Félix Vallotton (1865-1925) est un artiste unique qui, bien que proche des nabis, garde sa vie durant un style à la fois très personnel et résolument moderne. Reconnaissables entre toutes, ses toiles se distinguent par des couleurs raffinées et un dessin précis découpant la forme qu’il met également au service de la gravure. Exposition organisée par le musée d’Orsay et la Rmn -GP en coorganisation avec le Van Gogh Museum, Amsterdam, le Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo et Nikkei Inc.. Elle bénéficie du soutien exceptionnel de la Bibliothèque nationale de France, des musées d’Art et d’Histoire de Genève et du musée cantonal des beaux-arts de Lausanne.L’exposition est réalisée grâce au soutien de la Maison Bucherer et d’Eiffage Travaux Publics. Avec la participation de Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.

Félix Vallotton, Le feu sous la glace

Le peintre et la scene

Catalogue de l'exposition Au dela des étoiles. Le paysage mystique de Monet à Kandinsky, présentée au musée d'Orsay, Paris (14 mars - 25 juin 2017).Préparée en collaboration avec l'Art Gallery of Ontario d'Ottawa, l'exposition enquête sur la part mystique du paysage symboliste.L'élévation vers l'infini, l'épreuve de la nuit, la quête de lumière, la recherche de fusion de l'individu dans le tout, l'expérience des forces transcendantes de la nature : ces situations, à la fois sensibles et spirituelles, recherchées ou éprouvées tant par le peintre de paysage symboliste que par le spectateur de ses œuvres, s'apparentent aux étapes du cheminement mystique.La sélection d'œuvres comprend des paysages de Gauguin, Denis, Monet, Hodler, Klimt, Munch, Van Gogh, mais aussi des principaux représentants de l'école nord-américaine des années 1920-1930, tels Georgia O'Keeffe, Lawren Philip Harris, Tom Thomson ou Emily Carr.

Au-delà des étoiles : Le paysage mystique de Monet à Kandinsky

A vingt ans, Edouard Vuillard rejoint Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Sérusier dans le mouvement nabi, dont il applique les principes avec un radicalisme révolutionnaire. Très vite, il déploie son art dans les directions les plus variées : au synthétisme brutal des premiers temps succèdent les huis clos intimistes, les grands panneaux, les paysages, les décors, affiches et programmes pour le théâtre d'avant-garde et de Boulevard. À la violence des aplats et des points de couleur des années 1890 répondent en un écho inversé les portraits de commande des années 1930, de facture plus classique. Guy Cogeval nous guide avec brio dans cette oeuvre aussi exubérante dans sa variété que son créateur fut discret, attentif durant toute sa vie à enregistrer le tremblement du temps, la lumière d'un square en hiver, à fabriquer du souvenir.

Vuillard - Le temps détourné

Régime décrié en son temps et honni après sa chute, le Second Empire fut longtemps marqué du sceau décadent et superficiel de la "fête impériale". Sur fond de bouleversements sociaux, cette époque de prospérité fut pourtant un temps de fastes et d'euphorie économique, d'ostentation et de célébrations multiples qu'il convient aujourd'hui de réexaminer. Des décors éphémères aux mutations haussmanniennes de Paris, des joyaux impériaux à l'éclectisme des arts décoratifs, de Cabanel à Manet, cet ouvrage brosse le portrait d'une époque foisonnante, brillante et riche de contradictions aux sources de notre modernité.

Spectaculaire Second empire

Une sélection d'oeuvres maîtresses de Pierre Bonnard - dont la moitié conservées au musée d'Orsay - commentées par Guy Cogeval, ancien président des musées d'Orsay et de l'Orangerie. Le commentaire de ces oeuvres est introduit par un essai de Laurence Bertrand-Dorléac (historienne de l'art) qui écrit " Le style de ce texte est au diapason de son objet : son mordant et sa tendresse le désignent comme un essai littéraire autant qu'historique (...)". Exposition Les décors des nabis 1890-1900, un frisson nouveau au musée du Luxembourg à Paris, du 12 mars au 30 juin 2019, dont Guy Cogeval, actuellement à la tête du Centre d'études des Nabis, en sera le co-comissaire.

Bonnard

- Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle  : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, Le Douanier Rousseau.

L'innocence archaïque se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme.  L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité. Coédition Musée d'Orsay/Editions Hazan.

Le Douanier Rousseau ; l'innocence archaïque

Au-delà des étoiles - Le paysage mystique de Monet à Kandinsky

Catalogue officiel de l'exposition «Bonnard – Peindre l'Arcadie» au musée d'Orsay du 16 mars au 19 juillet 2015. Cette exposition ira ensuite aux Etats-Unis et en Espagne (villes et dates à confirmer). Une rétrospective représentative de toutes les périodes de la création de Bonnard qui a pratiqué l'art sous des formes multiples – peinture, dessin, estampe, art décoratif, sculpture, photographie. Sa palette aux couleurs vives et lumineuses en fait l'un des principaux acteurs de l'art moderne et un représentant éminent du courant arcadien.

Pierre Bonnard, Peindre L'Arcadie

Catalogue officiel de l’exposition "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" au musée d’Orsay, du 22 mars au 17 juillet 2016. Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, "Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque" se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme. L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité.

Le Douanier Rousseau : L'innocence archaïque

À l'occasion de la première grande manifestation consacrée au thème de la prostitution, Splendeurs et misères. Images de la prostitution en France, 1850-1910 retrace la façon dont les artistes français et étrangers, fascinés par les acteurs et les lieux de ce fait social, n'ont cessé de rechercher de nouveaux moyens picturaux pour en représenter réalités et fantasmes.De l'Olympia de Manet à L'Absinthe de Degas, des incursions dans les maisons closes de Toulouse-Lautrec et Munch aux figures audacieuses de Vlaminck, Van Dongen ou Picasso, l'ouvrage s'attache à montrer la place centrale occupée par ce monde interlope dans le développement de la peinture moderne. Le phénomène est également appréhendé dans ses dimensions sociales et culturelles à travers la peinture de Salon, la sculpture, les arts décoratifs, la photographie en huit grandes parties révélant ainsi sa place prépondérante dans tous les pans de la culture du XIXe siècle. L'histoire sociale et légale, ses liens avec la littérature, la question de l'ambiguïté sont autant de thèmes qui nous propulsent dans cet univers auréolé de fantasmes du Paris de Balzac et Zola : les Folies Bergère, les cafés concerts, les loges de l'Opéra, la toilette, les préparatifs et les scènes d'intimité, mais aussi le racolage, les clients. Un riche matériau documentaire permet enfin d'évoquer le statut ambivalent des prostituées, de la splendeur des demi-mondaines à la misère des « pierreuses ».

Splendeurs et misères : Images de la prostitution 1850-1910

Quelques jours avant l'ouverture de la rétrospective Vincent van Gogh organisée au musée de l'Orangerie à Paris de janvier à mars 1947, Pierre Loeb suggéra à Artaud d'écrire un texte sur le peintre, pensant qu'un écrivain qui avait été interné pendant neuf ans était le mieux placé pour comprendre l'oeuvre d'un artiste considéré comme fou. Artaud commença sa rédaction dès la fin du mois de janvier 1947. Contestant la thèse soutenue par la récente publication du Dr Beer, Du démon de Van Gogh, il s'insurgea contre le jugement porté par la société moderne sur la santé mentale du peintre. En voulant empêcher ce génie doué d'une lucidité supérieure d'émettre "d'insupportables vérités", ceux que sa peinture dérangeait le poussèrent au suicide.Pour étayer sa thèse, Artaud s'appuya sur les tableaux de Van Gogh découverts à l'occasion de deux brèves visites à l'exposition de l'Orangerie. Il précisa ses souvenirs en consultant deux livres abondamment illustrés et demanda qu'on lui lise des lettres du peintre à son frère Theo. Son analyse inspirée révèle le sens profond et souvent occulté des toiles et des dessins de Van Gogh.

Van Gogh / Artaud: Le suicidé de la société

Alfred Hitchcock est le cinéaste qui a le mieux incarné LE cinéma et seulement LE cinéma... Son nom est l'un des plus légendaires auprès du public, dont le souci premier n'est pas de retenir le nom des auteurs. Si une enquête était menée, sans doute ce nom serait-il le plus spontanément cité comme symbole du cinéma, et The Birds ou Psycho évoqués comme deux des plus importants films de toute l'histoire du septième art.

Consacrer une exposition à un cinéaste, et a fortiori le plus célèbre, est un pari audacieux mais légitime. Depuis une trentaine d'années, l'œuvre fascine un nombre croissant d'intellectuels. Philosophes, historiens d'art et artistes contemporains ont puisé des stimulations nouvelles dans une création cinématographique dont les apparences spectaculaires ne paraissent plus en contradiction avec les emprunts à la culture savante, littéraire et picturale.

Les films d'Alfred Hitchcock, tout en demeurant des divertissements, se sont imposés selon une conception du cinéma élargie aux autres arts et aux mystères de l'âme. C'est cette double ouverture qui confère à l'œuvre hitchcockien cette persistance romantique, cette allure symboliste, et cette marque surréaliste, héritages du XIXe siècle entretenus au cours du XXe siècle.

Hitchcock Et L'Art. Coincidences Fatales

Mystérieux comme le sourire de Mona Lisa, L'Origine du monde est sans doute le tableau le plus célèbre de Gustave Courbet mais aussi le plus sulfureux. Peint en 1866 pour un riche et excentrique collectionneur Ottoman, il n'a cessé par son audace et sa franchise de choquer et de fasciner. Iconique, cette oeuvre unique est pourtant restée longtemps invisible, jusqu'à son entrée au musée d'Orsay en 1995. Tour à tour cachée derrière un rideau, dévoilée, disparue, vendue, dissimulée derrière un autre tableau, pillée, retrouvée, copiée, exposée... son parcours est empreint de zones d'ombre, de non-dits, d'hypothèses et de tentatives de désinformation qui n'ont fait qu'accroître sa force subversive. Alors même que l'absence de visage permet à la toile d'échapper à toute connotation obscène, L'Origine du monde pose de façon troublante la question du regard -celui de l'artiste, du collectionneur et du regardeur- et marque une étape décisive dans la représentation du nu féminin : de la métonymie à la focalisation sur l'objet du désir.

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