Le peintre et la scene

Mystérieux comme le sourire de Mona Lisa, L'Origine du monde est sans doute le tableau le plus célèbre de Gustave Courbet mais aussi le plus sulfureux. Peint en 1866 pour un riche et excentrique collectionneur Ottoman, il n'a cessé par son audace et sa franchise de choquer et de fasciner. Iconique, cette oeuvre unique est pourtant restée longtemps invisible, jusqu'à son entrée au musée d'Orsay en 1995. Tour à tour cachée derrière un rideau, dévoilée, disparue, vendue, dissimulée derrière un autre tableau, pillée, retrouvée, copiée, exposée... son parcours est empreint de zones d'ombre, de non-dits, d'hypothèses et de tentatives de désinformation qui n'ont fait qu'accroître sa force subversive. Alors même que l'absence de visage permet à la toile d'échapper à toute connotation obscène, L'Origine du monde pose de façon troublante la question du regard -celui de l'artiste, du collectionneur et du regardeur- et marque une étape décisive dans la représentation du nu féminin : de la métonymie à la focalisation sur l'objet du désir.

Cet obscur objet de désirs - Autour de L'Origine du monde

Entre 1900 et 1940, l'Italie affiche un optimisme autant inouï que paradoxal et connaît une phase de créativité exceptionnelle alors qu'elle est au bord de la grande catastrophe qui va la précipiter dans les années les plus sombres de son histoire. Ebénistes, céramistes, maîtres verriers travaillent en collaboration avec les plus grands artistes. Des meubles excentriques de Carlo Bugatti jusqu'aux surprenantes chaises de Marcello Piacentini, en passant par les objets insensés des futuristes, une créativité joyeuse, une capacité d'invention sans limites traversent le pays. De cette «dolce vita» naîtra un véritable style italien, précurseur du design.

Dolce vita ? Du Liberty au design italien (1900-1940)

Pendant plus de soixante ans, Monet a peint sans relâche, élaborant une oeuvre qui, placée à ses débuts sous le signe du réalisme des années 1860, incarne l'expression la plus pure de l'impressionnisme. Pour constituer au début du XXe siècle un des fondements de l'art moderne : C'est l'ensemble de ce riche parcours, organisé selon une double approche chronologique et thématique, qui se déroule au long de cet ouvrage. Les recherches récentes ont conduit à réexaminer de multiples aspects de l'ouvre de l'artiste, invitant à revoir et reconsidérer Monet. Sont mises en évidence les constantes comme les innovations qui traversent son oeuvre, ce qui permet d'appréhender ses différents modes de travail et son évolution (nature et paysages, vues urbaines ; figures, natures mortes et décorations ; répétitions et séries ; de la réalité au rêve et a la nostalgie). Se trouve ainsi renouvelé le regard sur un peintre, restitué ici dans toute son ampleur, sa puissance créatrice et sa complexité. Près de deux cents peintures sont reproduites en pleine page, illustrant la démarche de Monet depuis ses' débuts jusqu'aux séries des années 1890 aboutissant à l'étape ultime des Nymphéas.

Claude Monet 1840-1926

Régime décrié en son temps et honni après sa chute, le Second Empire fut longtemps marqué du sceau décadent et superficiel de la "fête impériale". Sur fond de bouleversements sociaux, cette époque de prospérité fut pourtant un temps de fastes et d'euphorie économique, d'ostentation et de célébrations multiples qu'il convient aujourd'hui de réexaminer. Des décors éphémères aux mutations haussmanniennes de Paris, des joyaux impériaux à l'éclectisme des arts décoratifs, de Cabanel à Manet, cet ouvrage brosse le portrait d'une époque foisonnante, brillante et riche de contradictions aux sources de notre modernité.

Spectaculaire Second empire

Alfred Hitchcock est le cinéaste qui a le mieux incarné LE cinéma et seulement LE cinéma... Son nom est l'un des plus légendaires auprès du public, dont le souci premier n'est pas de retenir le nom des auteurs. Si une enquête était menée, sans doute ce nom serait-il le plus spontanément cité comme symbole du cinéma, et The Birds ou Psycho évoqués comme deux des plus importants films de toute l'histoire du septième art.

Consacrer une exposition à un cinéaste, et a fortiori le plus célèbre, est un pari audacieux mais légitime. Depuis une trentaine d'années, l'œuvre fascine un nombre croissant d'intellectuels. Philosophes, historiens d'art et artistes contemporains ont puisé des stimulations nouvelles dans une création cinématographique dont les apparences spectaculaires ne paraissent plus en contradiction avec les emprunts à la culture savante, littéraire et picturale.

Les films d'Alfred Hitchcock, tout en demeurant des divertissements, se sont imposés selon une conception du cinéma élargie aux autres arts et aux mystères de l'âme. C'est cette double ouverture qui confère à l'œuvre hitchcockien cette persistance romantique, cette allure symboliste, et cette marque surréaliste, héritages du XIXe siècle entretenus au cours du XXe siècle.

Hitchcock Et L'Art. Coincidences Fatales

Félix Vallotton (1865-1925) est un artiste unique qui, bien que proche des nabis, garde sa vie durant un style à la fois très personnel et résolument moderne. Reconnaissables entre toutes, ses toiles se distinguent par des couleurs raffinées et un dessin précis découpant la forme qu’il met également au service de la gravure. Exposition organisée par le musée d’Orsay et la Rmn -GP en coorganisation avec le Van Gogh Museum, Amsterdam, le Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo et Nikkei Inc.. Elle bénéficie du soutien exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France, des musées d’Art et d’Histoire de Genève et du musée cantonal des beaux-arts de Lausanne.L’exposition est réalisée grâce au soutien de la Maison Bucherer et d’Eiffage Travaux Publics. Avec la participation de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.

Félix Vallotton, Le feu sous la glace

Catalogue officiel de l’exposition "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" au musée d’Orsay, du 22 mars au 17 juillet 2016. Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme. L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité.

Le peintre et la scene

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