Economie des politiques publiques, 2e édition

La société contemporaine nous invite tous à être créatifs, et les arts et les artistes y sont sollicités pour nous aider à relever ce défi en acclimatant nos capacités à la créativité, embellissant nos objets et nos lieux, et en suscitant les liens sociaux nécessaires à nos cohésions. Les artistes deviendraient ainsi les ingénieurs en émotion souhaités il y a deux siècles par Saint-Simon, permettant alors la convergence des valeurs artistiques et économiques. S'agit-il pourtant de la même créativité ?

Dans le brouhaha des créativités, celle prônée par la société créative est de satisfaire au mieux et au plus vite les besoins reconnus. Là où la logique de la créativité demandée par la société doit remonter d'un besoin précis vers l'amont, celle de l'art descend de l'amont vers l'aval, en explorant de nouvelles voies d'expression. Il peut alors exister une tension entre valeurs artistiques et économiques, tension aujourd'hui catalysée par une économie des données massives qui fait des personnes que l'art entendait éclairer de simples porte-données, manipulés par une image numérique qui interpelle plus qu'elle n'informe. Toutes deux font même du virtuel, metavers compris, le lieu de réconciliation de ces valeurs opposées. Mais ces expériences virtuelles ne relèvent-elles pas de la simulation là où celles du monde physique enrichissent la réflexion des acteurs?

Arts et artistes dans la société créative

L'augmentation du temps libre, l'élévation des niveaux de formation et l'urbanisation stimulent les pratiques culturelles. Si l'emploi culturel a longtemps été marginal et dominé par des conditions de travail très instables, il n'en irait donc plus ainsi pour l'avenir. L'accroissement du nombre de visiteurs et de touristes, l'ouverture continue de musées ou de multiplex constitueraient les prémisses de ce nouvel âge de la culture.
Un examen attentif de la réalité conduit à voir les choses autrement.
L'emploi culturel ne progresse pas autant que souhaité dans les entreprises artistiques, mais il est de plus en plus présent au sein des entreprises, culturelles ou non, où il contribue à améliorer la créativité et la qualité des produits et des services.
Le numérique change sensiblement les données de la création et de l'utilisation des services culturels. En augmentant les possibilités de stockage et de transmission des informations, en ouvrant la voie à la substituabilité des supports et en permettant l'interactivité entre créateurs et utilisateurs, le numérique fait des activités culturelles une industrie du contenu, celle qui irrigue les lieux de production et les canaux de diffusion.
Aussi les emplois culturels évoluent-ils aujourd'hui sous l'effet du numérique et au bénéfice de l'ensemble des activités économiques. Il est encore trop tôt pour relativiser les images traditionnellement prêtées à ce type d'emploi : intermittence, starving artist, superstars. Mais de nouveaux thèmes apparaissent : emplois de contenu, marché adhocratique de l'emploi, district culturel ou multimédia, qui soulignent les changements de nature, de régulation et de distribution des emplois culturels.

L'emploi culturel à l'âge du numérique

Arts et argent

Les investissements publics donnent lieu à d'importants et difficiles débats sur leurs effets, retombées et utilités.
Les arguments évoqués y sont nombreux : politiques, sociaux, environnementaux, etc., leur combinaison variant d'un type de projet à l'autre. Parmi ceux-ci, les arguments économiques y occupent aujourd'hui une place de plus en plus importante : la disponibilité des fonds publics oblige à des estimations précises de leurs contributions nettes au développement ; la volonté de synthétiser tous les effets en une échelle de valeur unifiée trouve dans l'approche économique le moyen de les convertir à l'aide d'un critère unique : la maximisation du bien être collectif.
Pour mettre en oeuvre cette évaluation économique, il existe plusieurs méthodes qui se différencient en fonction de la plus ou moins grande facilité à évaluer les bénéfices et les coûts des projets. On trouvera ainsi cinq méthodes principales : l'analyse des coûts, l'analyse des effets (ou d'impact), l'analyse coût - efficacité, l'analyse coût - utilité et l'analyse coût - bénéfice. Leur évaluation respective est importante car elle attire l'attention sur l'intérêt de les appliquer ou non en fonction des circonstances et de la nature des projets.
Pour clarifier de tels débats, il conviendra d'ailleurs d'analyser les fondements de ce " calcul économique public ", ce qui conduit à envisager les approches en terme de surplus. Cet ouvrage a ainsi un double objectif : mettre à jour les fondements constitutionnels et économiques de l'analyse des projets publics ; montrer comment utiliser et appliquer les différentes méthodes d'évaluation.

L'evaluation des projets publics

Les enfants d'un artiste doivent-ils percevoir des rémunérations sur la reproduction ou la rediffusion des œuvres de leurs parents ? La municipalité qui a commandé une sculpture publique doit-elle renoncer à la déplacer pour l'éternité une fois celle-ci mise en place ? Le producteur d'un film en noir et blanc ne peut-il plus jamais le coloriser sauf accord peu probable du metteur en scène ? L'économie de la propriété artistique entend répondre à ces questions. Alors qu'il y a deux siècles peu d'États accordaient des droits aux créateurs, artistes et interprètes, ces derniers se les voient aujourd'hui reconnaître sous des formes morale et pécuniaire. Cette protection est-elle favorable aux artistes ? Elle a été mise en place pour leur permettre de vivre et de se faire respecter, alors même que beaucoup d'entre eux sont peu connus et soumis à la pression des marchés. On peut pourtant s'interroger quand on voit l'inégalité des revenus artistiques et la difficulté de les faire respecter à une époque où les œuvres d'art deviennent des programmes informatiques aussi malléables que mobiles. Cette protection enrichit-elle le débat public ? Loin de se limiter à protéger les formes, la propriété artistique porte aujourd'hui sur le contenu des idées, à l'instigation de pays passés du stade d'importateurs à celui d'exportateurs nets de produits culturels. Il en découle un appauvrissement du débat public et un néomercantilisme culturel planétaire dont les premiers perdants sont les Pays en développement et leurs artistes. Si l'on entend échapper au débat entre copyleft, ou renonciation à tout droit de propriété, et juke-box universel, ou paiement systématique de l'utilisation de toute idée, il faut délimiter les pistes d'une meilleure adéquation entre l'intérêt des artistes et celui que la société peut trouver à leurs créations.

Economie de la propriété artistique

Les activités publiques sont-elles efficaces, en satisfaisant les besoins exprimés ? Ces activités sont-elles efficientes, en étant entreprises au moindre coût ? En gestion privée, le critère du profit intègre ces deux dimensions, sa maximisation garantissant à la fois l'efficacité et l'efficience. En gestion publique, ce critère disparaît faute de marché.
Normalement, les autorités politiques se substituent au système des prix pour définir les objectifs : mais leur concrétisation exige toujours des spécifications face au changement des valeurs et comportements, d'où l'importance des thèmes de viabilité, d'adaptation, de gouvernance. Normalement, les structures hiérarchiques des organisations publiques devraient garantir l'efficience : mais les statuts et marchés internes peuvent rendre l'allocation des ressources particulièrement délicate, d'où l'importance des thèmes de responsabilité, de contrat incitatif ou de risque moral.
Dans une société postmoderne, les gestionnaires publics devront donc assumer le double défi efficacité-efficience à travers l'adaptation des objectifs, procédures et valeurs. Dans ce contexte, sont alors abordés les thèmes suivants : le citoyen est-il un usager ? Le service public à la française est-il différent du service universel de l'Union européenne ? Définir des budgets à la marge a-t-il un sens ? Les statuts des fonctionnaires sont-ils économiquement justifiés ? Le recours au partenariat améliore-t-il les performances du secteur public ? En quoi l'évaluation des actions publiques renforce-t-elle la démocratie ?

Gestion Publique. Edition 1999

Lorsque Velázquez se représente dans Les Ménines, il introduit un glissement dans la perception des activités artistiques : la valeur d'une œuvre d'art dépasse sa fonction d'ornementation pour exprimer le génie de son créateur. Elle reflète moins un coût de production ou l'importance des personnages mis en scène qu'elle n'exprime cette qualité souvent insaisissable. Trois questions s'enchaînent ici : le visiteur ou le spectateur reconnaît-il la créativité des services ou des biens artistiques ? L'éditeur ou le producteur se prévient-il contre cette incertitude ? L'artiste retire-t-il de son œuvre ses moyens de vivre sans compromettre sa liberté de création ? Face à la difficulté de répondre à ces questions, certains observateurs déplacent le problème : la valeur de l'art pourrait se déduire de celle des industries de la créativité qu'il irrigue : la valeur de l'art serait celle des dépenses touristiques qu'il suscite. Mais ces manières de faire sont bancales et fallacieuses si elles ne partent pas de l'interrogation initiale : comment fonctionnent les marchés artistiques ? Trois chantiers en éclairent alors les dynamiques : quels sont les liens entre le patrimoine et la création ? Comment passe-t-on de l'œuvre d'art au produit culturel ? Comment arbitrer entre un pessimisme culturel qui justifie l'intervention de l'Etat et un optimisme culturel qui affiche la créativité des marchés artistiques ? L'économiste peut ainsi analyser les empreintes économiques de l'art, sans prétendre arbitrer les débats esthétiques au nom de la rationalité économique. Là encore Les Ménines nous délivre un message indélébile : l'image que reflète le miroir n'épuise pas la vérité.

Economie des politiques publiques, 2e édition

Plus de livres de Xavier Greffe

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques