Le peintre et la scene

À l'occasion de la première grande manifestation consacrée au thème de la prostitution, Splendeurs et misères. Images de la prostitution en France, 1850-1910 retrace la façon dont les artistes français et étrangers, fascinés par les acteurs et les lieux de ce fait social, n'ont cessé de rechercher de nouveaux moyens picturaux pour en représenter réalités et fantasmes.De l'Olympia de Manet à L'Absinthe de Degas, des incursions dans les maisons closes de Toulouse-Lautrec et Munch aux figures audacieuses de Vlaminck, Van Dongen ou Picasso, l'ouvrage s'attache à montrer la place centrale occupée par ce monde interlope dans le développement de la peinture moderne. Le phénomène est également appréhendé dans ses dimensions sociales et culturelles à travers la peinture de Salon, la sculpture, les arts décoratifs, la photographie en huit grandes parties révélant ainsi sa place prépondérante dans tous les pans de la culture du XIXe siècle. L'histoire sociale et légale, ses liens avec la littérature, la question de l'ambiguïté sont autant de thèmes qui nous propulsent dans cet univers auréolé de fantasmes du Paris de Balzac et Zola : les Folies Bergère, les cafés concerts, les loges de l'Opéra, la toilette, les préparatifs et les scènes d'intimité, mais aussi le racolage, les clients. Un riche matériau documentaire permet enfin d'évoquer le statut ambivalent des prostituées, de la splendeur des demi-mondaines à la misère des « pierreuses ».

Splendeurs et misères : Images de la prostitution 1850-1910

Album de la grande exposition de la rentrée du musée d'Orsay, « L'impressionnisme et la mode », cet ouvrage sera conçu à l'image d'un magazine de mode, indépendant du catalogue de l'exposition. Traité à la manière d'un « numéro spécial », il axera son propos sur les impressionnistes et sur leur façon de rendre compte de la société qui les entoure, à travers ce témoin de l'air du temps par excellence qu'est le costume. Des portfolios d'images constitués sur les thèmes suivants : intérieur au féminin ; le plein air ; sortir ce soir ; etc. seront ponctués de petits textes didactiques sur des thèmes aussi variés que les dessous, le maquillage, les accessoires ou encore les égéries de l'époque. C'est donc une approche originale des impressionnistes et de leur vision de la mode qui sera offerte ici, de façon ludique et abordable pour tous les lecteurs.

L'impressionnisme et la mode - Exposition présentée à Paris au musée d'Orsay du 25 septembre 2012 au 20 janvier 2013, à New York au Metropolitan Museum of Art du 26 février au 27 mai 2013, à Chicago à l'Art Institute of Chicago du 25 juin au 22 septembre 2013

Alfred Hitchcock est le cinéaste qui a le mieux incarné LE cinéma et seulement LE cinéma... Son nom est l'un des plus légendaires auprès du public, dont le souci premier n'est pas de retenir le nom des auteurs. Si une enquête était menée, sans doute ce nom serait-il le plus spontanément cité comme symbole du cinéma, et The Birds ou Psycho évoqués comme deux des plus importants films de toute l'histoire du septième art.

Consacrer une exposition à un cinéaste, et a fortiori le plus célèbre, est un pari audacieux mais légitime. Depuis une trentaine d'années, l'œuvre fascine un nombre croissant d'intellectuels. Philosophes, historiens d'art et artistes contemporains ont puisé des stimulations nouvelles dans une création cinématographique dont les apparences spectaculaires ne paraissent plus en contradiction avec les emprunts à la culture savante, littéraire et picturale.

Les films d'Alfred Hitchcock, tout en demeurant des divertissements, se sont imposés selon une conception du cinéma élargie aux autres arts et aux mystères de l'âme. C'est cette double ouverture qui confère à l'œuvre hitchcockien cette persistance romantique, cette allure symboliste, et cette marque surréaliste, héritages du XIXe siècle entretenus au cours du XXe siècle.

Hitchcock Et L'Art. Coincidences Fatales

Donner une collection à un musée ne va pas de soi. Quand ce miracle se produit, il est l'aboutissement d'une relation de confiance tissée au cours du temps. Ainsi, en 2010, Zeïneb et Jean-Pierre Marcie-Rivière donnaient au musée d'Orsay près de cent cinquante oeuvres de Pierre Bonnard et Edouard Vuillard. Ce catalogue raconte l'histoire de cette donation exceptionnelle.

Vuillard/Bonnard - La donation Zeïneb et Jean-Pierre Marcie-Rivière

Mystérieux comme le sourire de Mona Lisa, L'Origine du monde est sans doute le tableau le plus célèbre de Gustave Courbet mais aussi le plus sulfureux. Peint en 1866 pour un riche et excentrique collectionneur Ottoman, il n'a cessé par son audace et sa franchise de choquer et de fasciner. Iconique, cette oeuvre unique est pourtant restée longtemps invisible, jusqu'à son entrée au musée d'Orsay en 1995. Tour à tour cachée derrière un rideau, dévoilée, disparue, vendue, dissimulée derrière un autre tableau, pillée, retrouvée, copiée, exposée... son parcours est empreint de zones d'ombre, de non-dits, d'hypothèses et de tentatives de désinformation qui n'ont fait qu'accroître sa force subversive. Alors même que l'absence de visage permet à la toile d'échapper à toute connotation obscène, L'Origine du monde pose de façon troublante la question du regard -celui de l'artiste, du collectionneur et du regardeur- et marque une étape décisive dans la représentation du nu féminin : de la métonymie à la focalisation sur l'objet du désir.

Cet obscur objet de désirs - Autour de L'Origine du monde

Une sélection d'oeuvres maîtresses de Pierre Bonnard - dont la moitié conservées au musée d'Orsay - commentées par Guy Cogeval, ancien président des musées d'Orsay et de l'Orangerie. Le commentaire de ces oeuvres est introduit par un essai de Laurence Bertrand-Dorléac (historienne de l'art) qui écrit " Le style de ce texte est au diapason de son objet : son mordant et sa tendresse le désignent comme un essai littéraire autant qu'historique (...)". Exposition Les décors des nabis 1890-1900, un frisson nouveau au musée du Luxembourg à Paris, du 12 mars au 30 juin 2019, dont Guy Cogeval, actuellement à la tête du Centre d'études des Nabis, en sera le co-comissaire.

Bonnard

Catalogue officiel de l’exposition "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" au musée d’Orsay, du 22 mars au 17 juillet 2016. Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme. L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité.

Le peintre et la scene

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