Walk on the wild side - At the heart of the Carmignac collection

Sarah Morris - Mechanical Ballet

Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of the romantic concept of the sublime, at the age of the anthropocene.

The awareness of climate change modified our collective relation to the earth in many ways, but it also impacted the human gaze. Within this context, the romantic notion of the sublime has been given a new turn: based on the relation between humans and nature, defined as a feeling of "delight associated with terror" and by the contrast between immensity and the individual, the sublime is the aesthetic notion that corresponds to the anthropocene. 
In Planet B. Climate Change and the New Sublime, French writer and curator Nicolas Bourriaud invites artists from all around the world to question the contemporaneity of this concept through 3 chapters unfolding in 3 acts of the exhibition: 1. Intercessions (Every exhibition is a forest). 2. Charles Darwin and the coral reefs. 3. The tragic death of Nauru Island.

Planet B. Climate Change and the New Sublime is the last chapter of exhibitions initiated with The Great Acceleration. Art in the Anthropocene (Taipei Biennial, 2014), followed by Crash Test. The Molecular Turn (La Panacée, 2018) and The 7th continent (Istanbul Biennial, 2019). 
This catalogue is published on the occasion of an eponymous exhibition taking place at Palazzo Bollani, Venice, from April 20th to November 27th, 2022, with Nils Alix-Tabeling, Dana-Fiona Armour, Charles Avery, Gianfranco Baruchello, Hicham Berrada, Bianca Bondi, Peter Buggenhout, Roberto Cabot, Alex Cerveny, Anna Conway, Sterling Crispin, Kendell Geers, Anna Bella Geiger, Loris Gréaud, Max Hooper Schneider, Agata Ingarden, Per Kirkeby, Agnieszka Kurant, Romana Londi, Turiya Magadlela, Lucia Pizzani, Thiago Rocha Pitta, Ylva Snöfrid, Nicolás Uriburu, Ambera Wellmann, Haegue Yang, Phillip Zach.

Planet B - Climate Change and the New Sublime

La Panacée présente la première exposition personnelle en France de Tala Madani, née en 1981 en Iran et vivant actuellement à Los Angeles. Les tableaux de Tala Madani semblent presque tous issus d'une même scène, d'un "carré" où se produiraient les acteurs d'un film muet, fragments d'un monde unique. Ils fonctionnent comme autant de courtes séquences, comme extraites d'une animation pop-up. Boucles infinies de Vine, clichés cosmétiques d'Instagram, images-gadgets de Snapchat : Tala Madani fonde sa pratique picturale sur le régime de l'image en ligne sur les réseaux sociaux, et elle utilise les codes visuels de la séduction publicitaire afin de mieux en révéler le négatif.

La Panacée #1 - Tala Madani

Lucy Orta's work examines the social bo,ds wothin communities and the relationships between individuals and their environments. In the early 1990s Orta began a series of works that combined architecture, fashion and social activism. These works took the form of prototype clothing and portable shelters for emergency situations. Orta's work has since grown to incorporate interdisciplinary workshops, contemporary dance and other actions that explore notions of identity, shared space and networking. These projects include collaborations with such marginalized groups as the unemployed, the homeless and immigrants. Orta has staged solo exhibitions and performances at the Cartier Foundation for Contemporary Art, Paris (1996), the Museum of Contemporary Art, Sydney (1998), and the Wiener Secession, Vienna (1999). She has exhibited in numerous group exhibitions, including the Venice Biennale (1995), the Johannesburg Biennale (1997) and the Museum of Contemporary Art in Tokyo (1998). In addition Orta frequently works outside the usual art world of gallery and Museum exhibitions. Orta is currently the first Rootstein Hopkins Chair of Fashion at the London College of Fashion, part of The London Institute, and heads the new master programme'Man and Humanity' at the Design Academy in Eindhoven.

Lucy Orta - Edition en anglais

L'oeuvre de Philippe Parreno s'est imposée dans les années 1990 quand une génération d'artistes, dont il est l'un des principaux représentants, s'écartant du goût pour le "néo" de la décennie précédente, a renoué avec les objectifs analytiques des avant-gardes : redéfinition de l'espace d'exposition, déconstruction des médias, intérêt pour la façon dont les objets s'inscrivent dans un contexte, une histoire, plus que pour leur production proprement dite. A rebours de la tradition qui voulait rendre compte du réel à travers la fiction, Philippe Parreno veut faire entrer la fiction dans le réel pour mieux réinventer celui-ci. Des institutions majeures ont consacré des expositions à cette oeuvre singulière : le musée d'art moderne de la Ville de Paris, le Centre Pompidou, le Mamco de Genève, le Palais de Tokyo...

Philippe Parreno

Kim Sooja - Conditions d'humanité : Conditions of humanity

Qu'est-ce que l'art contemporain en France ?

Le premier volume du recueil de textes de Nicolas Bourriaud, autour de la problématique du temps dans l'art, et de la manière dont le thème ou le motif du temps et de la durée traverse l'oeuvre de nombreux artistes, en relation avec la société, les publics et l'histoire.
La critique d'art s'apparente plus que jamais à cette antique science qu'est la balistique. Dans un monde plus mouvant que jamais, elle calcule la trajectoire d'étranges objets catapultés dans la Cité, les oeuvres d'art. Elle explore leur parcours sinueux, cartographie les paysages qu'elles traversent. Elle est un discours trajectorial en son principe : à l'étude du mouvement décrit par l'oeuvre s'ajoute la description d'un itinéraire modèle, c'est-à-dire ce calque subjectif et conceptuel qui se surimpose, le temps d'un texte, aux formes de la production artistique : la théorie.
Quelles que soient les circonstances qui président à l'écriture des préfaces et des articles que l'on dissémine ça et là, les mêmes traits surgissent pour former des figures similaires, comme la limaille de fer se reconfigure toujours en fonction du degré de puissance d'un aimant. Textes de commande ? Oui, si l'on considère que l'activité du critique consiste à répondre aux sollicitations. Autrement dit, comme le pensait Serge Daney, à renvoyer la balle après un service, au plus près possible d'une trajectoire gagnante - en tout cas ailleurs que dans les pieds de l'artiste. C'est déjà beau de renvoyer le projectile, à une époque où l'on se contente de faire du mur contre les images. Mais on ne doit pas toujours renvoyer de la même manière, il faut diversifier les coups, du lob au passing shot... Pour éveiller l'intérêt, il importe en premier lieu de surprendre l'envoyeur, de viser un coin du terrain où personne ne se trouve, chercher toujours l'angle imprenable.
Ce premier tome regroupe des textes qui abordent la problématique du temps dans l'art. Tout d'abord en tant que thème central pour une génération d'artistes dont j'ai suivi le travail depuis mes débuts, à la toute fin des années 1980, puis comme un motif conceptuel, du temps réel de l'esthétique relationnelle aux bifurcations borgésiennes des artistes-archéologues, en passant par la grande synchronisation planétaire de ces dernières décennies.
Le volume inclut des textes sur Charles Avery, Braco Dimitrijevic, Subodh Gupta, Bertrand Lavier, Pierre Huyghe, Melik Ohanian, Philippe Parreno, Matthew Ritchie, Franz West...

Walk on the wild side - At the heart of the Carmignac collection

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