Au Moyen Âge, les arts se déploient dans un univers mental très différent du nôtre, et selon des catégories (celles d'« arts mécaniques » et d'« arts libéraux », par exemple) et des formes (pensons aux genres théâtraux des « mystères » et des « miracles », ou bien au genre littéraire de l'hagiographie) qui pour nous sont insolites. La production picturale et sa réception sont marquée par les écrits de Plotin puis par la synthèse du néo-platonisme et de la pensée des Pères de l'Église. La querelle des images qui agite le monde byzantin au VIIIe siècle montre l'incidence des réflexions théologiques sur la production picturale et permet de comprendre les contraintes stylistiques de la peinture d'icônes. La Renaissance est non seulement marquée par des nouveautés stylistiques remarquables, mais aussi par des changements considérables dans la manière de penser ces pratiques (qui cessent d'être vues comme des arts mécaniques), leur enseignement (création des Académies), leurs acteurs (invention du mot « artiste »), et la production artistique de l'Antiquité (apparition des premières collections et débuts de l'histoire de l'art).

Une histoire personnelle et philosophique des arts

L'art ce ne sont pas que des oeuvres ; ce sont aussi des concepts pour les catégoriser, des catégories mentales pour les appréhender, des valeurs pour les juger. Aussi, l'« histoire de l'art » qu'on trouvera ici n'est pas une histoire des styles, mais l'histoire de cet ensemble indivis fait des oeuvres et des discours qui les accompagnent, et, plus globalement, de la vision du monde dans laquelle ceux-ci s'insèrent. Consacré à l'Antiquité grecque, cet ouvrage met au jour tout ce qui sépare notre manière contemporaine de penser l'art de celle des anciens, mais aussi tout ce qui les relie. En ressort un écart considérable entre une vision moderne qui conçoit l'art comme une activité autonome, dotée d'une valeur intrinsèque et constituant une fin en soi, et la conception antique d'un art fonctionnel, largement lié à la religion et soumis aux exigences de la cité. Il montre aussi comment cette très riche période contient des germes de critique et d'histoire de l'art, des réflexions philosophiques sur des sujets qui continuent à nous concerner (la nature du beau, le pouvoir des images, la censure, etc.) et nous a légué des concepts clés de l'esthétique (mimésis, catharsis, contemplation, etc.).1er volume d'une série de 4.

L'antiquité grecque. Une histoire personnelle et philosophique des arts

Méprisé et taxé de toutes les fainéantises ou intellectualisé à l'extrême, l'art du XXe siècle aura modifié l'ensemble des paradigmes : les codes ont éclaté, les artistes se sont multipliés et les oeuvres d'art elles-mêmes ont semblé disparaître. Caractérisé par une succession accélérée des mouvements d'avant-garde, par une prolifération de pratiques nouvelles, d'oeuvres singulières et inclassables ainsi que par une extraordinaire production discursive (manifestes, écrits d'artistes, etc.), le siècle dernier apparaît comme l'un des moments les plus riches et les plus prolifiques de l'histoire de l'art. En opérant une déconstruction de l'idée d'art, telle que définie par la modernité autour des notions de talent, de goût, de beaux-arts et de contemplation désintéressée, les artistes ont ouvert la voie à une " artification " généralisée jusqu'à produire une paradoxale " désartification " de l'art. Pour comprendre ces mutations, Carole Talon-Hugon analyse conjointement les oeuvres et leurs discours, de l'avant-garde dadaïste jusqu'à la montée en puissance des industries culturelles et des technologies digitales.

Au grand siècle, le développement des académies des arts signifie non seulement une reconfiguration des mondes de l'art et du statut de ses acteurs, mais aussi un développement remarquable de la réflexion théorique sur les arts. Les artistes discutent de leur valeur respective, de leurs rapprochements possibles (doctrine de l'Ut pictura poesis), de leurs finalités (movere, docere, placere), de leurs moyens propres et de leurs problèmes spécifiques. Le XVIIIe siècle est marqué par l'invention décisive de la catégorie moderne de beaux-arts, qui rassemble dans un sous-ensemble inédit les arts visant le beau. Par ailleurs, sous l'effet de la nouvelle science et de l'épistémé qu'elle suppose, à la métaphysique du beau des anciens succède une manière moderne et toute sensible de penser la beauté, qui délie celle-ci du bien comme du vrai. L'invention du goût comme sens du beau en est la conséquence directe, et celle du sublime - qui accueille toute la transcendance perdue par la beauté -, sa conséquence indirecte. L'idée de génie possède aussi une place importante dans cette constellation neuve. À l'apparition des beaux-arts est liée celle de disciplines satellites : la critique d'art (Diderot), l'histoire de l'art (Winckelmann), et l'esthétique (Baumgarten).

S'interroger sur les relations de l'art et de l'éthique au début du XXIe siècle ne va pas de soi. Une telle question devient pourtant inévitable au vu de l'évolution contemporaine de l'art. Un certain nombre d'oeuvres contemporaines, jugées éthiquement transgressives ou affichant une intention morale, appellent à des connexions entre ces deux champs. La première difficulté est de définir le terme d'art, le sens du mot n'étant pas le même d'une époque à l'autre. La deuxième tient au mot éthique : la morale est relative, les normes varient d'une société à l'autre et d'une époque à l'autre, peut-on alors parler d'une éthique ? Se demander si l'art doit se préoccuper d'éthique veut-il dire que l'art ne doit pas transgresser la morale, respecter ses normes et ses valeurs, que l'art peut être mis au service de la morale ou du moins participer à l'éducation morale des hommes ?

Morales de l'art

Le beau & le bien ; perspectives historiques de Platon à la philosophie américaine contemporaine

On a parfois reproché au philosophe sa méconnaissance de l'art et de son histoire. L'histoire de l'art, elle, n'a pas toujours mesuré que l'art n'est pas fait que d'oeuvres, mais aussi de mots pour les dire, de concepts pour les catégoriser, de théories pour les penser. C'est de ce double constat qu'est né ce livre : retracer une histoire philosophique de l'art occidental, de l'Antiquité grecque jusqu'aujourd'hui, et suivre les développements des arts et la succession des styles en les mettant en relation avec l'atmosphère théorique où ils se sont produits. Se dessinent ainsi les grands paradigmes artistico-conceptuels qui ont fait l'histoire de l'art occidental.

Histoire philosophique des arts - Oeuvres, concepts, théories

Les passions, objet de tant de reflexions de l'Antiquite, a l'epoque classique, ont ete passablement delaissees par la modernite mais connaissent aujourd'hui un regain d'interet tres vif, tant de la part de la philosophie que des sciences. Il s'agit ici de meler les analyses classiques et les etudes les plus recentes pour une comprehension approfondie de cette dimension capitale de l'homme qu'est l'affectivite.Analyse de la notionCette etude considere l'histoire du mot et de ses usages ainsi que celle de ses termes satellites, distingue entre quatre grandes regions de l'affect (emotions, sentiments, passions, tonalites affectives), et s'interroge sur la categorisation et l'ordonnancement en systeme de ces etats affectifs complexes et mouvants. Elle traite ensuite de la nature des passions, des parts respectives du corps et du jugement, du role de la culture et de la question tres disputee de leur rationalite. Elle envisage enfin le rapport des passions et de la morale et les liens complexes qui unissent les passions aux vices et aux vertus.Etude de textesSont commentes quatre textes phares qui jalonnent l'histoire du traitement philosophique du sujet: un passage des Tusculanes de Ciceron qui, sur fond de la theorie stoicienne des passions, envisage les moyens de les eradiquer; un extrait des Questions disputees sur la verite de saint Thomas ou se precise la conception de la nature des passions comme mouvement de l'ame sensitive, qui fera autorite jusqu'a la fin du XVIIe siecle; un article du Traite des passions de Descartes qui pose la question des parts respectives de l'ame et du corps dans les passions; un texte de Hume extrait du Traite de la nature humaine dans lequel est abordee la question de leur rationalite.Carole TALON-HUGON est maitre de conferences en philosophie a l'universite de Nice-Sophia Antipolis."

Les Passions: Ciceron, Saint Thomas, Descartes, Hume

Le parcours de Ferran Adria, tour à tour cuisinier du célèbre restaurant El Bulli, représentant de l'Espagne à la Dokumenta (foire internationale d'art contemporain) de Kassel en 2007, et actuellement directeur d'un centre de recherche à l'université de Barcelone, est emblématique d'un double processus de dé-définition : de l'art d'une part, des sciences humaines de l'autre. Il y a peu de temps encore, les artistes entendaient magnifier le sensible ou exprimer les tréfonds de leur intériorité ; aujourd'hui, beaucoup d'entre eux prétendent faire de la recherche et s'avancent sur les terres de l'histoire, de la sociologie ou de l'anthropologie. Mais qu'est-ce que l'art et la science ont à gagner ou à perdre dans ce type de rapprochement ? Ne faut-il pas craindre une démonétisation des sciences humaines par la revendication d'une autre manière, présentée comme plus légitime, de fabriquer de la connaissance ? N'y a-t-il pas lieu de s'inquiéter de la survie des normes de vérité qui valaient jusqu'ici dans le monde académique ? Une généalogie de cet état de confusion permet de comprendre ce qui l'a rendu possible : d'une part le phénomène contemporain de désartification de l'art, et, d'autre part, une certaine atmosphère intellectuelle proclamant l'effacement des frontières du vrai et du faux, du fait et de la fiction, de l'idéologie et du savoir.

L'artiste en habits de chercheur

Carole Talon-Hugon pose un regard philosophique et esthétique sur la polémique qui a secoué l'édition 2005 du Festival d'Avignon. Loin de vouloir résoudre la crise, Carole Talon-Hugon reconstitue une genèse historique des deux conceptions de l'art nées du XVIIe siècle européen : l'esthétique de la réception et la métaphysique d'artiste. En démontrant que ces deux conceptions semblent aujourd'hui inconciliables, alors qu'elles étaient à leur émergence profondément liées, la thèse est ici originale et essentielle. Dix ans plus tard, l'auteur revisite cet essai au travers d'un prisme universel et contemporain. La critique continue-t-elle de se déchirer ? Les positions conservent-elles les mêmes contours que ceux qui existaient il y a dix ans ?

Le conflit des héritages - Avignon 2005

A l'entrée de l'âge classique, la définition traditionnelle des passions qui a encore largement cours dans les innombrables traités sur le sujet, est devenu intenable. La disparition de l'âme sensitive et la reconsidération du concept de mouvement interdisent désormais de penser les passions comme des mouvements de l'âme sensitive. Le Traité des passions de Descartes naît du projet de renouveler complétement leur étude, porjet dont il faut étudier la genèse, et notamment l'épisode à cet égard décisif, de la correspondance avec Elisabeth. Mais qu'en est-il de la réalisation de ce projet? Pour apprécier la nouveauté introduite par Descartes dans le traitement de la question, il faut brosser à grands traits la toile de fond sur laquelle ce discours se détache, c'est-à-dire exposer la doxa sur les passions qui a cours à l'époque, et qui est tissée d'un réseau complexe d'héritages, principalement thomiste, galénique, stoïcien et augsutinien. L'analyse du Traité joint à cette mise en perspective, permet de voir que ce texte à la fois très court et très complexe, dont on a souvent souligné les incohérences, est constitué non pas d'un, mais de deux discours. L'un déclaré et appuyé, issu d'un rêve de la raison, et qui est celui des passions; l'autre plus discret et presque clandestin, beaucoup moins éloigné du discours de la doxa, et qui contredit les prétentions du premier d'avoir raison des passions en rendant raison.

Les passions revées par la raison : Essai sur la théorie des passions de Descartes et de quelques-uns de ses contemporains

En 2018, le festival d'Avignon était dédié aux questions de genre et la Manifesta de Palerme à l'écologie. Parallèlement à ce nouvel art militant émergent de nouvelles formes de censures (boycott des films de Woody Allen ou de Roman Polanski, pétition pour le retrait d'un tableau de Balthus, annulation de la pièce Kanata de Robert Lepage...). Après des décennies d'art formaliste, autoréflexif ou transgressif, l'art le plus contemporain se trouve plongé dans une atmosphère globale de moralisation.
Or, l'art peut-il s'assigner des buts éthiques et peut-il être jugé sur des critères moraux ? Ces questions, que l'on pensait réglées, retrouvent une brûlante actualité. Carole Talon-Hugon procède à un état des lieux de ce nouvel agenda sociétal de l'art contemporain (cause décoloniale, minorités raciales et sexuelles, inégalités...) et procède à une mise en perspective historique qui fait ressortir la particularité de la situation actuelle, avant de procéder à une analyse de la censure éthique.
La question est finalement de savoir ce que l'art et l'éthique ont à gagner et à perdre dans ce tournant moralisateur de l'art contemporain.

L'art sous contrôle

Comprendre l'histoire de l'art, c'est comprendre le monde des idées avec lequel elle est intimement liée. Certains individus y ont occupé une place décisive. C'est à eux qu'est consacré ce dictionnaire. Ces théoriciens sont des philosophes (Aristote, Hutcheson ou Dewey...), des historiens de l'art et de la culture (Pline, Vasari, Burckhardt...), des sociologues et des psychanalystes (Kracauer, Simmel, Freud...), des théoriciens d'arts particuliers (Jauss, Hanslick, Brecht, Semper...), mais aussi des critiques (La Font de Saint-Yenne, Diderot, Greenberg...) et des artistes-théoriciens (Alberti, Coleridge, Tolstoï, Artaud...). Réunissant des auteurs venus d'horizons historiques et disciplinaires différents, cet ouvrage permet à tous ceux qui s'intéressent à l'art de partir d'un point de vue particulier, que ce soit celui d'une discipline académique, d'une spécialisation par période, ou d'un art singulier, pour embrasser un point de vue plus large et avoir une compréhension plus claire, plus complète et plus approfondie de l'art.

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