'appuiera sur un motif particulierpour mettre des films en relation et mettre au jour des coïncidences entre des cinéastes.

L'attrait du silence

Né en 1970, Jia Zhang-ke réalise son premier long-métrage, Xiao Wu, artisan pickpocket, en 1997. Il est aussitôt remarqué dans plusieurs festivals internationaux avant d'être hautement plébiscité par la critique au moment de sa sortie sur les écrans français en janvier 1999. On a d'emblée fait de Jia Zhang-ke le chef de file des cinéastes chinois de la sixième génération, d'un cinéma indépendant, non reconnu par l'État et non distribué dans son propre pays. Si sa situation évoluera de ce point de vue-là (il est officiellement autorisé à tourner à compter de 2002 et ses films sont dès lors modestement distribués sur le sol chinois), la cohérence de son oeuvre n'est aucunement remise en cause. Tous ses films traitent en effet du même sujet, s'emploient à décrire les profondes mutations de la Chine dans le passage du XXe au XXIe siècle, du communisme au capitalisme, avec une attention quasi exclusive pour les laissés-pour-compte de la croissance extraordinaire du pays. À travers fictions - Xiao Wu, Platform (2000), Plaisirs inconnus (2002), The World (2004), Still Lite (2006) - ou documentaires - In Publie (2001), Dong (2006), Useless (2007) - ou bien en tentant la fusion entre les deux registres - 24 City (2008) -, Jia Zhang-ke n'a de cesse de convertir ses propres constats en questions de cinéma. Aussi le présent ouvrage, dans une approche ouvertement esthétique et dramaturgique, s'emploie à restituer cette quête d'adéquation constante entre fond et forme, et à ainsi célébrer l'émergence d'un cinéaste majeur qui marquera assurément l'histoire du cinéma.

Le cinéma de Jia Zhang-ke. No future (made) in China

Divers tant dans leurs modes de production que dans leurs propositions esthétiques, les documentaires politiques analysés dans l'ouvrage proposent de nouvelles formes d'engagement qui les inscrivent de facto dans la longue tradition du cinéma à vocation politique. Douze textes et trois rencontres avec des cinéastes (Maria Kourkouta, Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval, Mila Turajlic) répartis en trois parties respectivement axées sur la parole politique, le déracinement de populations et des processus d'appropriation d'images et de sons, s'emploient ainsi à démontrer la grande vitalité de l'art documentaire qui, à défaut de changer le monde, l'inscrit et le réfléchit.

L'art documentaire et politique contemporain

Comment penser un film de fiction à partir des oeuvres d'art qui s'y trouvent sous la forme d'objet, de représentation, de projet. de performance ou d'événement? A l'inverse. comment penser les oeuvres et les arts non filmiques à partir du cinéma qui les met en .scène, en images et en récit? C'est à ces deux questions reliées circulairement qu'est consacré cet ouvrage collectif où dialoguent historiens. théoriciens, critiques et esthéticiens du cinéma. Dans ce dialogue ouvert et pluridisciplinaire. le lecteur cernera d'abord les principales opérations, fonctions, modalités et portées de ce jeu baroque - souvent fascinant - d'emboîtements et de citations par lequel le film de fiction se laisse nourrir, creuser. perturber, altérer, hanter par d'autres oeuvres d'art que les oeuvres cinématographiques elles-mêmes. Il verra ensuite, et en retour, comment les oeuvres littéraires. plastiques, musicales. chorégraphiques, architecturales. théâtrales que les fictions filmiques utilisent, se laissent éclairer par la lumière propre du cinéma.

Les oeuvres d'art dans le cinéma de fiction

Le court métrage occupe une place à part dans le cinéma français, assurant non seulement le renouvellement des générations, mais favorisant aussi les expérimentations formelles les plus diverses. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, on lui doit un intérêt tout particulier pour le documentaire, genre très peu usité à l'époque dans le cadre du long métrage. Certes, la logique est encore souvent celle de la commande à l'initiative de groupes industriels ou d'institutions ministérielles par exemple, mais cette attention nouvelle portée au réel incite à un profond renouvellement des tendances dramaturgiques et esthétiques. Minoritaire par le nombre de films réalisés, la fiction offre aux réalisateurs un second terrain d'expérimentation qui trouve à s'exprimer dans le court métrage ou le film à sketches, notamment par le biais de la comédie, de l'animation et de l'adaptation littéraire. Ce volume entend non seulement explorer la production des documentaires et des fictions produits dans le court métrage entre 1945 et 1968 mais aussi montrer que la vivacité de la forme brève, sa modernité même, passe justement par sa capacité à s'émanciper des frontières traditionnellement dressées entre documentaire et fiction, d'un film à l'autre, mais aussi au sein d'un même film. Les études rassemblées dans cet ouvrage s'intéressent à des cinéastes parmi les plus importants de l'histoire du court métrage français : Jean Cocteau, Claude Chabrol, Jacques Demy, Robert Enrico, Pierre Étaix, Jean-Luc Godard, Paul Grimault, Pierre Kast, Roger Leenhardt, Eli Lotar, Jean Painlevé, Paul Paviot, Jean-Daniel Pollet, Pierre et Jacques Prévert, Jean Rouch, Éric Rohmer, Georges Rouquier, Jacques Tati, etc.

Le Court Métrage français de 1945 à 1968 - Tome 2, Documentaire, fiction : allers-retours

Ce livre rassemble plusieurs textes autour du cinéma du réalisateur portugais Pedro Costa. L'auteur évoque la démarche et les partis pris des films, pour la plupart réalisés dans le quartier de Fonthainas à Lisbonne. Le cadrage et la position de la caméra revêtent des rôles précis, inscrivant la fiction dans l'histoire des habitants et du Portugal (l'immigration au Cap Vert).

Wang Bing, un geste documentaire de notre temps

Résumé

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