Première monographie de référence d'un artiste qui ne fait "que" de la peinture mais use de pratiques aussi diverses que la marqueterie, le canevas, la peinture de carrosserie, le dessin assisté par ordinateur et autres procédures expérimentales...

Pascal Pinaud - Transpainting

Artiste-laborantin, né en 1986 à Casablanca au Maroc d'une mère biologiste et d'un père pharmacien, Hicham Berrada oeuvre à recréer la nature en en réinventant les règles, en détournant ses codes et influences, en bouleversant l'évolution logique de ses éléments. Ses créations s'appuient sur des connaissances en sciences (chimie, physique des fluides, nanosciences, etc.). Les pigments, le magnétisme, la catalyse et la corrosion, les éléments et le temps composent sa matière première et sont aussi les outils même de sa création. Sa démarche s'apparente ainsi à celle d'un peintre : il maîtrise des phénomènes et agit sur la réalité comme un peintre maîtrise ses outils et intervient sur sa toile. Associant intuition et connaissance, science et poésie, il compose des paysages en mouvement, des tableaux chimiques qui évoluent constamment et transportent le visiteur dans un monde à la fois vivant et inerte. Tel un alchimiste, Hicham Berrada met à l'oeuvre des accélérations du temps, des rencontres impossibles, des alliages improbables qui créent la surprise. Il met en scène les changements et les métamorphoses d'une "nature" activée, chimiquement ou mécaniquement. Du laboratoire à l'atelier, de l'expérience chimique à la performance, l'artiste explore des protocoles scientifiques qui imitent au plus près différents processus naturels et conditions climatiques. Dans des béchers ou des aquariums, il manipule des métaux, des produits acides et des molécules, joue avec la température et le temps. Tel un régisseur d'énergies, il élabore ses oeuvres en choisissant une série de règles et de conditions pour établir un protocole provocant dans ses tableaux vivants des excroissances, des effervescences ou des variations chromatiques.

Hicham Berrada

En 1940-1941, un groupe d'artistes surréalistes réunis autour d'André Breton trouve refuge à Marseille puis, quittant l'Europe en guerre, arrive à New York. On considère généralement que ce " passage de Marseille n a été l'élément déclencheur d'une autonomie complète de l'art américain, qui, une fois fécondé par les artistes européens en exil, aurait pris son indépendance avec l'expressionnisme abstrait. Ce catalogue propose, d'une manière largement inédite, une histoire plus complexe et moins nationaliste, en montrant d'abord que l'introduction du surréalisme aux Etats-Unis dès le début des années 1930 a suscité très tôt des interprétations originales et encore mal connues. 11 intègre ensuite l'expressionnisme abstrait, qui triomphe dans les années 1940, au sein d'un surréalisme transatlantique plus large, avec ses versants figuratifs et abstraits. 11 montre enfin l'existence d'une " autre tradition ", où, malgré le silence et le déni des critiques et des historiens de l'art, le surréalisme a continué à constituer un courant souterrain de l'art américain pendant les trois décennies qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, non seulement en peinture et en sculpture, mais aussi dans la culture visuelle populaire ou le cinéma expérimental. Quatre décennies durant, les artistes, entre attirance et répulsion, n'ont cessé de réactiver le potentiel créatif et déstabilisant du surréalisme. Prendre en compte ce potentiel conduit à abandonner les regroupements figés par l'histoire de l'art traditionnelle et à mettre en valeur de nouvelles constellations, qui mêlent artistes très connus et artistes injustement ignorés : Marcel Duchamp y côtoie Joseph Cornell, Jasper Johns, Robert Morris et H. C. Westermann ; Max Ernst etJoan Miró voisinent avec Dorothea Tanning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Helen Frankenthaler et Wes Wilson ; Salvador Dali et René Magritte fraient avec Pavel Tchelitchew, Kenneth Anger,James Rosenquist et Paul Thek ; Yves Tanguy et Alberto Giacometti résonnent avec Louise Bourgeois, Eva Hesse et Claes Oldenburg.

Le surréalisme dans l'art américain

La photographie a été inventée pour reproduire et produire de la profondeur. Certains s'en sont pourtant servi pour créer des images plates, tant du point de vue spatial (l'image s'y présente avant tout comme une surface bidimensionnelle), que temporel (la durée y est suspendue sans suggérer la moindre amorce de narrativité) ou sémantique (la signification ne s'y annonce pas comme étant à déchiffrer, mais semble se donner d'emblée comme neutralisée). Bien entendu, ces images peuvent être le fruit d'un simple hasard. Elles n'existent alors que de manière isolée, et seul notre regard rétrospectif y remarque cette particularité. Mais parfois, chez certains auteurs ou artistes, elles deviennent une part importante, voire majoritaire, de la production et c'est l'oeuvre tout entier qui est affecté.  Il est ainsi possible de tracer une histoire de la photographie plate, suivant une généalogie souterraine qui va du début du XIX? siècle à celui du XXI? siècle, des portraits anthropométriques d'Alphonse Bertillon aux grandes photographies d'identité de Thomas Ruff, des images sans distance de Paul Strand aux pures surfaces de Philippe Gronon, des architectures de style documentaire de Walker Evans aux monuments paradoxaux des Becher ou de Lewis Baltz.

Platitudes ; une histoire de la photographie plate

Jean-Luc Moulène, artiste polymorphe et acteur de la scène artistique contemporaine, considère la photographie comme un objet d'étude des phénomènes naturels et culturels, tels qu'ils ont été redéfinis par notre société contemporaine et post-industrielle.
« L'idée d'arrêt de travail est une bonne métaphore pour parler de ce que je fais : je suis celui qui arrête les choses, qui concrétise l'image. » Il était une fois est le dernier volume de la trilogie éditée sur l'artiste, à l'occasion de trois grandes expositions, en France, en Allemagne et à Rome en ce printemps 2015, à la Villa Médicis.
Dans ce lieu prestigieux, l'exposition qui présente le travail de Jean-Luc Moulène entre 1977 et 2015 ancre le contemporain dans une relation approfondie au passé.
Le texte d'Eric de Chassey, directeur de la Villa Médicis présente l'ensemble des pièces exposées et nous invite à en découvrir le sens et la portée.
Il était une fois n'ouvre pas un récit qui nous serait extérieur mais une possibilité de changement.

Jean-Luc Moulène il était une fois

Une quarantaine d'œuvres de Daniel Dezeuze ont pris place au premier étage de l'hôtel de Sully, constituant le plus grand ensemble de cet artiste réuni en France. Dans ces volumes de la demeure parisienne du ministre d'Henri IV, la création de Daniel Dezeuze dialogue avec les éléments historiques de l'architecture, le décor et les tableaux de la collection du duc de Sully, qui bénéficient d'un nouvel accrochage. On découvre ainsi, de salle en salle, de grands châssis de bois en forme de blason, des bilboquets qui entrent en résonance avec le portrait du fils de Sully, des luminaires qui s'inspirent des collerettes qu'on trouve dans les tableaux de l'époque. Conjuguée au jaune Vélasquez des boiseries et des plinthes, une couleur différente a été attribuée à chaque salle, formant un ensemble d'une puissante polychromie.

Pascal Pinaud - Transpainting

Résumé

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