She-Bam Pow Pop Wizz ! retrace l'histoire ouverte d'une génération de femmes européennes et nord-américaines qui ont contribué avec audace et flamboyance au pop international. Leurs oeuvres, à l'image des bandes dessinées, regorgent de couleurs arc-en-ciel et vibrantes. Par des voies plurielles, elles envisagent un monde autre, aux formes rêvées, et parient sur la construction d'un monde meilleur. Love is all we need !

Les Amazones du Pop - She-Bam Pow Pop Wizz !

Au début des années 1960, l'art cinétique s'impose partout en Europe avec ses peintures à illusions d'optique, reliefs à lumière motorisés, et environnements vertige. Baptisé "Op Art" en 1964, cet art d'avant-garde, si populaire, rencontre un succès retentissant auprès du grand public. Art du mouvement et de la lumière, le cinéma est, quant à lui, à la fois un prédécesseur, apte à sublimer ses jeux visuels, et un suiveur, qui cherche à le vampiriser par désir de modernité. Le Diable au corps plonge ainsi le lecteur au sein d'une histoire passionnelle entre deux arts, ponctuée de persiflages et d'incompréhensions, de sublimations réciproques, d'enfantements pop ou baroques, de collaborations ou de plagiats.

Le diable au corps : Quand l'Op Art électrise le cinéma

Emoi, saisissement, «délicieuse horreur» pour reprendre l'oxymore consacré d'Edmund Burke : autant de sensations qui caractérisent l'expérience du sublime, ce singulier sentiment d'attraction mêlée d'effroi que nous éprouvons face à la puissance et aux déchaînements des éléments. Né au coeur du XVIIIe siècle, ce concept esthétique s'offre ici avec à-propos comme le fil conducteur d'une relecture de l'histoire passionnée que l'humanité entretient avec la nature dans tous ses excès. Au-delà des notions de beauté et de contemplation, cet ouvrage explore l'ambivalence de cet attrait persistant en faisant dialoguer oeuvres anciennes et contemporaines, de Léonard de Vinci à Lars von Trier, en passant par Christo et Jeanne-Claude, Gina Pane, Robert Smithson, Ana Mendieta, Laurent Grasso ou encore Giuseppe Penone. A l'heure du bouleversement de nos écosystèmes et des discours alarmistes, ce parcours manifeste la mutation radicale de la notion de sublime au cours du XXe siècle : l'avènement de la conscience environnementale s'accompagne de l'appel à une relation réenchantée et pacifiée à la nature qu'il reste à inventer.

Sublime - Les tremblements du monde

Dans les années 1960, Bernar Venet entreprend une radicalisation sans précédent de l'expérience artistique et de la production esthétique. Découragé par les conventions de l'art français et fasciné par Marcel Duchamp et le formalisme américain, il est reconnu dès les années 1970 comme l'une des figures majeures de l'art conceptuel. Pour la toute première fois, le MAMAC explore cette période charnière de la carrière de l'artiste, qui prend forme à Nice et se déploie aux Etats-Unis, entre 1966 et 1976. Conceptuel, sculptural et pictural, le travail de Bernar Venet se tourne à cette époque vers une réflexion sur l'identité de l'art et la relation entre expression artistique et savoir scientifique, combinant l'incertitude, l'imprévisibilité et le désordre aux données mathématiques et aux théories de l'information. Cette période extrêmement productive (1966-1976), pendant laquelle Venet incorpore au champ artistique la pure abstraction des recherches scientifiques et l'objectivité et la rationalité des mathématiques, est également le point de départ d'une pratique pluridisciplinaire. Le catalogue immerge ainsi les lecteurs dans ce travail spécifique et intense, à l'origine de la reconnaissance internationale de Bernar Venet comme l'un des plus grands artistes conceptuels des années 1960. Ce catalogue est également disponible en anglais.

Bernar Venet, les années conceptuelles : 1966-1976

D'origine suédoise, Lars Fredrikson s'installe dans le sud de la France en 1960. Chercheur inlassable et bricoleur de haut vol, il invente un univers sensible nourri par la poésie et les expérimentations plastiques, par la philosophie extrême-orientale et les technologies contemporaines. Ses recherches sont ancrées dans l'esprit de son temps : à l'instar de Nam June Paik, Fredrikson travaille très tôt avec les potentialités plastiques de la télévision - et de manière générale de l'électronique -, tandis que ses recherches sur les structures de l'invisible et l'aléatoire frappent par leur proximité avec la démarche de John Cage. Une quête relie ces pratiques : rendre perceptibles des flux énergétiques, telluriques, sidéraux ou intérieurs normalement invisibles. Le présent ouvrage constitue la première grande monographie consacrée à cet artiste pionnier.

Lars Fredrikson

Depuis l'exposition qui s'est tenue au Centre Pompidou en 1981 : « Identité italienne. L'art en Italie depuis 1959 », dont le commissariat était assuré par Germano Celant, il n'y a pas eu en France une exposition qui proposerait de repenser largement la scène artistique italienne. Or, l'Italie a connu une période particulièrement fertile et exceptionnelle du début des années 1960 jusqu'au milieu des années 1970 qui est aussi liée notamment à la richesse du cinéma et de la littérature de ces années.
L'exposition entend faire découvrir l'exceptionnelle vitalité de cette scène artistique profondément renouvelée par une jeune génération d'artistes (nés entre les années 1920 et les années 1940) actifs à Rome, Milan, Turin, Gênes et dont le travail commence à être exposé au début des années 1960 ; une génération porteuse de nouvelles manières d'appréhender et de faire de l'art illustrant ainsi une forme de vita nuova (« vie nouvelle ») - titre emprunté au livre éponyme de Dante (Vita Nuova) qui tout en étant une ode à l'amour affirme une nouvelle manière d'écrire - qui traverse comme un souffle l'art italien et contribue à faire sa reconnaissance internationale.
Ainsi, en lien avec les profondes transformations des pratiques artistiques internationales des années 1960, la culture italienne est marquée par différents enjeux sociétaux et politiques dont la création artistique se fait l'écho. Au cours des années 1960 et 1970, la transformation de l'Italie (industrialisation, boom économique, société de consommation, développement des mass media) engagent de nouveaux modes de représentation (picturaux notamment) qui sont influencés par le cinéma, la télévision, la presse et la publicité, et changent la manière dont les artistes représentent leur époque.
Face à ces bouleversements sociétaux, certains artistes, dans une conscience écologique, se tournent vers une forme d'art de la décroissance en choisissant de porter un regard attentif sur la nature qu'ils représentent avec des matériaux primaires ou artificiels. Conscients de ces bouleversements, ils investissent également le corps qui apparaît comme un médium qui traverse les processus créatifs et implique de nouveaux enjeux participatifs dans l'espace public notamment.
Tous ces modes d'expression (peinture, sculpture, photographie, vidéo, performance installation, environnement) couvrent ces années marquées par des engagements collectifs (Biennale de Venise, Triennale de Milan de 1968) et d'instabilité politique (attentats de la piazza Fontana à Milan en 1969, Golpe Borghese (coup d'état Borghese) à Rome en 1970).1960 correspond aux premières expositions personnelles de toute une nouvelle génération de jeunes artistes romains (Giosetta Fioroni, Mario Schifano, Franco Angeli, Jannis Kounellis...) qui donne une nouvelle orientation à l'art italien.
1975 se réfère à la mort traumatique de l'écrivain, poète et réalisateur Pier Paolo Pasolini qui a marqué considérablement la vie littéraire et cinématographique de cette décennie et qui clôt une époque.
L'exposition s'organise autour de trois axes qui sont envisagés de manière poreuse afin de montrer comment certaines problématiques se recoupent et traversent le travail de certains artistes (nature/corps/performance ;
Politique/corps/performance). Pensée de manière pluridisciplinaire, l'exposition souhaite aussi montrer les liens qui se sont établis entre la création visuelle, le design et le cinéma.

Vita nuova : nouveaux enjeux de l'art en Italie, 1960 - 1975

Nice, 1947 : trois jeunes hommes, sur la plage, se partagent le monde. Yves Klein s’approprie le bleu du ciel, Arman s’empare de la terre et de ses richesses tandis que l’air revient au poète Claude Pascal. De ce pacte mythique et désinvolte naît une constellation de gestes et de rencontres qui bouleversera l’histoire de l’art. À Paris, en 1977, le Centre Pompidou célébra l’émulation artistique niçoise en confiant l’exposition « À propos de Nice » à l’un des acteurs de cette épopée : Ben. En 2017, le MAMAC revient sur l’émergence de cette scène artistique, ses personnalités charismatiques et la révolution de gestes, d’attitudes et de formes qu’elles annoncent.

A propos de Nice (1947-1977)

Le catalogue retrace l'oeuvre de cette figure marquante de l'art contemporain français, qui a exploré alternativement toutes sortes de disciplines, de la peinture au son en passant par l'installation, la photographie, la performance ou la vidéo.

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Résumé

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