Dictionnaire Des Peintres Paysagistes Francais Au Xixe Siecle

- Monographie consacrée à Gabriel Godard, peintre français n é en 1933, figure marquante de l'abstraction contemporaine.
- Plusieurs de ses toiles ont été acquises par l'État, dont le centre Georges Pompidou et le musée d'Art moderne de Paris.
- Très beau texte de Lydia Harambourg : biographique et analy tique. On parcourt ainsi 60 ans de carrière.
- Plus de 200 oeuvres reproduites.
- L'ouvrage tente de montrer la cohérence de la démarche artistique de Gabriel Godard : depuis ses premières toiles figuartives, jusqu'à ses oeuvres abstraites les plus récentes, en passant par son cycle consacré au massacre d'Oradour-sur-Glane.

Gabriel Godard

Jean-Pierre Cassigneul est parmi les peintres français vivants les plus vendus dans le monde. Depuis plus de cinquante ans, son oeuvre se conjugue avec succès, selon la même grammaire. A contre-courant sans pour autant chercher à l'être. Un peintre connu et reconnu pour sa peinture célébrant LA femme, l'élégante, la parisienne... Des femmes mystérieuses et raffinées peintes dans des décors éternels, du Bois de Boulogne, en passant par les planches de Deauville ou encore les bords du lac Léman. Cassigneul est un pur produit de l'École des Beaux-Arts. Un peintre post impressionniste, loin des dictats de la peinture contemporaine dont le succès à l'étranger ne s'est jamais démenti. Ce nouvel ouvrage met en avant une partie plus méconnue de son oeuvre. Il regroupe plus de deux cents dessins. De nombreux nus, des portraits, des ballerines ou des illustrations d'ouvrages de Kessel, Baudelaire ou Sagan. Jean-Pierre Cassigneul est un dessinateur passionné passant avec aisance du crayon au fusain ou encore des pastels à la gouache. Depuis ses débuts, il n'a jamais cessé de dessiner la femme, le sujet qui l'aura passionné depuis ses débuts. « Le dessin commence toujours avec un modèle. Pendant plus de 30 ans, chaque après-midi, j'avais un modèle qui venait poser à l'atelier. » Aujourd'hui, la moitié de son marché se concentre aux États-Unis. En salles des ventes, il est vendu aux côtés des plus grands noms impressionnistes et s'est hissé au sommet du classement des artistes français vivants les mieux vendus en ventes publiques. De Tokyo à New-York en passant par Maastricht et Londres, il est présent dans les plus grandes foires internationales.

Cassigneul : dessins et tapisserie

Un sculpteur qui marie la grâce et la puissance, encouragé dès ses débuts par des géants comme Henry Moore ou Giacometti et très proche du photographe Brassai. Présent dans les collections des grands musées (MoMa à New-York, le musée d'art Moderne à Paris), on découvre aujourd'hui ses dessins et peintures. Un livre qui complète son Catalogue raisonné. Claude Mercier (1924 - 2019), immense sculpteur, est admiré pour ses oeuvres de métal pleines d'élan ou au contraire concentrées, repliées sur leur propre mouvement. A partir de 1949 et jusqu'en 2016, il aura mené un travail inlassable et patient qui lui vaudra l'amitié de nombreux artistes et, dès ses débuts, les conseils et les encouragements de Henry Moore et Alberto Giacometti. On trouve ses oeuvres dans quelques-uns des plus grands musées et collections, Museum of Modern Art (MoMa) à New-York , Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Musée de Toronto, Canada, Fonds national d'art contemporain, Paris et de nombreux musées en région et collections privées. Mais une facette de son talent reste très peu connue et " invisible " : il s'agit de ses dessins, gravures et peintures. Pourtant ils sont indissociables de ses sculptures, les complètent, les éclairent, s'enrichissent mutuellement de leur voisinage. Ouvres à part entière, ce ne sont en aucun cas des esquisses ni des croquis, moins encore des " relevés " dessinés ou peints de ses sculptures mais la force de leur volume, l'impression de relief, le même mouvement qui les anime fait invinciblement songer à son oeuvre sculpté dont, par un chemin inverse, on saisit alors toute la " picturalité ", la précision et la légèreté, comme si l'acier, le laiton ou le cuivre avaient été dessinés d'un trait dans l'espace. La soixantaine d'oeuvres graphiques reproduites dans cet ouvrage constitue donc une révélation et un éblouissement, aussi bien pour les amateurs déjà familiers de la carrière de Claude Mercier que pour ceux qui le découvriront grâce à ce précieux volume.

Claude Mercier - Oeuvre graphique d'un sculpteur

Né en 1920, Olivier Debré est l’un des artistes le plus personnel du mouvement abstrait « lyrique » qui s’épanouit à Paris autour des années cinquante, terme auquel il lui préfère celui « d’abstraction fervente ». Tout son oeuvre, élaboré depuis 1944, témoigne de sa quête du réel entièrement revécu, où le paysage à la fois mental et sensuel relève son désir d’espace et de mouvement, comme l’expriment les toiles monumentales de ces dernières années et notamment les rideaux de scène pour la Comédie Française et le théâtre des Abbesses à Paris. Ce rapport à la monumentalité lui a fait aborder la sculpture dès 1962 ainsi que l’architecture. Signe Personnage puis Signe paysage traduisent une réalité physique de la peinture qui ne serait selon Debré « que du temps devenu espace ». Quand il ne voyage pas, il vient se ressourcer sur les bords de la Loire, dans la propriété familiale des Madères. En peignant « dans la nature je traduis l’émotion qui est en moi devant le paysage, mais pas le paysage » dit-il. Cette quête d’une poésie de la nature, Olivier Debré en a fait une éthique de vie.

Olivier Debré

Une centaine de reproductions d'oeuvres du peintre.

Jacques bibonne

C'est dans son atelier qu'Antoine Correia a choisi de me parler de son travail. Le lieu est clair, baigné d'une lumière qui entre par trois baies vitrées. Aucune trace d'informatique ou de vidéo ici, pas plus que de téléphone, de table ou de chaises ; juste un canapé hors d'âge, deux chevalets très hauts, des pots et des tubes de peinture à l'huile, des pinceaux, des palettes empâtées, des papiers griffonnés, un meuble à tiroirs pour les dessins et un rack pour les toiles. Au mur trône une peinture "classique" dans son cadre d'époque ; cet atelier pourrait avoir cent ans ! Emmanuel Pons

Antoine Correia

Figure majeure de la peinture française après la Seconde Guerre, Geneviève Asse a bâti son oeuvre à l'écart des modes. Peintre de la lumière et de l'espace révélés par sa Bretagne natale, elle adopte le bleu, couleur emblématique de sa palette. Elle décline depuis plus de soixante ans le « bleu Asse » qui « prend tout ce qui passe », et joue d'une infinité de valeurs dans ses vues maritimes inspirées par la presqu'île familière de Rhuys et l'Ile aux Moines où elle achète une maison en 1987. 
L'auteur, qui connaît bien l'artiste née à Vannes en 1923,  nous fait pénétrer dans son univers et nous la fait suivre tout au  long d'un parcours de vie très riche.
Geneviève Asse passe son enfance dans le golfe du Morbihan avec la mer pour ligne d'horizon, ancrage de sa peinture. A Paris, en pleine Occupation, elle suit les cours à l'école nationale des arts décoratifs et s'engage fin 1944 dans la 1re DB comme conductrice ambulancière. De Belfort à Berlin elle participe à la campagne d'Alsace et d'Allemagne et prend part à l'évacuation du camp de Terezin. Après la guerre, elle dessine pour les maisons de tissus Bianchini Ferrier, Paquin. Liée d'amitié avec l'industriel et collectionneur Jean Bouret, elle rencontre par son intermédiaire Nicolas de Staël et Beckett, qui deviendra un ami fidèle, tout  comme Bram Van Velde. Elle côtoie Poliakoff, Lanskoy, Charchoune, Geer Van Velde.  
Aux peintures blanches inspirées par la lumière du midi à la suite d'un séjour en Catalogne, succèdent dans les années 1970 des compositions en hauteur structurées par des lignes verticales ou horizontales suggérant des portes ou des fenêtres, « un fil tendu en équilibre », qu'elle reprend dans ses gravures. 
A partir des années 1980, le bleu envahit la toile et absorbe le vide. Une ligne de démarcation, blanche, rouge à la fin des années 1990, divise la surface pour des symétries décalées. La série Stèles (hommage à Victor Ségalen) est donnée en 2012 par l'artiste au musée national d'art moderne venant compléter les achats de l'Etat commencés dès 1955 et enrichir les donations de l'artiste au Centre Pompidou. 
Geneviève Asse a réalisé plusieurs commandes de vitraux à la cathédrale de Saint- Dié (1988) et à la Collégiale de Lamballe (1996). Plusieurs rétrospectives lui ont été consacrées:  au musée de Reims,  au musée d'art moderne de la Ville de Paris et récemment au musée de Rouen en 2009-2010. 
De nombreuses expositions dans les galeries Claude Bernard, Jan Krugier,  Ditesheim et Maffei, Marwan Hoss, contribuent à sa reconnaissance internationale. 
A l'occasion de son 90e anniversaire, les musées de Montpellier, Vannes et le Centre Pompidou lui ont rendu hommage.

GeneviÃ¨ve Asse

MATHIEUpar Lydia HarambourgGeorges Mathieu, décédé en 2012, était né en 1921 à Boulogne-sur-Mer. Il fut l’un des maîtres de la peinture du XXe siècle, créateur de l’Abstraction lyrique. Son esthétique est indissociable d’une éthique et d’une métaphysique qui remettent en cause le système de pensée, de Platon à Heidegger, sur lequel repose le monde occidental. Le combat qu’il mène depuis plus d’un demi-siècle contre l’humanisme cartésien se traduit picturalement par la primauté du geste sur la pensée.Inventeur de signes, ceux-ci précèdent le sens pour une inversion sémantique qui bouleverse notre vision millénaire de la peinture. Sa dialectique picturale postule l’improvisation, la spontanéité, la vitesse requises au nom de l’imaginaire, de l’inconnu et du risque qui ont pour conséquence immédiate sa pratique, novatrice, de peindre en public des toiles gigantesques dans un temps record. Mathieu renoue avec la démarche des grands mystiques (Saint-Jean de la Croix) comme avec celle des peintres orientaux. Le public japonais reconnaîtra très tôt dans le peintre, un des siens. Acteur insigne de l’aventure abstraite des années 50 et ordonnateur des grandes expositions historiques qui révèlent Wols et Pollock et confrontèrent pour la première fois peinture américaine et peinture française, Mathieu a poursuivi son parcours en solitaire. Dès 1958, des rétrospectives ont lieu dans le monde entier, alors que des expositions sont organisées dans les plus importantes galeries françaises et internationales. Peintre, écrivain, philosophe, il milite avec une ardeur peu commune pour une prise de conscience ouvrant sur une entreprise spirituelle, pour une « renaissance de demain », dont témoignent dès 1972 ses livres, parmi lesquels le plus récent « désormais seul face à Dieu » (1998). Georges Mathieu, le premier, a osé ce « saut dans le vide » revivifiant l’énergie primitive à partir des fulgurances des signes, de la prolifération des taches et du déchaînement flamboyant des couleurs, pour un art prophétique.

Dictionnaire Des Peintres Paysagistes Francais Au Xixe Siecle

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