Sept textes autour d'autant de films de la plasticienne et vidéaste.

Sept mondes - Marylène Negro

Au tournant du XXIe siècle, l'art du film a connu des mutations profondes et rapides qui semblaient faire de la technologie le moteur de la créativité. Les cinéastes ont vécu une situation nouvelle et passionnante : ils pouvaient puiser à volonté dans plus d'une centaine d'années de matériel argentique, vidéographique puis numérique, et trouvaient à leur disposition un nombre croissant d'outils pour transférer, hybrider, tresser les supports d'images. Simultanément, aussi technicide que technophile, la logique industrielle fondée sur un turn-over à rotation accélérée démantelait des pans entiers de l'arsenal argentique et vidéographique. Comment les pratiques artistiques ont-elles affirmé leur autonomie par rapport aux consignes technologiques et aux commandes sociales? Comment ont-elles articulé exigence formelle et dynamique d'émancipation? Cet ouvrage collectif recense les voies et les formes singulières de l'objection visuelle, notion qui renvoie aux différents modes d'actualisation pratique d'une conception du film comme travail critique. Issu des journées d'études "Cinéma expérimental et histoire" (2007), "Collectif Jeune Cinéma/Festival des cinémas différents. Histoire, conservation et diffusion du cinéma expérimental" (2008), "L'art au temps du numérique" (2009) et des programmations impaKt (conçues par les Trois Lumières) qui se sont déroulées au sein de l'Institut national d'histoire de l'art à l'initiative des chercheurs de l'université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (Ecole doctorale Histoire de l'art), ce deuxième volume de la collection Histo.art associe manifestes et analyses d'artistes, d'enseignants et de doctorants. Une préface du cinéaste Peter Whitehead et une intervention en images du plasticien Ange Leccia enrichissent l'ouvrage.

Le cinéma critique - De l'argentique au numérique, voies et formes de l'objection visuelle

Observer les modes de traitement du Lumpenprolétariat par le cinéma d'avant-garde permet d'envisager trois enjeux : questionner la notion de « Motif », qui appartient au vocabulaire méthodologique fondamental de l'iconologie, donc de l'analyse des images ; mettre en circulation des oeuvres souvent méconnues, voire inconnues et de toute façon sous-traitées ; réfléchir à la responsabilité et aux puissances du cinéma dans sa dimension collective et publique. À partir des analyses de Georg Simmel (que Walter Benjamin appréciait) sur la pauvreté et ses enjeux sociaux, il s'agit de jalonner une histoire des films critiques et d'envisager ce que peut le cinéma qui ne se satisferait pas « d'orner nos ambiances intérieures et extérieures », comme l'écrivait Hegel à propos de l'art en général. Que fait le cinéma d'avant-garde, par opposition au cinéma de la domination chargé d'assurer la bonne marche du contrôle social ? Il refuse l'aveuglement, l'angle mort, il cherche le frontal, la confrontation, le corps à corps. Il se place face à « l'infigurable », au sens où l'emploie Arlette Farge (à laquelle est dédié ce livre) : « le pauvre infigurable ». Il récuse les définitions et les découpages légués par l'ordre qu'il conteste. Il refuse une supposée « bonne distance » avec son sujet, avec son problème. Il pulvérise les distinctions mutilantes entre rationalisation et émotion. Il trouve mille façons de crier, mille façons d'argumenter en images et en sons, mille façons de penser la cruauté sociale. Il travaille. Avec les fils tissés entre les oeuvres d'Alberto Cavalcanti, Raymundo Gleyzer, Peter Weiss, Holger Meins, Jérôme Schlomoff et François Bon, Jean-Gabriel Leynaud, Johan Van der Keuken, Chris Cunningham, Michael Moore, Djouhra Abouda et Alain Bonnamy, Mounir Fatmi, Jang Sun-Woo, Raoul Peck, Lionel Soukaz, Khavn De La Cruz, se tisse une histoire de l'avant-garde réfléchie à partir des films eux-mêmes.

Traitement du lumpenprolétariat par le cinéma d'avant-garde

L'ouvrage se propose de donner les différentes définitions et acceptions du terme d'« avant-garde » ; et ce qui caractérise les avant-gardes cinématographiques en particulier.
Il retrace les initiatives formelles les plus marquantes, révolutionnaires, inventives depuis les premiers temps du cinéma. Quelles sont les fonctions, les pratiques et les gestes revendiqués par l'avant-garde internationale ?
Il explicite ce que sont encore aujourd'hui les propositions, les dissidences, les formes d'organisation des films qui témoignent d'une réflexion libre, irréductible, qui ne se laisse déterminer ni par l'appareil de production industrialisée, ni par les consignes technologiques ou encore les commandes sociales.
À quels critères reconnaît-on une oeuvre d'avant-garde, à l'heure de la Muséification accélérée du cinéma, et où la notion même d'art devient suspecte à certains « artistes » en raison de sa confiscation par les lois du marché ?
Il s'agit de prendre quelques repères, de poser les jalons essentiels, de contester les divisions fallacieuses instaurées dans les définitions des cinémas d'avant-garde (par exemple entre cinéma « plastique » et cinéma « politique »), de confronter les initiatives contemporaines aux avant-gardes dites historiques, afin de tracer les caractéristiques et les personnalités d'une histoire aussi riche et brillante que méconnue.

Cinémas d'avant-garde

D’une inventivité formelle stupéfiante, ce film a tant déstabilisé la critique qu’il s’est rapidement vu balayé des circuits de diffusion malgré le mouvement de soutien de nombreux cinéphiles et intellectuels. Nicole Brénez a alors entrepris de réunir ces interventions dans un volume que sa pensée sur l’esthétique et le cinéma coordonne : “qu’est-ce qu’un grand film ? Au-delà du plaisir qu’il nous procure et quelle que soit la nature de ce plaisir (...) il s’agit d’un film qui nous oblige à reconsidérer ce qu’avant lui nous croyions du cinéma”.

La Vie nouvelle, nouvelle Vision

La vue chancelle sur les ressemblances... (JEAN EPSTEIN)
Le cinéma peuple notre imaginaire de figures, de figurines et de fétiches. Sans trêve, il travaille les mêmes archétypes et sans cesse il invente de troublants prototypes - surtout, d'ailleurs, lorsqu'il approfondit son rapport au réel.
Comment rendre compte de ces effets de présence si caractéristiques et pourtant si divers ? Comment le cinéma traite-t-il du corps, du mouvement, du geste ? Pourquoi ces ombres, ces silhouettes, ces hypothèses d'être nous attachent-elles si profondément ? Comment s'organisent les valeurs figuratives à l'œuvre dans un film ? Comment circulent, d'une image à la suivante, d'un film à l'autre, les créatures cinématographiques ? Quels types d'articulation entre l'abstrait et le figuratif le cinéma a-t-il produits ? Peut-on commencer à envisager une histoire des formes figuratives ?
A partir des films eux-mêmes, sur un corpus aussi bien classique (S.M. Eisenstein, Roberto Rossellini, Howard Hawks) que contemporain (Abel Ferrara, John Woo, Brian De Palma, Patricia Mazuy, Gus Van Sont), aussi célèbre (Robert Bresson, John Cassavetes, Rainer Werner Fassbinder, Peter Kubelka, Ken Jacobs, Jean-Luc Godard, Paul Sharits) que trop méconnu encore (Jean Genet, Monte Hellman, AI Razutis, Kirk Tougas, Heinrich Hauser... ou John Travolta), à partir d'auteurs ou de questions (la représentation de la danse, le nu, l'élaboration du personnage, le jeu de l'acteur, les circuits d'image ... ), cet ouvrage essaie d'ouvrir à un champ paradoxalement négligé par l'analyse et propose quelques instruments nécessaires à l'appréhension des phénomènes figuratifs propres au cinéma.

De La Figure En General Et Du Corps En Particulier. L'Invention Figurative Au Cinema

Somme très documentée, ce livre est destiné à devenir une référence exceptionnelle du cinéma engagé.
Comment les luttes sociales et politiques suscitent-elles le cinéma ?

Manifestations ; écrits politiques sur le cinéma et autres arts filmiques

Né à Beyrouth (Liban), Ali Cherri vit et travaille entre Beyrouth et Paris. Il appartient à cette génération d'artistes libanais née pendant la guerre civile (1975-1990) dont le travail a été fortement affecté par ce contexte d'instabilité. A travers son travail plastique et vidéo, Ali Cherri opère des glissements temporels entre les mondes antiques et nos sociétés contemporaines, des allers-retours constants entre mythes fondateurs et utopie d'un progrès sans limite. Son oeuvre explore ainsi les liens qui unissent archéologie, récits historiques et patrimoine culturel, et s'attache de fait aux processus de fouilles, de déplacement et de muséification de vestiges funéraires, qui sont autant de violences faites à des pratiques culturelles immémorielles et à des sites archéologiques. Son intérêt pour cette "science des commencements" , sa pratique, ses grandes institutions - classifications, récits mythologiques, musées, collections de reproductions, etc. - ont conduit l'artiste à élaborer de façon spéculative et poétique son oeuvre qui, selon les mots de l'historienne de l'art et commissaire d'exposition Marcella Lista, "admet avant tout une érosion des certitudes et engage une médiation visuelle en partant de vérités dépareillées" . Tous ses gestes d'artiste, depuis l'observation même que l'archéologie manipule artefacts et ruines, invitent les spectateurs à reconsidérer leur perception des objets et des lieux, et la façon dont ils lient les questions de pouvoir, d'identité et de possession. Cet ouvrage constitue la première monographie d'Ali Cherri. A travers une introduction de l'artiste, 3 essais et un entretien, ce livre révèle les dimensions politiques, esthétiques et oniriques d'une oeuvre que l'artiste développe depuis plus de quinze ans.

Sept mondes - Marylène Negro

Résumé

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