Beat generation - New-York, San Francisco, Paris

Collection films | La collection du Centre PompidouUne exploration de la collection cinématographique grâce à une approche originale basée sur une trentaine d'oeuvres de la collection de films du Centre Pompidou. Le propos n'est pas de ré-écrire une nouvelle histoire traditionnelle du cinéma mais de considérer le film comme objet appartenant aux champs des arts plastiques : une autre manière de voir les grands films de Bunuel, Richard Serra, Man Ray ou encore René Clair. Cette lecture inédite apporte une contribution originale à l'histoire de l'art comme à celle du cinéma.

Collection films | La collection du Centre Pompidou

"Cinéma est un mot grec qui signifie « mouvement » [movie]. L'illusion du mouvement est certainement le complément ordinaire de l'image filmique, mais cette illusion repose sur la certitude que la vitesse à laquelle se succèdent les photogrammes n'admet que des variations très limitées. Rien dans l'agencement structural du ruban filmique ne peut justifier une telle certitude. C'est pourquoi nous la rejetons. Désormais, nous appellerons notre art simplement : le film."Hollis Frampton, Pour une métahistoire du filmCe livre propose une lecture rétrospective, non linéaire et décentrée de l’histoire des images en mouvement : il s’appuie sur une analyse de la pensée filmique telle qu’elle se déploie, indépendamment de ses applications techniques, dans l’histoire des représentations, et constitue un repérage de la manière dont les propriétés du film, disjointes de l’appareil qui conditionne le spectacle cinématographique, agissent dans les différents champs des pratiques artistiques.Les premiers chapitres analysent la manière dont le film est né de la déconstruction de l’espace et des catégories à partir desquels la forme-cinéma s’est instituée ; les suivants s’attachent à décrire comment artistes et cinéastes, au fil de la période moderne et contemporaine, ont disjoint les propriétés du film – lumière, durée, mouvement – et séparé ses éléments constitutifs – photogramme ou ruban de photogrammes, faisceau, surface de projection… – pour les réagencer en d’autres configurations. Ce changement de perspective dont on n’a pas fini de mesurer les effets nous oblige à une lecture rétroactive de l’histoire du film tout entière, en même temps que celle de son intégration à un système des arts qu’il transforme en retour. Ce qu’on appelle improprement « cinéma expérimental » apparaît désormais comme la trace, tout au long du XXe siècle, du fait que l’expérience du film ne se confond pas avec l’histoire de sa dématérialisation : face au spectacle de cinéma traditionnel moulé dans l’espace du théâtre classique, du film avant-gardiste des années 1920 à l’expanded cinema des années 1960, jusqu’au film d’artiste contemporain, le style « expérimental » aura été une façon de repenser l’histoire des images en mouvement en suggérant d’autres généalogies et selon d’autres concepts.Face au dispositif spatial dans lequel s’est reconnu et s’est déployé le cinéma moderne (des spectateurs immobiles dirigeant leur regard vers un écran conçu comme une surface transparente) et à partir duquel il a produit ses propres régimes d’intelligibilité, se dessine une autre manière de penser le film : un film despécifié, émancipé des lois de la théâtralité et de celles de la photo-impression, un dispositif de transfert généralisé engendrant des phénomènes de comparution.Philosophe et historien de l'art, Philippe-Alain Michaud s'intéresse particulièrement aux relations entre film et histoire de l'art. Conservateur chargé du département film du Centre Georges Pompidou, il est professeur à l’École de recherche graphique (ERG – École Supérieure des Arts) de Bruxelles. Parmi ses publications : Aby Warburg et l’Image en mouvement (Paris, Macula, 1998) ; Le Peuple des images (Paris, Desclée de Brouwer, 2002) ; Filme: Por Uma Teoria Expandida do Cinema (Rio, Contraponto, 2014).

Sur le film

Mouvement d'inspiration littéraire et artistique né aux États-Unis, dans les années 1950, à l'initiative de William Burroughs, Allen Ginsberg et Jack Kerouac, la Beat Generation a profondément influencé la création contemporaine.Le beau livre revient sur dix-huit années explosives, de New York, en passant par Los Angeles et San Francisco, jusqu'au Mexique, Tanger et Paris. L'ouvrage met particulièrement en avant le séjour parisien des écrivains de la Beat Generation, une étape essentielle.Les nombreux documents reproduits (photos, manuscrits, pochettes de disques, dessins et peintures ...) témoignent de l'euphorie créative des membres du groupe, ainsi que de la pluridisciplinarité du mouvement (arts visuels, littérature, jazz, poésie sonore ...). Sous la direction de Philippe-Alain Michaud, l'ouvrage propose différents essais des plus grands spécialistes du sujet. Une dizaine d'entretiens inédits avec des protagonistes du mouvement, ainsi que des extraits de textes et poèmes (Allen Ginsberg, Gregory Corso, William Burroughs, notamment) viennent enrichir le catalogue.4ème de couvertureLa Beat Generation naît à New York dans les années 1940 de la rencontre d'un petit groupe d'écrivains encore inconnus : Jack Kerouac, William S. Burroughs et Allen Ginsberg. En deux décennies, rayonnant au-delà de ce premier cercle, le mouvement acquiert une notoriété immense. De Greenwich Village à North Beach, le quartier de la bohème littéraire de San Francisco, puis au-delà des frontières vers le Mexique, Tanger, Paris et jusqu'en Extrême-Orient, porté par l'ivresse du voyage et le goût de la liberté, l'esprit de la Beat Generation se répand partout. Défiant l'Amérique consumériste, ségrégationniste et réactionnaire, défendant sans doctrine un idéal contemplatif et nomade, le groupe multiplie les expérimentations, formant le creuset des contre-cultures modernes.Avec plus de cinq cents oeuvres et documents, l'exposition « Beat Generation » au Centre Pompidou met en perspective un courant qui va bien au-delà de l'avant-garde littéraire. Les essais, témoignages, poèmes et entretiens rassemblés dans cet ouvrage richement illustré rendent compte de l'effervescence d'un des mouvements culturels les plus influents du XXe siècle.

Beat generation - New York, San Francisco, Paris

Hans Richter (1888-1976) a traversé toute l'histoire de l'art du XXe siècle : issu de l'expressionnisme, à la croisée du mouvement Dada, du constructivisme et du néo-plasticisme, il est l'inventeur du film abstrait et l'un des acteurs majeurs des avant-gardes des années 1910 et 1920. De Theo van Doesburg à El Lissitzky, de Kasimir Malévitch à Ludwig Mies van der Rohe ou Marcel Duchamp, il a tissé des liens d'amitié et collaboré avec bon nombre d'artistes européens de premier plan avant d'accompagner le basculement de la scène artistique de l'Europe vers les Etats-Unis, où il émigre au début des années 194o, et où il contribuera, à travers ses expositions, ses publications et son enseignement, à écrire l'histoire du mouvement moderne. Mais la vie de Richter n'est pas limitée à la sphère de l'histoire de l'art : elle se confond avec l'Histoire tout court, souvent tragique, du siècle dernier, de la Grande Guerre à la révolution spartakiste et à la République de Weimar, de l'effondrement économique à l'avènement du nazisme et à la persécution des juifs. L'exposition "Hans Richter. La traversée du siècle" présentée au Centre Pompidou-Metz dresse ainsi le portrait d'un artiste-cinéaste qui a constitué un nouveau système des arts dans lequel le film occupe une place déterminante et d'un grand témoin de son temps, résolument engagé dans le réel.

Hans Richter - La traversée du siècle

En 1996, le designer français Martin Szekely prend la décision de placer son travail sous l'égide d'une règle :  ne plus dessiner. Il s'agissait d'un principe de création et d'un principe de procédure auxquels le designer reste fidèle encore aujourd'hui. L'ouvrage Ne plus dessiner est publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Centre Pompidou à Paris du 12 octobre 2011 au 2 janvier 2012. A travers les différents textes et projets qui y sont présentés (ceux montrés dans l'exposition), il revient sur les fondements de cette démarche singulière et permet d'en constater les effets sur les réalisations des quinze dernières années. Chaque projet, des éditions de meubles et d'objets de recherche aux produits industriels, est accompagné d'un texte écrit par le designer lui-même avec Françoise Guichon, conservatrice et chef du service Design au Musée national d'art moderne - Centre Pompidou. En fin d'ouvrage, le théoricien de l'art Philippe-Alain Michaud, conservateur chargé de la collection des films au Musée national d'art moderne - Centre Pompidou, revient sur le film de Mark Lewis, Black Mirror at the National Gallery, créé spécialement pour l'exposition. Fruit de la rencontre entre le designer et l'artiste, cette oeuvre met en scène Soleil Noir, un miroir conçu par Martin Szekely en 2007, dans les salles de peintures hollandaises de la National Gallery de Londres. Modeste dans son format et par son nombre de page, Ne plus dessiner est un joli complément de l'ouvrage Martin Szekely, une monographie en grand format publiée en 2010 aux éditions JRP/Ringier.

Ne plus dessiner

Consacrée aux artistes portugais Pedro Costa (né en 1959), Rui Chafes (né en 1966) et Paulo Nozolino (né en 1955), cette exposition collective se présente sous la forme d'un dialogue renouvelé entre cinéma, sculpture et photographie.
Articulée autour de l'installation « As filhas do Fogo » de Pedro Costa et Rui Chafes, et du film « Minino macho, Minino fêmea » de Pedro Costa accompagnés d'une série de photographies de Paulo Nozolino, l'exposition est pensée comme un parcours mental et immersif à la croisée des interrogations plastiques de ces trois artistes engagés, au fil des années, dans une collaboration féconde.

Pedro Costa, Rui Chafes, Paulo Nozolino

L'Œuvre de Paul Kallos possède cette rare qualité, dans notre époque si soucieuse de classifications, de ne jamais vraiment se rattacher à aucun des mouvements artistiques qui ont vu le jour depuis la Seconde Guerre mondiale. Dès l'origine, elle s'est tenue sur une voie singulière, sans complaisance à l'égard des modes, trouvant sa vivacité dans une oscillation permanente entre " figuration " et " abstraction ".
En quarante uns, elle a connu plusieurs métamorphoses aux premières scènes d'intérieur des années 1950, véritables " structures analytiques " de l'espace, ont succédé des clairs-obscurs traités en glacis, dans l'esprit de Rembrandt ou de Vélasquez. L'expression " figurative " l'emportait, des Crucifixions (1961) au Balcon (d'après Monet) (1967). Le rapport s'est ensuite inversé après une période de transition (1969-1975), marquée par le choix du " paysage " comme motif d'élection : les Brumes ou Nuées signalent l'abandon de l'huile pour l'acrylique. Elles donnent alors naissance aux premières Strates, d'aspect mural, d'abord constituées de blocs massifs (l977-1978) - bien que les bords en soient comme rongés par la lumière - puis de plus en plus fluides (au cours des années 80), mesurant à l'infini sur un mode quasi architectural tous les jeux possibles de la transparence.
Dans ses œuvres les plus récentes, Kallos accorde au blanc de la toile un rôle pour ainsi dire matriciel. Comme si, du blanc " originel ", surgissait de manière holographique une multitude de combinaisons formelles, profils perdus, conservés jusqu'ici en mémoire dans l'œuvre même et soudain délivrés, rendus visibles avec la plus extrême rigueur.
Peintre d'origine hongroise, venu à Paris en 1950 à l'âge de vingt-deux ans, Paul Kallos est très vite repéré par Pierre Loeb, l'un des marchands les plus respectés de la capitale, qui le prend sous contrat pendant dix ans, jusqu'à la fermeture de sa galerie (la Galerie Pierre), en 1963. Depuis 1955, ses œuvres ont été présentées à Paris et en Province ainsi qu'à l'Étranger : Londres, Bâle, Stockholm, Tokyo, New York, Toronto... En France, il expose régulièrement à la Galerie Bernard et Gwénolée Zurcher (Paris), et à la Galerie Jade (Colmar).

Beat generation - New-York, San Francisco, Paris

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