Les musées de Roubaix et de Villefranche-sur-Saône s'associent pour organiser, avec le soutien exceptionnel de la Fondation Coubertin et le musée des années trente de Boulogne-Billancourt, une ambitieuse exposition consacrée au sculpteur français " Joseph BERNARD (1866-1931). De pierre et de volupté ". Joseph Bernard est un sculpteur et dessinateur français, né à Vienne (Isère) le 17 janvier 1866 et mort à Boulogne-Billancourt (Hauts-de-Seine) le 7 janvier 1931. Joseph Bernard commence à travailler à la fin du xixe siècle, alors que l'académisme triomphe dans les arts. A cette période, Auguste Rodin est la référence dans le domaine de la sculpture pour la jeune génération d'artistes : ses successeurs sont à la fois influencés par son oeuvre, mais redoutent également son emprise, cherchant à s'en émanciper. Au même moment, on constate l'avènement du symbolisme vers lequel Joseph Bernard s'oriente rapidement}.

Joseph Bernard 1866-1931 - De pierre et de volupté

La Galerie Dujardin est une des plus anciennes galeries d’art françaises. Fondée par Eugène Dujardin puis dirigée pendant plus de 50 ans par Josée Courier, elle a accueilli les jeunes du Salon des Artistes Roubaisiens, un groupe très informel d’artistes du nord qui traite du paysage, de la lumière et de la matière et s’inscrivent dans une filiation de l’expressionisme flamand. Dans l’une des premières expositions de 1954 on retrouve notamment : Eugène Leroy, Pierre Leclercq, Arthur Van Ecke, Michel Delporte, Alain Delsalle, Jacky Dodin, Paul Hémery, Jean Roulland. Soutenue par de nombreux industriels mécènes et collectionneurs (Prouvost, Leclercq) la Galerie organise régulièrement des accrochages collectifs et permet ainsi au « Groupe de Roubaix » de s’imposer comme un véritable mouvement innovant qui ouvre le nord de la France à l’art contemporain. L’ouvrage accompagne l’exposition qui s’ouvre à La Piscine, musée d’art et d’industrie André Diligent, au début du mois de juillet 2011.

La galerie Dujardin, 1905-1980 - L'art au XXe siècle à Roubaix

Albert Braïtou-Sala

Sa capacité à valoriser ses modèles - surtout féminins - qu'il représente dans des mises en scène savantes - souvent élaborées dans un esprit emprunté au modèle anglais du XVIIIe siècle - et qu'il fait poser dans des vêtements des grandes maisons de couture de l'époque, lui ouvre un carnet de commandes très prestigieux. Son atelier de Neuilly devient rapidement une adresse réputée où se croisent figures du spectacle et personnalités en vue de la bourgeoisie ou de l'aristocratie. Chaque année, la presse rend compte de ses envois au traditionnel Salon des Artistes Français. Ses œuvres font souvent la couverture ou les belles pages de L'Illustration et d'autres revues, françaises ou étrangères, à grands tirages. Parmi ses réussites, ses portraits d'enfants connaissent également de beaux succès. Tout aussi spectaculaire que les œuvres de commande, mais plus intime, Yoyo, en 1927, fixe les traits encore poupons de son neveu qui sera déporté par le régime de Vichy et assassiné à Auschwitz par les nazis en 1943.Le drame de la Shoah auquel il échappe, ainsi que sa femme et leur fils unique, le marque profondément et il peine à se réinscrire, après la Libération, dans une société totalement différente de celle qu'il avait représentée avant guerre et qui illustrait précisément ce monde d'apparence encore sereine mais où se côtoyaient sans le savoir les futurs bourreaux et les victimes à venir du plus terrible chaos de l'histoire occidentale de l'humanité. Au début des années 1960, Braïtou-Sala quitte Paris pour le sud-est de la France et décède, pratiquement oublié, en Arles, en 1972.Cette publication, éditée à l'occasion de la plus importante rétrospective jamais consacrée à l'artiste, prend le relais du travail fondateur mené par la belle-fille du peintre jusqu'à sa disparition en 2011. Soutenu par la famille Sala qui a ouvert ses archives et facilité le regroupement de nombreuses œuvres - dont beaucoup d'inédits -, le musée de Roubaix restitue ici à Braïtou-Sala sa place dans une histoire de l'art où se rejoignent le talent d'un véritable artiste et le récit d'un terrible bouleversement des utopies humanistes des temps modernes.

La piscine de Roubaix : Braitou Sala 1885-1972

A l'initiative du poète Louis Aragon, Alberto Giacometti (1901-1966) rencontre le colonel Henri Rol-Tanguy (1908-2002) au début de l'année 1946. S'il n'est pas, comme eux, membre du Parti communiste, Giacometti partage leur sensibilité politique. Il tombe sous le charme du résistant engagé, qui a dirigé la libération de Paris, et entreprend de réaliser son portrait. L'artiste fait de nombreuses esquisses dans ses carnets, ses livres et des revues, avant de se consacrer aux portraits sculptés. L'importante série de ces portraits offre un spectre fascinant de variations esthétiques. Les têtes oscillent entre un réalisme précis et une vision synthétique aux limites de l'abstraction. Comme d'autres modèles, Rol-Tanguy témoignera plus tard des séances de pose fréquentes et interminables, mais aussi du regard intense de l'artiste qui semblait "fouiller sa physionomie". La variété des représentations s'étend aux socles, intégrés à la sculpture. La recherche des proportions les plus justes du motif par rapport à l'environnement et au spectateur est une véritable obsession, traduite dans les différents dessins. La taille imposante du socle dans des sculptures volontairement réalisées à petite échelle, transforme la perception du spectateur en créant artificiellement un effet de monumentalité. Rendue possible par la contribution essentielle de la Fondation Giacometti, l'exposition que cet ouvrage accompagne retrace les raisons et les étapes de ce projet méconnu ; elle interroge l'engagement politique de l'artiste, sa sensibilité de gauche antifasciste, ses liens avec les différentes mouvances du surréalisme et avec l'Association des écrivains et artistes révolutionnaires comme le souligne par exemple la série de six dessins politiques exécutés vers 1932.

Alberto Giacometti - Portrait d'un héros. Hommage à Rol-Tanguy

En 2009, les descendants du peintre et graveur Gérard Cochet (1888-1969) faisaient don au musée de Roubaix de 102 oeuvres sur papier, préparatoires à des costumes ainsi qu'à des décors pour des spectacles lyriques donnés à l'Opéra-Comique. Ces dessins concernent plus spécifiquement trois oeuvres : Manon Lescaut de l'abbé Prévost et Jules Massenet (1938), Les Noces de Figaro de Mozart (1939) et Amphytrion 38 de Jean Giraudoux et Marcel Bertrand (1944). Entre 1938 et 1949, Cochet travaillera ainsi à plusieurs reprises pour la salle Favard. On lui doit également les costumes pour Mesdames de la Halle d'Offenbach (1940) ainsi que pour Le Oui des jeunes filles de René Fauchois et Reynaldo Hahn. Ces créations, bien accueillies par la critique, représentent en quelque sorte l'acmé de la carrière de décorateur de Gérard Cochet. Il avait, en effet, précédemment réaliser plusieurs décors pour des bâtiments publics et, en qualité de peintre de la marine, contribué à la décoration de plusieurs vaisseaux. Né à Avranches, Gérard Cochet grandit à Nantes où il s'initia très jeune à la peinture avec son ami Amédée de La Patellière (1890-1932) auprès d'un artiste local, tout en poursuivant des études classiques. En 1909, avec l'assentiment de ses parents, il décide de se consacrer uniquement à la peinture et se rend à Paris. Il s'inscrit à l'Académie Julian et ambitionne d'entrer à l'école des Beaux-Arts. Pour ce jeune homme discret, ces premières années sont particulièrement délicates. En proie au doute, il peine à se défaire de son apprentissage quelque peu académique et à trouver sa propre voie vers une modernité à laquelle il aspire. C'est au modeste Salon des humoristes qu'il expose pour la première fois en 1913. Ces timides débuts sont vite interrompus par la guerre. Bien que réformé, il décide de se porter volontaire. Le 5 mai 1915, Il est grièvement blessé en Argonne et perd son oeil droit. Définitivement reformé en juillet 1916, il s'initie à la gravure auprès d'André Dauchez et pratique la céramique au sein de l'atelier Lachenal. De la première, il apprendra le sens de la synthèse et la seconde lui permettra de gagner en spontanéité. Au début des années 1920, il s'affirme comme graveur de premier plan, multipliant les illustrations notamment pour les éditions Crès et Grasset. En 1924, il est récompensé pour son oeuvre gravé par le prix Blumenthal. Membre fondateur de la Jeune Gravure Contemporaine en 1929 et membre des Peintres-Graveurs Français à partir de 1946, il illustre de nombreux ouvrages de bibliophilie. Parallèlement à sa carrière de graveur, il développe également sa peinture. Une première exposition personnelle lui est consacrée par la galerie Briand-Robert en 1927. Son oeuvre peint le rapproche de la Jeune Peinture Française dont les membres les plus représentatifs sont Dunoyer de Segonzac, Marcel Gromaire, Charles Dufresnes, ses amis Yves Alix et Robert Lotiron...

Les Gérard Cochet de La Piscine

Formée à la sculpture par Ossip Zadkine, Marie-Pierre Thiébaut (1933-2010) collabore en 1967 et 1968, en Algérie, avec l'architecte Fernand Pouillon. La découverte du Sud algérien et de ses constructions traditionnelles aux volumes simples et à la décoration dépouillée influence durablement son art, imprégné par la lumière et par une connivence avec la matière et les matériaux (pierre, bronze, bois et plâtre, mais aussi terre, ciment ou papier). Ses architectures-sculptures épurées traduisent parfaitement le lien intime que Marie-Pierre Thiébaut entretient avec la nature, tandis que ses séries d'empreintes de doigts, paumes, mains, seins et ventres, véritables estampes du vivant, soulignent l'omniprésence du corps de l'artiste au sein du processus créatif. Cette publication accompagne l'exposition organisée par La Piscine autour de deux importantes donations d'oeuvres de l'artiste consenties par Michelle Porte.

Marie-Pierre Thiébaut - La forme-geste

ROBERT WEHRLIN est un peintre suisse ne en 1903 à Winterthur et mort en 1964. Il est élevé dans une famille bourgeoise et stricte qui ne le destine pas à une carrière artistique. Après le baccalauréat il se dirige vers la jurisprudence. Bon élève en dessin, rien ne laisse présager une vocation artistique et moins encore une rapide évolution vers l'expressionnisme. Le grand choc dans la vie de Wehrlin est sa rencontre, à Davos, avec le peintre expressionniste allemand: Ernst Ludwig Kirchner. A cette époque Kirchner accueille volontiers dans son atelier les jeunes artistes suisses qui peuvent assister aux séances de travail de l'artiste. Kirchner fera trois portraits de Wehrlin, deux gravures sur bois ainsi qu'une huile. En 1924, Wehrlin abandonne ses études et s'installe à Paris dans le quartier Montparnasse. Pour améliorer sa technique, il s'inscrit dans diverses académies ( Jullian, Ranson, Grande chaumière). II y sera l'élève d'André Lhote. De cette époque datent de nombreux nus et portraits dont le traitement " à facettes" n'est pas sans rappeler le cubisme, résultat de l'influence de Lhote. Wehrlin peint de nombreux autoportraits, visages, bustes mais aussi des portraits en taille et en pied. L'environnement culturel très riche du Paris de cette époque forme son goût et son style, ses contacts avec Kirchner deviennent, entre 1925 et 1928, de plus en plus fertiles. Mais à la fin des années 20 son esprit commence à être tiraillé entre l'expressionnisme allemand et l'oeuvre des artistes parisiens comme Picasso et Matisse. Matisse aura autant d'influence sur Wehrlin que Kirchner. C'est peut-être de ces deux influences culturellement et picturalement opposées que naîtra dès 1928 un "style" Wehrlin; de Kirchner il retient surtout la spontanéité du trait et la force des couleurs, de Matisse "comment on donne un relief à une image sans en renier sa planéité fondamentale." l'étale en couches compactes, creuvassées.(....) Wehrlin est foncièrement un coloriste. Dès 1925 Wehrlin expose au Salon d'Automne. A Montparnasse ses amis artistes sont: les sculpteurs Otto Bânninger et sa femme Germaine Richier, Walter Linck et sa femme la céramiste de Berne Margrit Linck-Daepp. II visite souvent son voisin d'atelier Alberto Giacommetti, le peintre Willy Guggenheim dit "Varlin" et le sculpteur bernois Serge Brignoni sont ses copains de Montparnasse. A Montrouge il sera le voisin et l'ami du peintre suisse Max Gubler. Vers 1930, grâce à sa rencontre avec Jacques Villon, il redécouvre la gravure, technique à laquelle Kirchner l'avait initié cinq ans plus tôt. Avant tout il cherche et, nombre de gravures sont des tirages uniques, des épreuves d'artiste. En 1937, Wehrlin devient membre de "La jeune Gravure Contemporaine". En 1965, au musée de Charleville, la" Jeune Gravure Contemporaine" rendra un hommage commun aux 3 artistes-membres récemment disparus: Bissiére, Villon et Wehrlin.. En 1944, il devient sociétaire du Salon d'Automne. En 1949, il réalise un premier sgraffite pour une coopérative "Konsum" de Winterthur, en 54 un sgraffite "Le Baptème du Christ" décore un mur de la maison paroissiale de Kollbrunn en 58 un autre sgraffite " La Roue de la Fortune" illustre une façade d'école à Winterthur-Wülflingen. La même année il réalise 8 vitraux pour l'Eglise réformée française de Winterthur. Entre 1950 et 1960, les thèmes religieux et bibliques l'obsèdent." L'échelle de Jacob", "la lutte de Jacob et de l'Ange", "la Nouvelle Jérusalem", les scènes de la vie du Christ seront autant de sujets qu'il traitera sur divers supports. En 1959 la maison paroissiale de Winterthur-Veltheim lui permet de présenter au public l'aboutissement de ses recherches sur le thème Jacob et l'Ange: un sgraffite illustre l'Echelle de Jacob, une tapisserie la Lutte de Jacob et de l'Ange. Après les vitraux de l'Eglise Réformée Française inaugurés en 1957 à Winterthur Wehrlin réalise entre 60 et 62 une série de 8 vitraux (verre et plomb) à Elsau qui sont considérés par beaucoup comme un aboutissement de son art. Il disparaît le 29 février 1964 à l'âge de 60 ans. II avait en cours de réalisation trois projets de vitraux qui seront en partie exécutés par Heinrich Bruppacher, jeune peintre de Winterthur qu'il avait poussé vers 1950 à se diriger vers la peinture.

Robert Wehrlin 1903-1964 - Exposition à La Piscine, musée d'art et d'industrie André Diligent de Roubaix, du 13 octobre 2012 au 13 janvier 2013

A la fois témoin et acteur des grands bouleversements de son temps, Taslitzky déclare que toute sa vie avait été marquée par la guerre. Conscient de sa responsabilité d'homme et d'artiste, Taslitzky se réclame de la grande tradition des peintres d'histoire et défend un "réalisme à contenu social" qui se doit de témoigner. Cette pmonographie d'envergure évoque surtout l'artiste "engagé" , ou "concerné" , à travers non seulement ses grandes compositions consacrées aux causes politiques de sa génération, dans la lignée de la peinture d'histoire davidienne, mais aussi ses autoportraits et portraits, ses paysages ou ses natures mortes. Le propos se concentre sur les oeuvres des années 1930-1970 et s'articule autour de quelques séquences thématiques et chronologiques fortes, comme les dessins réalisés à Buchenwald en 1944-1945, les immenses tableaux inspirés à la Libération par les épreuves de la guerre, les représentations du travail industriel et des luttes syndicales à la fin des années 1940, les réactions à la guerre du Vietnam en 1951, le reportage réalisé en Algérie en 1952 ou encore la série de 63 dessins à l'encre qui fixent, de 1965 à 1972, les banlieues populaires du nord-est parisien en pleine mutation.

Joseph Bernard 1866-1931 - De pierre et de volupté

Résumé

Plus de livres de Alice Massé

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques