Detours

Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of the romantic concept of the sublime, at the age of the anthropocene.

The awareness of climate change modified our collective relation to the earth in many ways, but it also impacted the human gaze. Within this context, the romantic notion of the sublime has been given a new turn: based on the relation between humans and nature, defined as a feeling of "delight associated with terror" and by the contrast between immensity and the individual, the sublime is the aesthetic notion that corresponds to the anthropocene. 
In Planet B. Climate Change and the New Sublime, French writer and curator Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of this concept through 3 chapters unfolding in 3 acts of the exhibition: 1. Intercessions (Every exhibition is a forest). 2. Charles Darwin and the coral reefs. 3. The tragic death of Nauru Island.

Planet B. Climate Change and the New Sublime is the last chapter of exhibitions initiated with The Great Acceleration. Art in the Anthropocene (Taipei Biennial, 2014), followed by Crash Test. The Molecular Turn (La Panacée, 2018) and The 7th continent (Istanbul Biennial, 2019). 
This catalogue is published on the occasion of an eponymous exhibition taking place at Palazzo Bollani, Venice, from April 20th to November 27th, 2022, with Nils Alix-Tabeling, Dana-Fiona Armour, Charles Avery, Gianfranco Baruchello, Hicham Berrada, Bianca Bondi, Peter Buggenhout, Roberto Cabot, Alex Cerveny, Anna Conway, Sterling Crispin, Kendell Geers, Anna Bella Geiger, Loris Gréaud, Max Hooper Schneider, Agata Ingarden, Per Kirkeby, Agnieszka Kurant, Romana Londi, Turiya Magadlela, Lucia Pizzani, Thiago Rocha Pitta, Ylva Snöfrid, Nicolás Uriburu, Ambera Wellmann, Haegue Yang, Phillip Zach.

Planet B - Climate Change and the New Sublime

Walk on the wild side - At the heart of the Carmignac collection

«Arrivé à l'âge de trente ans, je me rendais compte que je ne possédais rien, que ma fiancée s'éloignait de moi, que j'allais devoir échanger mes ambitions contre un emploi de salarié, et que la fin du monde approchait.» Beth quitte David alors qu'il vient d'intégrer un poste de «conseiller technique sans attribution définitive» dans l'Entreprise, société chargée d'élaborer une Arche moderne en vue du déluge imminent. David s'acharne à espérer que son couple n'est pas mort, tout en cherchant ce qu'il faut sauvegarder dans l'Arche : calendriers des postes, performants incinérateurs d'appartement, êtres humains ou cadavre congelé de Walt Disney... Et les signes de déliquescence s'accumulent. L'homme du palier, SDF philosophe qui investit l'immeuble au grand dam des soeurs K., jumelles obsédées par l'hygiène et la diététique, se transforme en agent liquidateur ; le tueur en série Jacchetti oublie sa carte d'identité auprès du cadavre de ses victimes ; les amis de David s'aventurent dans des projets troublants : l'un lance le chantier du Plus grand trou du monde et l'autre se fait murer dans son appartement. Une dissection percutante de cette ère où «la vie s'écoule dans les tubulures», d'un monde dominé par les stratégies de masse et les technologies de pointe : le nôtre.

L'Ère tertiaire

La Panacée présente la première exposition personnelle en France de Tala Madani, née en 1981 en Iran et vivant actuellement à Los Angeles. Les tableaux de Tala Madani semblent presque tous issus d'une même scène, d'un "carré" où se produiraient les acteurs d'un film muet, fragments d'un monde unique. Ils fonctionnent comme autant de courtes séquences, comme extraites d'une animation pop-up. Boucles infinies de Vine, clichés cosmétiques d'Instagram, images-gadgets de Snapchat : Tala Madani fonde sa pratique picturale sur le régime de l'image en ligne sur les réseaux sociaux, et elle utilise les codes visuels de la séduction publicitaire afin de mieux en révéler le négatif.

La Panacée #1 - Tala Madani

Que peut nous apprendre l'art sur la globalisation économique ? En retour, comment comprendre les nouvelles formes de l'art contemporain à la lumière de cette mutation sociale et intellectuelle? Appuyant son analyse sur l'expérience vécue aussi bien que sur les écrits de Victor Segalen ou les aventures artistiques les plus novatrices aujourd'hui, Nicolas Bourriaud dresse la cartographie d'un monde en mouvement. Entre menace d'uniformisation et tentation du retour aux racines, entre multiculturalisme et traditionalisme qui assignent tous deux les individus à leur prétendue « identité », la culture mondialisée est en quête d'une troisième voie qui sorte du postmodernisme pour aller vers l'« altermodernité » dont ce livre esquisse les figures. Un organisme qui fait pousser ses racines au fur et à mesure qu'il avance : tel est le sens du mot radicant, par lequel Nicolas Bourriaud définit cette modernité émergente, s'opposant à la radicalité qui hanta le siècle précédent.

Radicant - Pour une esthétique de la globalisation

Un organisme qui fait pousser ses racines au fur et à mesure qu'il avance et qui doit négocier avec le sol qui l'accueille : c'est ainsi que Nicolas Bourriaud définit la notion de radicant, qui donne sens à la démarche de nombreux artistes contemporains.
Appuyant son analyse sur l'expérience vécue, celle d'un critique d'art et commissaire d'expositions international, Nicolas Bourriaud pose avec obstination cette question : qu'est-ce que l'art peut nous apprendre sur le vrai sens de la globalisation ? En quoi rend-il compte, toujours en avance, de ce monde en mouvement perpétuel où nous perdons chaque jour nos repères ?
Entre la fin des avant-gardes et la tentation du retour aux racines, entre la crise du multiculturalisme et les impasses de l'ironie culturelle des années 80, une voie se dessine, toujours précaire mais d'une richesse infinie : celle que frayent, à travers la vidéo, la peinture mais aussi la performance urbaine ou l'exploration d'une planète en mutation, des artistes aussi divers que Pierre Huyghe, Gabriel Orozco, Dominique Gonzalez-Foerster, Maurizio Cattelan. et bien d'autres.
Un essai qui donne des clés de lecture essentielles sur l'art contemporain.

Radicant ; pour une esthétique de la globalisation

En se proposant de constituer une "archéologie du futur", Arman a mis en place un langage plastique qui a profondément influencé l'art contemporain : les Accumulations posent dès 1959 le principe de la sérialisation. Comme l'écrit Nicolas Bourriaud, plus que l'appropriation de l'objet, c'est la "catastrophe de la quantité" et la "tragédie du plein" qu'évoque ce geste fondateur. Conçus comme de véritables tableaux, la force picturale de ces oeuvres résulte du choix des objets, de leurs couleurs et de la variété des matières. Les Accumulations traitent de la perte d'identité de l'individu et de la neutralisation des échanges humains par la société de consommation, de la violence de l'abondance, de l'esthétique du déchet, comme autant de "prémonitions" de notre paysage post-industriel (N Bourriaud). Ce travail de pionnier évoque les oeuvres de son contemporain Andy Warhol, tout en annonçant les recherches de nombreux artistes comme, entre autres, Damien Hirst, Thomas Hirschhorn, El Anatsui ou Subodh Gupta. Né à Nice en 1928, Arman vivait et travaillait entre Vence et New-York où il est décédé en 2005. Une grande rétrospective de son oeuvre s'est tenue en 1998 à la Galerie Nationale du Jeu de Paume de Paris, puis en Israël, au Brésil et en Iran. Plus récemment le MAMAC de Nice (2006) et le Centre Pompidou (2010) lui ont consacré une importante exposition. Présent dans une centaine de villes du monde avec des oeuvres monumentales, il l'est également dans les plus grandes collections internationales.

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