Une centaine de reproductions d'oeuvres du peintre.

Jacques bibonne

Un sculpteur qui marie la grâce et la puissance, encouragé dès ses débuts par des géants comme Henry Moore ou Giacometti et très proche du photographe Brassai. Présent dans les collections des grands musées (MoMa à New-York, le musée d'art Moderne à Paris), on découvre aujourd'hui ses dessins et peintures. Un livre qui complète son Catalogue raisonné. Claude Mercier (1924 - 2019), immense sculpteur, est admiré pour ses oeuvres de métal pleines d'élan ou au contraire concentrées, repliées sur leur propre mouvement. A partir de 1949 et jusqu'en 2016, il aura mené un travail inlassable et patient qui lui vaudra l'amitié de nombreux artistes et, dès ses débuts, les conseils et les encouragements de Henry Moore et Alberto Giacometti. On trouve ses oeuvres dans quelques-uns des plus grands musées et collections, Museum of Modern Art (MoMa) à New-York , Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Musée de Toronto, Canada, Fonds national d'art contemporain, Paris et de nombreux musées en région et collections privées. Mais une facette de son talent reste très peu connue et " invisible " : il s'agit de ses dessins, gravures et peintures. Pourtant ils sont indissociables de ses sculptures, les complètent, les éclairent, s'enrichissent mutuellement de leur voisinage. Ouvres à part entière, ce ne sont en aucun cas des esquisses ni des croquis, moins encore des " relevés " dessinés ou peints de ses sculptures mais la force de leur volume, l'impression de relief, le même mouvement qui les anime fait invinciblement songer à son oeuvre sculpté dont, par un chemin inverse, on saisit alors toute la " picturalité ", la précision et la légèreté, comme si l'acier, le laiton ou le cuivre avaient été dessinés d'un trait dans l'espace. La soixantaine d'oeuvres graphiques reproduites dans cet ouvrage constitue donc une révélation et un éblouissement, aussi bien pour les amateurs déjà familiers de la carrière de Claude Mercier que pour ceux qui le découvriront grâce à ce précieux volume.

Claude Mercier - Oeuvre graphique d'un sculpteur

Cet ouvrage monographique porte un regard rétrospectif sur la carrière artistique de Roger Blaquière. La peinture en est le fil conducteur mais d'autres recherches l'attirent : le textile dans les années 70-80, la linogravure depuis 1965, les livres d'artistes et l'illustration pour les ouvrages de ses amis écrivains, le modelage, les terres cuites mais aussi un travail conséquent sur les grands formats picturaux conçus

Roger Blaquiere

Sept jours avec la peinture

Prix de Rome en 1953, André Brasiller s'inscrit dans une tradition de la peinture française. Peintre de la mesure et de la lumière, il entretient depuis l'École des beaux-arts un dialogue incessant avec les maîtres, au Louvre comme dans les musées qu'il découvre lors de ses nombreux voyages. Sa démarche créatrice donne la priorité au sujet, pour une réflexion picturale en attente de propositions plastiques constamment renouvelées. Sa terre natale angevine, Vallauris et le golfe de Juan-les-Pins, Loupeigne-en-Tardenois, sont autant d'ateliers pour André Brasilier qui y développe les thèmes récurrents du cheval, et celui, emblématique, de Chantal, son épouse, incarnation de la femme intemporelle et éternelle. En profonde osmose avec la nature, il y puise l'essentiel de son langage servi par une palette fervente identitaire (les bleus, les verts, le rose) et un dessin ajusté au plus près de sa sensibilité. L'ivresse secrète devant les magies orchestrées par les beautés naturelles déclenche une vision élégiaque, ravivée par les complémentaires, jaune et vert, pour des épousailles sonores, auxquelles est particulièrement attentif André Brasilier, grand amateur de musique. Ces équivalences plastiques et chromatiques sont au cœur de sa peinture. Dans sa quête inlassable d'un humanisme fusionnel, Brasilier s'attache à rendre visible l'invisible. Reconnu internationalement, il expose régulièrement en France et à l'étranger.

André Brasilier

Georges Folmer, avec constance et acharnement, abandonne toute trace de figuration pour devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique des années 1950-1960. La grande historienne de l'art Lydia Harambourg, passionnée par l'oeuvre de Folmer, revient sur ce cheminement qui a marqué l'histoire de l'art du XXe siècle. "En art, il n'y a pas de hasard, tout est réflexion, tout est démarche pensée." Cette affirmation de Georges Folmer (1895-1977) résume à merveille la ligne de conduite qu'il n'aura cessé de suivre, avec constance, rigueur et acharnement, pour s'extraire de toute figuration et devenir l'un des maîtres de l'abstraction géométrique, qui s'épanouit en France dans les années 1950-1960. Peintre et dessinateur, mais aussi sculpteur, créateur d'affiches, de meuble, d'objets d'art décoratif, Folmer explore tous les supports. S'imprégnant des grands courants de l'abstraction - le cubisme et le néoplasticisme en particulier -, trouvant aussi l'inspiration dans la poésie, la musique, les mathématiques, il élabore peu à peu un nouveau langage plastique, une forme d'expression" non figurative et non objective". De Nancy à Paris, Lydia Harambourg retrace le parcours riche et complexe de Folmer, à la conquête de l'abstraction la plus pure.

Folmer - La Conquête de l'abstraction

Maria Papa Rostkowska (1923-2008) est une figure majeure de la Nouvelle Ecole de Paris. Le travail de cette artiste d'origine polonaise, de nationalité italienne mais résolument française de coeur se situe à mi-chemin entre l'abstraction et la figuration. Son langage plastique est une ode à la nature ; puisant dans les formes végétales, minérales et hybrides, ses sculptures sont une invitation à la contemplation et à une certaine quête de bonheur. Elle développe des thèmes qui lui sont chers : figure féminine, couple, famille, métamorphose, harmonie mais aussi guerre et luttes traversent son art. Travaillant principalement le marbre en taille directe, Maria Papa Rostkowska a fait de sa vie un manifeste pour l'art. Le catalogue met également en avant les correspondances plastiques entre ses sculptures et les dessins, collages et lithographies de Jean Arp (1886-1966), Emile Gilioli (1911-1977) et Marino Marini (1901-1980). Affinités, amitiés, voire " mariages artistiques ", chaque lien qui unit Maria Papa Rostkowska à ces artistes est unique.

Maria Papa Rostkowska et ses affinités artistiques - Jean Arp, Emile Gilioli, Marino Marini

Dictionnaire des Peintres de L'École de Paris 1945-1965 Lydia Harambourg
L'École de Paris compte parmi les grands chapitres de l'histoire de l'art du
XXe siècle. Ce terme, apparu dans les années vingt sous la plume d'André Warnod
pour désigner une situation spécifique à la capitale, foyer de création
incontournable, à la fois aimant et réflecteur auprès de la communauté
artistique internationale, a été reconduit après la deuxième guerre mondiale.
En 1945, Paris est toujours ce ``phare'' qui attire les artistes des quatre
coins du monde, venus y chercher la liberté de création et la reconnaissance à
partir d'un engagement irréversible. Le terme sera conservé, repris par les
critiques qui parleront de la ``Nouvelle école de Paris'', ou encore de la
``Seconde école de Paris'', puisque rien ne peut lui être comparé, mais aussi
pour éviter l'écueil d'un amalgame ambigu. Si le mot école n'est pas à prendre
ici dans son acceptation littérale, il revêt dans les années cinquante, une
signification insigne de la liberté d'expression vécue conjointement dans ces
années de combat, par les artistes et par les critiques engagés à défendre la
figuration ou l'abstraction. Ces années pionnières qui voient l'émergence de
l'abstraction lyrique, rivale de l'abstraction géométrique, plus radicales
entre elles qu'envers une figuration qui ne cède pas sur son terrain, sont
riches de conquêtes plastiques, d'affirmations de personnalités aujourd'hui
reconnues internationalement. Chaque faction, chaque courant esthétique a ses
représentants, ses thuriféraires qui se retrouvent dans les salons nés après la
guerre : salons de Mai, des Réalités Nouvelles, des Peintres Témoins de leur
Temps, Comparaisons, École de Paris, vitrines irremplaçables de l'art vivant.
Entre 1945 et 1965 la scène artistique française connaît un dynamisme qui
explique cette diversité stylistique, cette cohabitation d'expressions pour de
nouvelles avancées dans une histoire de l'art autant faite de ruptures, que de
continuités. Il est temps de replacer les faits dans leur réalité historique.
C'est la mission que l'auteur s'est imposée. À partir des documents
contemporains étudiés, des archives consultées enrichis, des nombreux
entretiens de l'auteur avec les artistes, protagonistes, acteurs et témoins de
cette époque, cet ouvrage scientifique s'impose comme le témoignage unique de
vingt années de peinture à Paris. À partir de textes biographiques et
monographiques consacrés à chacun des peintres qui ont fait de Paris le
carrefour de l'art ouvert sur le monde, le Dictionnaire des Peintres de L'école
de Paris, 1945-1965, est à ce jour un livre sans équivalent, qui prend acte de
la vitalité de la vie artistique à Paris et de ses peintres, certains célèbres,
d'autres en phase d'une reconnaissance désormais historique. MISE À JOUR 2010
par Clotilde Scordia 850 artistes cités 447 notices d'artistes avec
illustrations 536 pages, 170 x 225, couleur, isbn 978-2-8258-0241-0 0 prix de
vente ? 99.00 parution Mai 2010 Éditions ides et calendes évole 19 ch 2001
neuchâtel tél : + 41 (0) 32 725 38 61- fax : + 41 (0) 32 725 58 80
www.idesetcalendes.eu - info@idesetcalendes.eu

L'école de Paris 1945-1965 ; dictionnaire des peintres

Cent chefs-d'oeuvre reproduits en grand format et en couleurs invitent à un parcours passionnant dans l'univers de Robert Helman. Un texte accessible, clair et précis commente son oeuvre.

Jacques bibonne

Résumé

Plus de livres de Lydia Harambourg

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques