Rome ville éternelle, ville sensuelle, a inspiré les plus talentueux cinéastes. Grâce à eux, elle fait désormais partie de notre imaginaire. Mais quelle Rome ? Celle de Fellini ou celle de Pasolini ? Celle de Woody Allen ou celle de Nanni Moretti ? Plus de soixante-dix films sont évoqués dans cet ouvrage, qui sont autant de regards de cinéastes sur la capitale italienne, autant de souvenirs aussi pour ceux qui les ont vus et aimés. Un livre enrichi de nombreuses cartes illustrées recensant lieux de tournage et parcours de films emblématiques.

Rome mise en scènes

On reproche aux journalistes d'être manipulés et/ou de manipuler eux-mêmes l'information. Du taux charnier de Timiscara pendant la révolution roumaine à la mort de Lady Di, en passant par la guerre du Gobe ou la poussée de l'extrême-droite en France, la presse est mise en accusation. étant, pour l'opinion, trop souvent à l'origine d'informations orientées, artificiellement gonflées ou totalement " bidonnées ". le journaliste, hier respecté, a parfois perdu de sa crédibilité. Pourquoi et comment en est-on arrivé là ? Pourquoi la presse, élément essentiel de la démocratie, risque-t-elle, involontairement mais progressivement, de contribuer à vider celle-ci de son sens ? Les journalistes en sont-ils véritablement les seuls responsables ? Autant de questions auxquelles ce livre, écrit par deux journalistes (E. Dor, ancien grand reporter et rédacteur en chef de Radio-France internationale, directeur de radio. B. Valette, ancien grand reporter, rédacteur en chef et chef du service politique de France-inter), s'efforce de donner sinon des réponses définitives, du moins des pistes de réflexion, et ce, au travers de très nombreux exemples pris dans une actualité récente et moins récente. nationale comme internationale, du traitement des faits divers comme des conflits planétaires.

Les Vertus Du Mensonge... Information, Deformation, Manipulation

Sans lui, Michel-Ange n'aurait pas été ce qu'il a été. Le grand Léonard de Vinci, Botticelli, Raphaël, et bien d'autres, l'ont reconnu pour maître. Comme Cézanne, il aurait pu dire : " Il y a deux sortes de peinture : la peinture bien " couillarde " - la mienne - et celle des autres " ! Né près de Florence tout juste avec le Xve siècle, on l'appelait Masaccio, parce qu'il était fou de peinture. Il est mort à vingt-sept ans et n'a peint que pendant... huit ans à peine ! Et pourtant ce sont bien les braises laissées par celui que l'on a surnommé " Le Rimbaud de la peinture ", et sur lesquelles ont soufflé, entre autres, Michel-Ange, Rodin et Picasso, qui ont mis le feu à tout l'art occidental.

Les couilles d'Adam - Sur une fresque de Masaccio, une sculpture de Rodin et un pastel de Picasso

Le point de départ de cet essai est un dessin de Paul Valéry représentant un homme en train d'écrire assis à une petite table. Edouard Dor tente de découvrir s'il ne s'y cache pas la conception qu'avait Valéry de l'acte d'écrire et de la place de l'écrivain dans la société.

L'homme qui écrit - Notes sur un dessin inédit de Paul Valéry

Que connaît-on vraiment de la peinture de Francis Bacon (1909- 1992) ? Des corps tordus, des visages déchirés, des bouches grandes ouvertes, des couleurs suaves et criardes, et tout ce que lui-même a pu con er lors des nombreuses interviews qu'il a accordées.
Mais, que se passait-il vraiment lorsqu'il peignait ? Quel sens donnait-il aux formes apparues sur ses toiles et pourquoi tant d'émotion s'en dégaget- il ?
Pour tenter de le découvrir, l'auteur a choisi d'aborder ses oeuvres latéralement, en les frôlant, en en retenant des indices signi catifs - une ampoule électrique, une ombre, une seringue, un miroir, etc. -, autant de « motifs » chers au peintre et qui prennent tous un sens dans son univers.

Francis Bacon, en morceaux choisis

Chef d'oeuvre de la période bleue, La Vie reste une énigme totale. Picasso peint ce tableau deux ans après le suicide de son ami le plus proche, Carlos Casagemas, qu'il place au centre de sa composition. Il a alors vingt-deux ans et y met toute sa colère et tout son génie. L'artiste évoquera toujours cette oeuvre avec tendresse, sans jamais en lever le mystère. Cet ouvrage fait le point des nombreuses hypothèses qui ont été avancées pour saisir le sens de ce tableau, majeur dans l'oeuvre de Picasso, et en propose une interprétation nouvelle.

Picasso, l'énigme de la vie

Georges Braque a peint plus de soixante tableaux ayant pour sujet des barques entre 1928 (date à laquelle il se fait construire un atelier en Normandie et reprend la peinture de paysage abandonnée dix-sept ans plus tôt) et 1960, trois ans avant sa mort. Ce thème va initier une nouvelle série dans son oeuvre, une série "à part", tant par sa diversité et sa richesse que par son rythme et sa durée. Braque représente ses barques hors de toute présence humaine, le plus souvent échouées au pied des falaises crayeuses de la Côte d'Albâtre, devant des mers sombres et sous des ciels d'orage. Difficile de ne pas imaginer qu'en peignant ainsi ces esquifs fragiles et solitaires au bord de la nuit, l'artiste n'ait pas pensé au "grand passage", celui qui conduit là d'où l'on ne revient pas, et ne nous ait pas laissé quelque message. Très peu de choses ont, à ce jour, été écrites sur ce thème dans l'oeuvre de Georges Braque. Cet essai, publié à l'occasion du cinquantième anniversaire de la mort de l'artiste, en constitue une première tentative.

Sur les barques de Braque - Dans l'attente de l'ultime traversée

Qui est cette adolescente au regard perdu ? D'où vient son chapeau si bizarre ? Pourquoi pose-t-elle ainsi ses mains sur le cadre du tableau dont elle est le sujet ? Que semble-t-elle vouloir nous dire ? Beaucoup de mystères entourent ce parfait trompel-l'oeil peint en 1641 par Rembrandt, alors au faîte de son talent. Un tableau d'autant plus mystérieux que, par deux fois, il a disparu et qu'on l'a même cru à jamais perdu. Retrouvé au lendemain de la Seconde Guerre mondiale par les fameux monument's men américains et authentifié, il est aujourd'hui l'un des chefs- d'oeuvre des collections du Château Royal de Varsovie. Cet essai - le premier consacré à ce tableau - s'efforce d'en retracer l'histoire et tente d'en déchiffrer les mystères, en le replaçant en perspective dans l'oeuvre de Rembrandt (un an après le célèbre Autoportrait à l'âge de trente-quatre ans de la National Gallery de Londres et un an avant La Ronde de nuit).

Rembrandt et la Jeune fille de Varsovie

Seul dans son atelier d'Antibes, face à la mer, Nicolas de Staël entame, le 14 mars 1955, une toile géante de 3,5 m sur 6 m : Le Concert. On y voit d'un côté, un piano à queue noir et, de l'autre, une contrebasse ocre, séparés par des partitions posées sur des pupitres. Mais ce qui frappe c'est le fond de la composition qui mange tout le tableau : un vermillon écarlate, comme un grand rideau de scène incandescent. Deux jours plus tard, Nicolas brûle quelques papiers, écrit trois lettres, monte sur la terrasse de son atelier et bascule dans le vide. Dans ce gigantesque tableau, dans ces deux instruments de musique - les seuls visibles de cet orchestre -, dans ce rouge de feu se trouve sans doute, enfouie, l'explication de son geste.
Nicolas de Staël a quarante et un an lorsqu'il peint Le Concert. Après dix ans de souffrances et de privations, il connaît enfin, depuis quelques mois, un réel succès.
L'auteur a reconstitué les derniers jours du peintre et analysé comment sont peu à peu montées en lui, jusqu'à l'insupportable, une angoisse de vivre mêlée à une insatisfaction de plus en plus grande devant son travail et à un douloureux déchirement amoureux.
Cet ouvrage propose une nouvelle édition révisée du livre Le Concert paru en 2010 aux éditions Sens&Tonka, aujourd'hui épuisé.

Nicolas de Staël, l'impossible concert

L'auteur apporte un éclairage sur le rôle attribué aux portes dans les oeuvres de Degas, Fragonard, Salviati et Vallotton. Il observe qu'elles se retrouvent régulièrement au coeur d'un affrontement homme-femme.

Quand la peinture se joue des portes

Le vol majestueux des molletons cendrés au-dessus du grand fuchsia. "Arrivés à un certain âge, deux hommes - deux amis ? - vivent de leurs chamailleries, de l'affrontement de leurs idées, de déceptions accumulées et de maigres espoirs. Ils parlent sans s'entendre. S'échangent des phrases vides de sens. S'opposent l'un à l'autre car c'est, pour eux, le seul moyen de compter encore un peu en ce monde. Leurs mots deviennent des objets et leur agencement une simple mécanique, mais les humeurs et les sentiments sont toujours présents et expriment, eux, l'intensité de la vie. Dans cet échange, les paroles s'essayent à n'être qu'une musique. Seule la force du souffle qui les porte leur donne un sens."

Le vol majestueux des molletons cendrés au-dessus du grand fuchsia

Qui sont ces deux Vénitiennes et que font-elles sur cette terrasse ? On sait que ce panneau, peint par Vittore Carpaccio au 15e siècle, a été considéré comme "le plus beau tableau du monde" . On sait aussi que cette peinture n'est, en fait, que l'un des morceaux d'une composition beaucoup plus grande, dont on a retrouvé au 20e siècle l'une des autres parties… en Californie ! Mais ce tableau reste malgré tout un grand mystère. L'auteur imagine ce que pouvait être cette uvre dans son ensemble. Il en propose un "décodage" qui conduit à une interprétation séduisante et troublante, donnant à la femme un rôle inattendu dans notre monde, et trouve à celle-ci des échos dans deux tableaux plus récents de Gustave Caillebotte et d'Edward Hopper.

Vittore Carpaccio, peindre l'ennui à Venise

Pourquoi, dans un petit tableau de Véronèse, un cheval voyeur, bloqué dans un escalier, passe t il sa grosse tête dans l'encadrement d'une porte et jette t il un regard lourd sur les ébats amoureux de Mars et Vénus ? Pourquoi une courtisane, peinte par Manet, allongée nue sur son lit, avec pour seuls atours un fin ruban de velours autour du cou, nous fixe t elle avec provocation, tandis qu'à ses pieds un chat au poil hérissé dresse sa queue en point d'interrogation ? Pourquoi Matisse, le chantre de la couleur et de la joie de vivre, a t il représenté une porte fenêtre ouvrant sur un vide dont la noire profondeur est pétrie d'angoisse ? Pourquoi ces trois artistes semblent ils avoir hésité à montrer précisément ces trois œuvres ? Et pourquoi celles ci nous troublent elles ? Ne serait ce pas parce qu'elles dégagent, pour des raisons différentes, un même sentiment " d'inquiétante étrangeté " ?

Une inquiétante étrangeté - Sur trois tableaux : Véronèse, Manet, Matisse

Pendant un peu plus de trente ans, Georges Braque a peint une soixantaine de tableaux ayant pour sujet des barques, toujours échouées sur la grève et toujours solitaires, sous des ciels sombres et au bord d'une mer souvent agitée. Il commence cette série en 1928 à Varengeville, en Normandie, où il s'est fait construire un atelier (et où il est enterré) et la poursuit jusqu'à sa mort. Une série très peu connue et qui occupe une place à part dans son oeuvre.
Ces petits tableaux d'une apparente simplicité dans la construction dégagent une atmosphère de mélancolie teintée d'un certain désespoir. L'homme secret qu'était Braque y dévoile une partie de son intimité. Il est difficile de ne pas imaginer qu'en peignant ainsi ces esquifs fragiles au bord de la nuit et hors de toute présence humaine, l'artiste n'ait pas pensé au "grand passage" , celui qui conduit là d'où l'on ne revient pas.

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