Le peintre américain Ellsworth Kelly (1923-2015), a entretenu toute sa vie un rapport privilégié avec la France et ce lien vient d'être réaffirmé par le Studio Ellsworth Kelly qui a souhaité faire don de 54 estampes de l'artiste à la bibliothèque de l'Institut national d'histoire de l'art (INHA). Cet ensemble permet d'observer la manière dont Kelly a, tout au long de sa carrière, expérimenté les possibilités que peut offrir l'image imprimée, depuis sa première lithographie, réalisée aux Beaux-arts de Paris en 1949, jusqu'aux oeuvres monumentales sur papier des années 2000. Pour la première présentation au public de ce don exceptionnel, la Collection Lambert en Avignon a souhaité accompagner celui-ci d'une sélection des oeuvres de Kelly - tableaux, dessins, collages et estampes - qui se trouv

Ligne Forme Couleur - Ellsworth Kelly (1923-2015) dans les collections françaises

Matisse est l'un des plus grands artistes de ce siècle. Étrangement, c'est aux États-Unis, plus qu'ailleurs, que son importance fut progressivement reconnue à partir des années trente. Cette reconnaissance passa par des critiques comme Greenberg, des collectionneurs comme Barnes, des directeurs de musée comme Barr, et des marchands, à commencer par son propre fils Pierre Matisse. Elle passa aussi par le regard des peintres : Pollock, Newman, Rothko, et bien d'autres, ont regardé Matisse et pris en compte son influence. De peintre d'odalisques, Matisse est devenu ainsi l'inventeur d'une nouvelle "violence décorative". Mêlant étude de la réception et analyse de l'influence, le livre d'Eric de Chassey donne une vision nouvelle de la scène américaine dans ses rapports avec l'Europe, au moment même où l'art américain affirmait sa domination.

La Violence Decorative. Matisse Dans L'Art Americain

Première monographie de référence d'un artiste qui ne fait "que" de la peinture mais use de pratiques aussi diverses que la marqueterie, le canevas, la peinture de carrosserie, le dessin assisté par ordinateur et autres procédures expérimentales...

Pascal Pinaud - Transpainting

Richard Deacon est internationalement reconnu comme l'une des figures majeures de la sculpture contemporaine. Depuis le début des années 1980, il explore en " fabricateur " les potentialités de nombreux matériaux, bois et métal, mais aussi céramique et résine, tissu, papier, vinyle et plastique. Héritières d'une approche minimaliste, ses sculptures ne cachent rien des opérations techniques dont elles procèdent et constituent un univers de formes fluides, parfois biomorphiques. empreint de sensualité. Ce catalogue rétrospectif propose un choix significatif de ses sculptures ainsi que des dessins, gravures et photographies jalonnant son parcours, corpus autonome mais indissociable de la recherche formelle du sculpteur. Il inclut en outre, ponctuant des essais d'Eric de Chassey, Julian Heyneu, Phyllis Tuclrunarr et Clarrie Wallis, de nombreux textes inédits de l'artiste. offrant un accès privilégié au développement de l'oeuvre.

Richard Deacon - The Missing Part

De l'abstraction américaine, on connaît surtout l'expressionnisme abstrait et ses champions - Pollock, Rothko, Newman -, moins souvent quelques pionniers des deux premières décennies du XX? siècle - Dove, Russell -, plus rarement encore le petit groupe de peintres qui en ravivent la flamme dans les années trente - Davis, Diller. Pour la première fois depuis cinquante ans est ici reprise l'histoire de l'introduction de l'abstraction aux États-Unis jusqu'à son triomphe provisoire dans les années soixante, non pas seulement en rapportant une succession de faits et d'oeuvres, mais en montrant comment réception et création se mêlent indissolublement. En prenant en compte tous les modes possibles de réception - depuis l'essai théorique jusqu'à la bande dessinée en passant par la critique journalistique, la constitution de collections et la pratique d'expositions -, Éric de Chassey montre comment trois vagues abstraites se sont succédé aux États- Unis, dont seule la troisième a connu le succès et a pu durer. Analysant comment les artistes ont eux-mêmes fait évoluer le sens de l'idée abstraite selon des voies largement inexplorées en Europe, il dessine non pas des influences mais des continuités d'interrogation. Questionnant ainsi l'histoire de la notion d'abstraction à propos du pays qui en a assuré la popularité, il permet de ne plus concevoir la peinture abstraite en tant que style ou absolu mais en tant que modèle de relation au monde.

La peinture efficace : une histoire de l'abstraction aux Etats-Unis (1910-1960)

Le dessin de Georges Tony Stoll a été découvert assez récemment, lors de ses expositions Constellations à la galerie serge le borgne et au FRAC Alsace en 2007 et 2008. Il faut, pour être plus exact, parler de redécouverte, mode selon lequel cette œuvre se donne, ne cessant jamais d'intriguer, déjouant toute lecture trop rapide et facile, se prêtant à de multiples redécouvertes. Le dessin en effet, ainsi que l'écriture, est une pratique constante dans la carrière de l'artiste, à la différence de la photographie, la vidéo, la peinture, qui y apparaissent de façon plus sporadique. Ainsi, ce dessin était déjà connu pour être déjà passé dans toute son œuvre, notamment les photos et les vidéos, dans lesquelles des hommes entrent si souvent en rapport avec le corps du dessin, s'y confrontant, parfois jusqu'au contact physique, comme s'il était un étrange corps devenu familier. Ou bien encore dans de singuliers collages, montrés lors de l'exposition à la Galerie du Jour-agnès b. en 2002, qui confrontaient ces "présences innommables" que l'artiste se plaît à dessiner aux apparitions des photographies. Cet ouvrage propose la redécouverte de cette autre partie de l'oeuvre, restée jusque là à la fois présente et souterraine.

Georges Tony Stoll - Dessin infini

Un ouvrage publié à l'occasion de l'exposition organisée à Vence. La Collection Lambert possède en Europe l’un des fonds les plus importants d'Andres Serrano, avec plus de 120 pièces.

Andres Serrano - Ainsi soit-il

Pendant les annees 1960 et jusqu'a la fin des annees 1970, de nombreux artistes a travers le monde s'interrogent sur une problematique devenue centrale: la peinture est-elle encore possible ? Cette interrogation se developpe dans le contexte ideologique particulier de l'epoque, celui de la fin supposee du modernisme, ou le statut d'artiste est lui-meme remis en question, souvent en termes d'engagement politique. Au fil des chapitres, cet ouvrage expose les differentes reponses donnees par les artistes: changement de medium, arret de toute pratique artistique pendant quelques annees, voire de facon definitive. Mais la plupart de ceux qui avaient abandonne la peinture y sont revenus, comme le montrent les parcours retraces ici - dont ceux d'artistes encore vivants. Si aujourd'hui le contexte ideologique a change, notamment avec le triomphe du marche, il est essentiel, pour qui veut sortir d'une vision simpliste de l'histoire de l'art contemporain, de comprendre cette mise en suspension de la peinture pendant pres de vingt ans.

Apres La Fin: Suspensions Et Reprises de la Peinture Dans Les Annees 1960 Et 1970

Franck Chalendard, peint depuis près de dix années et fait partie de cette jeune génération d'artistes qui
relève avec brio le défi d'une relance de la peinture.
Peu d'artistes en effet, ont autant fondé l'ensemble de leur pratique sur une véritable dépense, encourant ainsi les risques nombreux qui découlent de la volonté de ne pas contrôler par avance le résultat final, pour se tenir au contraire dans un principe où n'existe que l'organisation préliminaire des conditions d'advenue de l'inattendu. Ainsi la peinture devient pour lui une expérience où le processus pictural est au moins aussi important que le résultat. "Essayer de peindre et de faire un tableau, c'est bien ce qui m'importe. Peindre : s'offrir un espace de liberté à travers un acte élémentaire, archaïque, immédiat. Peindre : me confronter au tableau et à l'histoire du tableau,
assumer l'acte de peindre, tenir une distance
nécessaire avec la volonté d'effacer toute narration
sentimentale", déclare-t-il. Ce livre à travers les textes de Bernard Ceysson, Eric de Chassey et Philippe Cyroulnik, accompagnés de nombreuses reproductions nous fait découvrir les facettes multiples d'un artiste dont la peinture est appelée à occuper une place décisive sur la scène
artistique française.

Sur le fil du rasoir - Franck Chalendard

Georges Braque ; l'espace

Cet ouvrage, qui accompagne la première exposition personnelle de l'artiste en France, présente son travail en 4 parties thématiques : - Vers l'abstraction, qui montre l'ensemble de photographies abstraites réalisées entre 1948 et 1950 qui reste par sa cohérence et son originalité, exceptionnel dans l'histoire de l'art ; ainsi que sa série Asymétrie, réalisée à partir de 1980 pendant les vingt dernières années de son activité artistique. Une évidente proximité des formes se dégage de ces deux ensembles, mais le dernier est entamé au moment où l'artiste a derrière lui sa fascination pour le structuralisme et les théories du langage et où sa conscience de l'image est toute autre. - Peintures et esquisses, qui présente son travail pictural et met en évidence les liens formels entre ses deux pratiques. - Proximité du réel, beauté du quotidien, à travers plusieurs séries réalisées dans les années 1960-1970 (Existences ; Paysages ; et plusieurs nus) qui surprennent par leur intensité et leur attention portée à ce qui devrait être marginal. Dans ces travaux l'appareil photo semble être un outil de documentation du réel mais il est en fait un moyen de dénoncer le réalisme photographique promu par le pouvoir en place. - Représentation soumise aux systèmes qui explore la notion de signe dans l'images et qui débouchera sur ses montages photographiques, véritable mise en abîme de l'image photographique dans l'image.

Dlubak - Un héritier des avant-gardes

Les Nymphéas d'Olivier Debré

Les années 1968 en France sont le théâtre d'une formidable production visuelle, portée par les utopies révolutionnaires. Pendant cette période (1968-1974), militants et artistes d'extrême-gauche oeuvrent pour inventer de nouvelles formes d'expressions visuelles en lien avec les luttes collectives. Images en lutte raconte cette extraordinaire rencontre entre l'art et la politique qui débute et se referme à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris, de l'Atelier Populaire en 1968 aux réunions du FHAR et du MLF en 1974. Cet ouvrage s'ouvre par les affiches de l'Atelier Populaire et présente pour la première fois de nombreux projets ainsi qu'un reportage photographique sur l'occupation de l'Ecole. Des dossiers sont consacrés aux luttes, aux soutiens, aux révolutions, à la libération sexuelle... Il rassemble des peintures, des photographies, des sculptures, des installations, des revues, des tracts, des affiches politiques, des extraits de films et des photographies relatifs à ce moment d'agencements singuliers.

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