Philippe Soupault

L'avant garde russe

Plus d'un siècle après l'événement, il est toujours aussi difficile de définir et de circonscrire le cubisme avec précision, faute d'un manifeste ou de déclarations claires de quelque chef de file reconnu. Affectant les arts et la littérature, le cubisme a d'abord été un phénomène parisien, avec des acteurs internationaux, avant de s'étendre largement à l'étranger. Dans cet ouvrage, illustré par plus de deux cents reproductions en couleurs, Serge Fauchereau en propose une lecture complète, tout en explorant les variantes originales injustement négligées ou méconnues.

Le cubisme: une révolution esthétique, sa naissance et son rayon

L'exposition retrace l'aventure des plus grands artistes polonais du XXe siècle. Celle-ci commença dans les années 20, avec les fondateurs du groupe " a.r " ou artistes révolutionnaires formés par Malevitch, et se poursuivit à travers des orientations communes jusqu'à la période contemporaine. Elèves de Malevitch, Strzeminski et son épouse Kobro sont à l'origine des avant-gardes artistiques polonaises dans les années 20, fondateurs de " L'Unisme " qui tenta de faire l'unité de l'œuvre avec son environnement. Avec Berlewi, Hiller et Stazewski, ils échangeront leurs idées avec les artistes abstraits des années 30 regroupés à Paris dans le mouvement " Abstraction - Création " qui les aideront à créer à Lodz le premier musée d'art abstrait, auquel Herbin participa. Szpakowski inventa la ligne unique, labyrinthique, rythmique. Des années plus tard, en 1974, Stazewski et Krasinski vont accueillir Buren dans leur atelier de Varsovie. Ils exposent ensemble à Paris. Une Cabane éclatée de Buren devient la cimaise des œuvres de ses amis. La permanence des recherches dans l'abstraction construite est représentée dans l'exposition par des installations d'artistes appartenant à la scène polonaise contemporaine. Szewczyk, ou encore Starczewski qui développe un alphabet de signes et de symboles et le photographe Kossakowki témoignent d'un pluriel vivace. Myslowski installe un portfolio de paysages urbains new-yorkais. Drozdz réalise une installation de poésie concrète. Opalka met le temps en action vers la disparition et l'effacement. Flicinski crée spécialement pour le musée une ellipse dont les dégradés de gris transforment l'espace sensible.

Avant-gardes polonaises - Dialogues historiques depuis Malévitch

Des populations arrivées bien avant notre ère au bord de la Baltique ont formé la Lituanie, la Lettonie et l'Estonie. Ces trois états indépendants se sont volontiers regroupés sur l'appellation de Pays Baltes parce qu'ils sont géographiquement contigus et politiquement rapprochés par une communauté d'intérêts face aux aléas de l'histoire. On les connaît depuis qu'ils sont libérés de leurs ultimes colonisateurs. Au cours du XIX? siècle, les artistes et écrivains baltes ont revendiqués et finalement imposé leurs propres patrimoines culturels distincts de ceux de leurs envahisseurs. Dès l'époque symboliste, des précurseurs comme Ciurlionis, Mägi ou Purvitis ont manifesté une exceptionnelle originalité. L'entre-deux-guerres où ces pays frères avaient retrouvé leur entière autonomie a été une riche époque d'ouverture et d'échanges où on découvrira la dextérité picturale d'Aleksandra Belcova, les géométries subtiles d'Akberg et les expériences photographiques de Domicele Tarabildiene. Aiguillonnées par de récentes expositions anthologiques, notre curiosité et notre information trouveront ici un historique complet et abondamment illustré de l'art moderne des Pays Baltes.

L'art des Pays Baltes, XIXe-XXe siècles

Au début des années soixante, on avait trop vite mis en parallèle le pop'art anglo-américain et le travail d'artistes européens regroupés sous la bannière des " Mythologies quotidiennes " ou de la " Figuration narrative " et dont Bernard Rancillac était un des chefs de file, avec Télémaque, Erro, Klasen, Monory, Adami, Cueco et quelques autres.
Le recul du temps et l'évolution de chacun d'eux ont rendu évident le malentendu : le regard critique que ces artistes portaient autour d'eux avait bien peu en commun avec le simple reflet de la société de consommation chez leurs collègues anglo-saxons. Les personnages de feuilleton puis les bandes dessinées et les photographies publicitaires ou documentaires qui hantent la peinture de Rancillac découvrent les aspects absurdes ou terribles de notre monde. Ses œuvres consacrées à la guerre du Vietnam et aux dictatures sud-américaines sont restées célèbres.
Cet aspect humaniste de Rancillac qu'il ne faut certes pas sous-estimer, a souvent occulté l'importance de ses recherches formelles. Vice versa, la beauté plastique de séries consacrées aux courses automobiles, au jazz ou aux stars de cinéma ont pu faire oublier que Rancillac n'a cependant jamais renoncé à faire sens.
Sa notoriété à présent bien établie avec certaines grandes expositions personnelles - des " Images Eclatées " au Pavillon des Arts de Paris en 1985 à l'exposition " La Nouvelle. Figuration " à Los Angeles en 1990, en passant par " Cinémonde " à la Galerie 1900-2000 en 1989 - une nouvelle appréciation de sa démarche s'avère nécessaire.
Depuis ses débuts d'artiste peu à peu libéré d'un art abstrait alors omniprésent, jusqu'à ses plus récentes créations, c'est plus de trente ans d'une réflexion plastique responsable que révèlent une abondante iconographie et une étude documentée de Serge Fauchereau.

Bernard Rancillac

Alors qu'on parle de plus en plus de la mondialisation de la culture, de ses avantages et de ses inconvénients, il était nécessaire de montrer la manière dont ce phénomène est apparu et s'est développé dans tous les domaines de l'art depuis la fin du XIXe siècle, époque de grandes transformations sociales et technologiques. Selon une chronologie flexible, on suivra les concepts et les formes dans les différentes cultures occidentales, en confrontant la littérature, la poésie, les arts plastiques, la musique et les arts du spectacle, ou en privilégiant momentanément tel ou tel de ces domaines. Ainsi vont s'entrecroiser les œuvres de Kandinsky et de Freud, d'André Gide et d'Ezra Pound, de Matisse et de Pollock, de Stravinsky et de Fritz Lang, les cubistes, constructivistes de partout puis, en leur temps, les muralistes mexicains, les objectivistes américains, les cinétistes, le pop art, le nouveau roman, la nouvelle vague cinématographique... sans préjudice pour des figures moins connues ou à reconsidérer (Kupka, Ciurlionis, Ives, J. Romains). Premier d'une série, le présent volume, abondamment illustré, traite principalement des préoccupations occultistes, de l'engagement social des écrivains et plasticiens et du retrait des esthètes puis de la complexe naissance de l'art abstrait au début du XXe siècle, entre la caricature, l'humour et une sérieuse réflexion esthétique.

Hommes et mouvements esthétiques du XXe siècle - Volume 1, Les premiers ismes, l'occultisme, la naissance de l'abstraction

Au lendemain de la Première Guerre mondiale, d'ambitieuses avant-gardes telles que le constructivisme et le surréalisme se répandent en variantes originales à travers le monde occidental et au-delà, appelant à une révolution de l'homme, de la culture et de la société. Dans les années vingt, au temps de l'art déco, individuellement ou en groupe, on réclame cependant plus de réalisme - poétique, magique, socialiste. - accompagnant des courants régionalistes en Europe ou en Amérique. Réputées moins utopistes, ces réactions répondent aux querelles idéologiques ravivées par la crise économique de l'entre-deux-guerres. Deux types de cultures s'ignorent et s'affrontent. Aux États-Unis, en Union soviétique, dans les dictatures ou les démocraties européennes, un retour à l'ordre souhaité ou imposé est manifeste. La guerre civile en Espagne, préludant à un conflit mondial, va jeter à bas tous les espoirs de changer le monde. C'en sera fini des avant-gardismes comme de leurs adversaires et des certitudes des hommes qui devront constater que l'humanité change mais n'avance pas.

Constructivistes ou surréalistes, les grandes avant-gardes historiques ont si bien imprégné les arts, les idées et les comportements qu'on oublie trop ce qu'on leur doit. Elles ne représentent pas qu'une période passée, un concept dépassé et une forme d'action devenue inopérante, même si nous avons cependant encore beaucoup à apprendre de ces mouvements et des réactions qu'ils ont suscitées jusque dans notre vie quotidienne.

La fin des avant-gardes de l'entre-deux-guerres - Arts plastiques - Littérature - Architecture - Photographie - Cinéma - Arts du spectacle - Musique

A partir de visites à Gaston Chaissac dont il était le très jeune voisin, l'auteur retrace la situation où se trouvait cet artiste hors du commun dans la Vendée des années cinquante. Cela suscite de nouvelles interrogations aujourd'hui : le regard sur les artistes en marge a-t-il vraiment changé en un demi-siècle ? Quelle est la part de légende souvent créée par Chaissac lui-même dont le public reste friand ? En quoi ne relève-t-il guère de l'art brut auquel Jean Dubuffet l'avait d'abord associé ? Et, d'ailleurs, qu'est-ce que l'art brut ? N'y entre-t-il pas des œuvres très disparates ? Tour à tour pondérées ou agacées, mêlant l'humour et les mouvements d'humeur, ces réflexions en viennent à mettre en doute la validité des étiquettes que l'on applique trop commodément aux artistes : beaux-arts, art naïf, art brut, art des aliénés, des enfants... N'est-ce pas l'art, l'art sans qualificatif ni précision catégorielle qui importe ?

Philippe Soupault

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