Dernières oeuvres créées par Matisse pour la chapelle du Rosaire à Vence, les chasubles et les ornements liturgiques viennent en parachever la création, faisant de cette chapelle une oeuvre d'art totale. Tout en respectant les couleurs liées aux temps de la liturgie et utilisées dans les offices religieux, Matisse élabore avec sa technique des papiers gouachés découpés un ensemble de vêtements et d'accessoires d'une créativité et d'une liberté exceptionnelles.

Les Chasubles de Matisse pour la chapelle de Vence

Jackie Matisse - Jeux d'espace

Depuis bientôt quarante ans, l'oeuvre de Christian Bonnefoi occupe une place extrêmement singulière dans le champ de la peinture et, plus généralement, dans l'histoire de l'art contemporain. Il développe un langage pictural à part, entre peinture, dessin, collage et montage, mêlant les formes et troublant les repères. Son travail se caractérise par une pratique singulière du collage dont l'assemblage produit une surface qui devient l'objet même de l'œuvre sans aucune figuration, suggestion ou narration : une manière d'insister sur l'importance de la démarche, du travail de composition sur le résultat final. L'artiste situe l'origine de sa démarche artistique lors de la découverte des "Dos" de Matisse présentés en 1970 à Paris au Grand Palais lors de l'exposition "Henri Matisse, l'exposition du centenaire" d'où sortiront ses premiers Dos quatre ans plus tard. Ce thème ponctue son oeuvre depuis lors.

Christian Bonnefoi

François Rouan est de ceux qui ont regardé Matisse. Les papiers découpés des années 1965-1966 en témoignent d’abord : tout a commencé avec ces travaux sur papier, colorés, découpés, entrecroisés, retournés ou tressés. Mais déjà la découpe ne sert pas seulement à quantifier la couleur. Elle devient pour Rouan un outil – ou mieux, un modèle – pour arracher le plan moderniste à la tentation du lisse, de la pureté simplificatrice et minimaliste. Des premiers papiers aux toiles tressées de plus en plus complexes des années 1969-1970, tressées dessus/dessous, dedans/dehors, à trois ou quatre trames, la peinture a fait surface, littéralement. Le champ du tableau se fend et s’ouvre pour produire une épaisseur de sillons et de plis, pour laisser passer du corps. Aujourd’hui, le travail de peinture de François Rouan reconduit ces mêmes procédures de tressage, toujours pour ouvrir le plan du tableau à plus de corporéité, pour affirmer la réalité d’une rugosité, pour faire surgir la présence de corps et de figures non immédiatement identifiables en tant que tels, mais empreints dans la substance même du tableau. Le livre La découpe comme modèle confronte ces deux séquences de travail de peinture de Rouan, distantes de quarante ans : celle des années 1966-1970, et la plus récente, celle des années 2007-2011.

François Rouan - La découpe comme modèle

En 1932 une jeune femme russe Lydia D. arriva dans l'atelier de Matisse à Nice, d'abord pour l'aider à terminer La Danse pour la collection du docteur Barnes à Philadelphie, avant de devenir son modèle préféré pendant quatre ans puis par périodes jusqu'en 1954. Sa grâce, sa beauté et sa personnalité permirent à Matisse de réaliser parmi ses plus beaux dessins de femme. Elle devint aussi le modèle des peintures Le Rêve, Blouse verte, La Verdure, Nu rose... Femme d'exception, elle fit don au musée Pouchkine de Moscou et au musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg de tout ce qu'elle avait reçu du peintre. L'ouvrage offre un regard inédit sur l'oeuvre de Matisse, mais aussi sur la vie quotidienne à l'atelier à travers des témoignages, des documents, des photographies et... les petits mots affectueux et enluminés de Matisse.

Lydia D - Lydia Delectorskaya, muse et modèle de Matisse

Le musée départemental Matisse poursuit sa programmation d'art contemporain consacrée à l'abstraction géométrique contemporaine avec la première rétrospective française de l'artiste anglais Norman Dilworth. Des premiers dessins figuratifs des années 60 jusqu'aux sculptures monumentales actuelles, le catalogue retrace le parcours de l'exposition et fait découvrir la démarche de cet artiste singulier qui tend vers l'abstraction la plus épurée et minimale, en écho avec la nature.

Norman Dilworth

L'exposition retrace l'aventure des plus grands artistes polonais du XXe siècle. Celle-ci commença dans les années 20, avec les fondateurs du groupe " a.r " ou artistes révolutionnaires formés par Malevitch, et se poursuivit à travers des orientations communes jusqu'à la période contemporaine. Elèves de Malevitch, Strzeminski et son épouse Kobro sont à l'origine des avant-gardes artistiques polonaises dans les années 20, fondateurs de " L'Unisme " qui tenta de faire l'unité de l'œuvre avec son environnement. Avec Berlewi, Hiller et Stazewski, ils échangeront leurs idées avec les artistes abstraits des années 30 regroupés à Paris dans le mouvement " Abstraction - Création " qui les aideront à créer à Lodz le premier musée d'art abstrait, auquel Herbin participa. Szpakowski inventa la ligne unique, labyrinthique, rythmique. Des années plus tard, en 1974, Stazewski et Krasinski vont accueillir Buren dans leur atelier de Varsovie. Ils exposent ensemble à Paris. Une Cabane éclatée de Buren devient la cimaise des œuvres de ses amis. La permanence des recherches dans l'abstraction construite est représentée dans l'exposition par des installations d'artistes appartenant à la scène polonaise contemporaine. Szewczyk, ou encore Starczewski qui développe un alphabet de signes et de symboles et le photographe Kossakowki témoignent d'un pluriel vivace. Myslowski installe un portfolio de paysages urbains new-yorkais. Drozdz réalise une installation de poésie concrète. Opalka met le temps en action vers la disparition et l'effacement. Flicinski crée spécialement pour le musée une ellipse dont les dégradés de gris transforment l'espace sensible.

Ses oeuvres

Ses derniers livres