Concevoir un equipement culturel

Des feux de la Seconde Guerre mondiale à ceux de la déforestation en Amazonie, la vie de Frans Krajcberg s'inscrit au croisement des grands combats du XXe siècle. Juif polonais, il doit fuir devant l'invasion de son pays par les nazis. C'est le début d'une longue errance qui le mène de Pologne en Biélorussie, puis l'URSS, le Kazakhstan, la libération des camps et l'horreur de la découverte des cadavres calcinés. La paix le pousse vers l'ouest, Stuttgart puis Paris où prend forme sa vocation artistique. Mais c'est son arrivée au Brésil à partir de 1947, et surtout sa découverte de la forêt amazonienne qui va définitivement asseoir sa vocation en le confrontant au "grand impact de la nature", selon ses propres termes.

Celle-ci devient sa première source d'inspiration, et bientôt le sens même d'un art qui se fait combat pour la défendre avec acharnement. La prise de conscience de la déforestation par le feu sous la pression agricole, la dépossession des Indiens qui s'ensuit sont autant de moments fondateurs. Bientôt, il ne conçoit plus son art qu'en proximité directe avec la nature : que ce soient ses peintures qui prennent pour support des éléments végétaux, ses pigments tous naturellement issus de la terre brésilienne, ou ses sculptures réalisées à partir des bois brûlés récupérés dans les forêts calcinées, l'art pour Frans Krajcberg s'inscrit au coeur même de sa relation à la nature et des outrages quelle subit quotidiennement.

Frans Krajcberg ; un artiste en résistance

Dans un pays qui a fait de la place de la culture un des fondements de son identité, où les responsables politiques, depuis Richelieu, sont aussi jugés à leur capacité d'être les protecteurs des Arts et des Lettres, la revue Area et les éditions Descartes & Cie ont eu l'idée de donner la parole à deux témoins familiers des milieux où s'élaborent les politiques culturelles.
Il en résulte un véritable débat, détaillé et concret, sur ce qu'il reste aujourd'hui de Malraux et de Lang, et sur les propositions pour demain. La qualité de la confrontation vient de l'expérience et du talent des auteurs. Se faisant l'avocat de leurs visions personnelles, leurs plaidoiries sont percutantes. S'agit-il de la politique culturelle vue de droite, vue de gauche ? En partie, certes, mais on trouvera ici des aspects plus complémentaires qu'opposés.
Les risques d'étatisme, de conservatisme, d'abandon de la culture aux mécanismes de marché sont mis en évidence par ces regards croisés et devront être soigneusement pris en compte par les futurs responsables de la politique culturelle.

Renaissance de la politique culturelle

Née de la rencontre inopinée, dans un train lancé à Très Grande Vitesse entre Paris en Avignon, d'un prophète érotico-mystico-mécanique - le Très Grand Véda - et du génie fulgurant et fulminant de Tomi Ungerer, cette épopée fantastique, «hénaurme», interprétée par une armée de gastéropodes en délire, nous amène à guerroyer contre toutes les intolérances, politiques et religieuses, de notre temps.

Le très grand Véda : épopée du grand prophète érotico-mystico-mécanique, de ses bonheurs et de ses heurts pas bons, dans le concert mondial des déflagrations intégristes et impérialistes

L'ouvrage d'Yves-Michel Bernard rassemble une analyse des modes d'acquisitions et d'expositions qui, au cours du XXe siècle en France, ont été des modèles pour la constitution des FRAC, une étude de l'engagement du ministère de la culture dans une politique ambitieuse qui aboutit à la création des FRAC après l'arrivée de la gauche au pouvoir en 1981, ainsi qu'une étude approfondie des collections, à partir d'un recensement informatique de l'ensemble des acquisitions.

Origine et création des fonds régionaux d'art contemporain - 1981/1986 les années militantes

On les croise sans les voir. Ils chuchotent sur les murs des villes des mots silencieux. Ils sont faits de présence absence. Ces visages, ces regards rencontrés au sein d'oeuvres de street artistes. qu'il nomme " Graphogènes ", Claude Mollard se fait un plaisir de nous les révéler. Extraordinairement différents les uns des autres, les Graphogènes rendent compte de l'identité d'une ville; ici, six esprits différents selon les sensibilités du pays : côté déchiré de Berlin, structuré de Paris, guignol coloré à Rome, romantique à Salvador de Bahia, lumineux à Rio, iconoclaste à Montry. Découvrez, observez. accompagnez Claude Mollard dans sa quête imperturbable des Graphogènes, à la rencontre du street art et d'un art contemporain où l'observation et le détail règnent.

Les graphogènes

Le cri de la terre est saisi par le photographe au plus près de la nature dont il enregistre la protestation face à la folie des hommes. À la façon des animistes, Claude Mollard révèle vie et expressions humaines sur les galets, troncs d'arbres, roches, végétaux captés sur les cinq continents. Son ouvre rassemble images et textes remettant l'homme à sa place, fragile et pourtant prétentieuse, de descendant des êtres de la nature qui le précédent depuis les origines. Notre Terre-mère va-t-elle assister à la disparition de ses enfants qui ne savent ni voir, ni comprendre??

Un hommage rendu à son ami Frans Krajcberg,
au milieu de ses sculptures. Un cri universel, émouvant et multiple, avant que n'advienne le pire.

Le cri de la terre - De manifeste en manifeste

Babel en ruine, c'est l'image de notre édifice culturel dont les mandarins, aveugles, ne voient plus les lézardes ; c'est la création confrontée aux idéologies en miettes, aux intérêts opposés des décideurs, des médiateurs, des publics, c'est l'appel incantatoire au rempart de l'État. Reconstruire Babel, transgresser l'interdit, telle est l'ambition de Claude Mollard. Ou du moins veut-il apporter sa pierre et faire appel à l'esprit des bâtisseurs pour rechercher, au-delà d'un système sclérosé, cloisonné et opaque, les voies fragiles de la transparence et de la création. A travers ses expériences multiples, Claude Mollard décèle des réussites là où on ne les attend guère, mais aussi des échecs, des contradictions, propose des issues dialectiques et apporte des réponses pertinentes à l'heure où n'arrive plus à se nouer le débat souvent faussé sur les rôles respectifs de l'artiste-créateur, de l'État-providence, des critiques-persifleurs et des publics-consommateurs. Le Mythe de Babel nous ouvre les yeux sur les réalités sans cesse mouvantes de la création contemporaine et nous rappelle qu'une société qui ne crée plus est condamnée à disparaître.

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