Existe-t-il des arts "mineurs" ? - Traditions, mutations et dé-définitions de la Renaissance à l'art actuel

Africa Remix six pays d'Europe, d'Afrique et d'Asie ont présenté l'exposition "Africa Remix. L'art contemporain d'un continent" à Düsseldorf, Londres, Paris, Tokyo, Stockholm et Johannesburg, de 2004 à 2007. Le cycle est entré dans l'histoire des grandes expositions d'art contemporain en suscitant enthousiasmes et critiques, réactualisant les débats provoqués en 1989 par les "Magiciens de la Terre" dont le commissaire, Jean-Hubert Martin, faisait également partie de l'équipe curatoriale d'"Africa Remix". Les polémiques ont d'emblée mis l'exposition "en questions" : Comment justifier la perspective géographique annoncée par le titre alors que l'art contemporain ne connaît pas de frontières? Quelle est la spécificité, s'il y en a une, de l'art contemporain africain ? Les thèmes retenus par les commissaires ("identité et histoire" ; "corps et esprit" ; "ville et terre") suffisent-ils à construire un concept d'exposition ? Quels sont ses liens avec les postcolonial studies évoqués lors d'un colloque organisé à cette occasion au Centre Pompidou ? L'ouvrage revient tant sur les propositions artistiques que sur le point de vue des commissaires, en interrogeant les résonances entre art contemporain et théories postcoloniales.

Africa Remix - Une exposition en questions

Faits divers réunit les principales étapes de la production photographique que
Jean-Christophe Garcia a mis en oeuvre depuis près de vingt ans. De l’Inventaire
subjectif des cinémas de village en Aquitaine (1993-1994) à sa toute dernière
série Atgol (automne 2010), pour laquelle il revisite des sites photographiés par Atget à partir de saisies d’écran sur le web, il poursuit un même questionnement, réitératif et obsédant, sur la réalité visuelle des images. En interrogeant leur capacité à rendre compte du réel, Jean-Christophe Garcia se positionne du côté du hors-champ, de l’interstice, de l’entre-deux. Ce qui lui permet d’approfondir sa réflexion sur la photographie, la mémoire, la représentation du réel et sa mise en scène, le vrai, le faux, le faux-semblant.

Faits divers - Jean-Christophe Garcia

L'oeuvre de Marcel Duchamp se présente comme une mythologie en marche, son destin d'homme obéit à la même loi. Tout ce qu'il entreprend est baigné par le mystère et placé dans la distance d'une ironie. Il est évident que la surprise est constante pour celui qui le découvre et que toute la lumière n'est pas toujours faite sur cet itinéraire hors-norme.
L'un des points parmi les moins explorés de son histoire correspond à son séjour à la Bibliothèque Sainte-Geneviève. Il y est resté pendant une assez longue période, très exactement deux ans, de 1913 à 1915. C'est le seul lieu où il entreprit de s'astreindre à un travail, fuyant le statut d'artiste pour se protéger sous le masque du bibliothécaire. Duchamp aura toujours la plus grande nostalgie de ce passage.
Situé entre son voyage à Munich qui marque la fin de sa pratique de la peinture et son séjour à New York qui le voit élaborer une oeuvre sans précédent, son temps à la Bibliothèque Sainte-Geneviève est marqué par un intense effort de réflexion à partir de textes et d'images qu'il découvre dans des livres consacrés à la perspective et à la géométrie. La Boîte verte et une large partie des notes seront l'expression de cette quête. Duchamp cherche du nouveau et il le trouve dans des volumes qui vont du XVIe au XIXe siècle. Il lit, lève des dessins et retient des citations. Tout cela forme le réservoir inépuisable qui permettra à ses chefs d'oeuvre de s'élancer, Le Grand Verre ou Étant donnés, comme aussi à ses productions en marge.
Ce temps intermédiaire qui explique la large explosion Duchamp aux États-Unis n'a jamais été considéré à sa vraie mesure. C'est une prise en compte complète de ce phénomène qu'Évelyne Toussaint et Yves Peyré ont souhaité réaliser, la première au gré d'une approche analytique, le second par le biais d'un regard synthétique. Une part du voile se lève sur les énigmes qui s'attachent à la trajectoire Duchamp, la réponse se tenait entre la richesse des collections de la Bibliothèque, son ambiance apaisante et le plaisir que Duchamp prit à s'y mouvoir et à s'y refonder par l'exercice patient de la lecture qui l'imprégna durablement, qu'il laissa lentement infuser en lui.
Le volume Marcel Duchamp à la Bibliothèque Sainte-Geneviève donne ainsi un aperçu nouveau de la création selon Marcel Duchamp tout en révélant l'une des sources les plus fécondes de son oeuvre.

Duchamp Ã  la bibliothÃ¨que Ste GeneviÃ¨ve

"Les liens entre l'art contemporain et les questions de colonialité, postcolonialité, et décolonialité sont anciens et multiples. Des artistes occidentaux et non-occidentaux, depuis plusieurs décennies déjà, s'en sont emparés pour produire des oeuvres qui témoignent de leurs engagements politiques, sociétaux et esthétiques. Des concepts que les études postcoloniales ont approfondies ou inventées - agency (agentivité), mimicry (mimétisme/simulacre), ou essentialisme stratégique -, en autant d'outils utiles à démêler la complexité des relations coloniales et, au-delà, de toutes les relations de domination, sont ainsi revisités par les artistes. D'autre part, des auteurs, relevant de ces champs d'études qui conservent aujourd'hui toute leur actualité politique et leur pertinence théorique, disent à leur tour l'intérêt qu'ils portent à la création contemporaine. Associant vingt historiens de l'art et chercheurs en littérature, philosophie, droit ou psychanalyse, Postcolonial/Décolonial. La preuve par l'art présente des travaux portant sur des démarches artistiques (Betye Saar, Fred Wilson, Sarkis, Lidwien van de Ven, Voluspa Jarpa, des artistes du collectif Mira au Mexique, Iris Kensmil, Jean Renoir, et bien d'autres), mais aussi sur des propositions institutionnelles (notamment initiées par le Centro de Arte y Comunicación de Buenos Aires, la Biennale de Venise ou le Van Abbemuseum d'Eindhoven), associées en de nouveaux réseaux de solidarités. Une place particulière est réservée aux singularités artistiques, théoriques et juridiques en Amérique latine, lieu d'émergence des théories décoloniales. Sous un angle historiographique et épistémologique, on trouvera ici des analyses des fondements historiques, théoriques et idéologiques du postcolonial dont les théorisations, loin de la saturation conceptuelle dont certains veulent les accuser, concernent particulièrement l'histoire de l'art. "

Postcolonial/Décolonial - La preuve par l'art

La fragilité, la mémoire et la nécessité du témoignage sont les thèmes centraux de la démarche commune d'Anne et Patrick Poirier. Des installations de maquettes de sites archéologiques ruinés, de gigantesques sculptures-écroulements, des dizaines de journaux-herbiers, des centaines d'empreintes et de photographies instaurent des fictions paradoxales qui valent à ces artistes, depuis le début des années 1970, une reconnaissance internationale. Ce livre propose un "retour" aux œuvres, afin de dissiper ambiguïtés et malentendus ayant pu laisser penser qu'Anne et Patrick Poirier s'adonnaient à la nostalgie d'un mythique passé, alors que l'axe central de leur travail est l'actualité du monde, l'affirmation post-exotique de la nécessité d'opposer l'intelligence à la violence, la culture à l'intolérance, la mémoire à l'amnésie.

Anne et Patrick Poirier - Vade-mecum

Cet ouvrage trace une histoire de l'art du graffiti à travers l'évolution du travail de Tilt. Partant du writing, ce genre de graffiti fondé sur le dessin et la peinture de lettres dont se réclament encore aujourd'hui nombre de graffeurs - parmi lesquels Tilt - qui entendent affirmer leur spécificité et opposer une forme de résistance au tournant « street-art » de la production visuelle actuelle dans l'espace public. Tilt peint son premier tag éponyme en 1990. Il sait dès lors que le graffiti sera une passion à vie. Le graffiti traduit un rapport libertaire, voire anarchiste, invasif, à la ville, contre l'autoritarisme de l'architecture et de l'urbanisme, la sur-implantation de la publicité, l'enlaidissement de certains quartiers. Son contenu, dans la pratique de Tilt, n'a pas besoin d'être explicitement militant : ce qui est politique, ici, c'est le geste lui-même, sous une forme activiste d'intervention sur le territoire. À partir de 2016, Tilt va recréer en atelier des séries d'abstractions. Ces oeuvres provoquent le même effet de surprise que celui que suscite un graffiti dans la ville, elles sont à la fois inscrites dans les origines subversives du graffiti et dans l'histoire de la peinture. Qu'il soit « vandale », dans la rue, où il appartient à tout le monde, ou qu'il devienne objet à vivre comme en décidèrent les premiers graffeurs qui investirent les galeries d'art newyorkaises dès les années 1970, l'histoire du graffiti continue ainsi à s'écrire.

Existe-t-il des arts "mineurs" ? - Traditions, mutations et dé-définitions de la Renaissance à l'art actuel

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