Mefistofele Boito

Né plus tardivement que le quatuor à cordes, après les instrumentations foisonnantes de la musique de chambre pour harmonie de la fin du xviiie siècle, le quintette à vents offre, par la richesse de ses timbres et l'amplitude des tessitures, un éventail de possibilités de traitement pour l'instrumentiste ou le compositeur. Cet ensemble de cinq instruments pourtant bien connu des musiciens - composé, rappelons-le, d'une flûte, un hautbois, une clarinette, un cor et un basson - est moins familier des mélomanes que le quatuor à cordes ou le duo piano-violon. Les oeuvres pour cette formation sont nombreuses ? : cet ouvrage mentionne ainsi celles de Ropartz, Nielsen, Schmitt, Schoenberg, Milhaud, Hindemith, Carter et s'attarde plus particulièrement sur celles de Reicha et Ligeti. Les auteurs de cet ouvrage retracent l'essor du quintette à vent en se focalisant sur les points clefs de son histoire, sur les mutations des genres à travers les époques. Ils s'appuient notamment sur plusieurs pièces et enregistrements du xxe siècle. Un entretien avec Gilles Silvestrini et Sergio Menozzi, compositeurs contemporains, apporte pour conclure l'ouvrage un regard actuel et ouvert sur le monde, une manière de nous dire que cette formation semble encore promise à un bel avenir.

Musique de chambre 1, Le Quintette à vent - Des origines à la floraison du genre

Cet essai interroge la façon dont se sont articulées historiquement les relations entre la musique et la révolution industrielle, de façon générale, et entre les musiciens et les machines, de façon particulière. Du métronome au gramophone, en passant par les orchestres mécaniques ou par les premières diffusions téléphoniques de la musique, ce livre montre comment au xixe siècle les techniques issues de la révolution industrielle affectent tout à la fois les interprètes (incités à rationaliser leur technique tout en cultivant l'expression), les auditeurs (invités à être galvanisés par des expériences "électriques") et les compositeurs (qui, de Rossini à Wagner, en passant par Chopin ou Berlioz, ne cessent d'admirer et de redouter tout à la fois les mutations esthétiques nées du progrès technique). Emmanuel Reibel illustre ainsi comment les mutations technologiques du xixe siècle font évoluer la réflexion sur ce qu'est la musique, sa composition et son interprétation, tout en reconfigurant le champ des valeurs associées à l'art. Ce faisant, il propose de penser le romantisme comme le négatif (au sens photographique du terme) de la révolution industrielle. Emmanuel Reibel est professeur de musicologie à l'Ecole normale supérieure de Lyon. Il enseigne l'esthétique au Conservatoire national supérieur de Musique et de Danse de Paris.

Du métronome au gramophone - Musique et révolution industrielle

Figures bibliques, figures mythiques - Ambiguïtés et réécritures

Les concertos de Poulenc

Née en 1943, Michèle Reverdy occupe une position singulière dans le panorama contemporain : éperdument éprise d'expression, mais revendiquant la continuité historique du langage atonal, cette admiratrice d'Alban Berg cultiva une indépendance d'esprit qui la fit se heurter parfois au goût dominant. Jouée néanmoins dans le monde entier et défendue par de prestigieux interprètes, cette compositrice, qui collabora avec l'écrivain Pascal Quignard ou avec le cinéaste Raoul Ruiz, s'illustra à travers tous les genres.
Nourri de nombreuses archives inédites, ce livre lève le voile sur un univers créateur très attachant, enraciné dans un passé mystérieusement obsédant dont la table de travail de la musicienne constitue l'inlassable exutoire. Il ressort un portrait sensible, non seulement de la compositrice, qui façonne ses oeuvres tour à tour en architecte ou en peintre, mais aussi de la journaliste, de la pédagogue et de la femme « intranquille », livrée à une introspection continue. En contrepoint surgit alors une réflexion sur les relations qui peuvent s'établir entre un musicologue et un compositeur, et sur le sens qu'il y a à écrire un livre sur un artiste vivant.

Michèle Reverdy ; compositrice intranquille

Voici puiblié pour la première fois, le manuscrit de Don Giovanni, de la main de Mozart. Trésor inestimable dont la fragilité interdit de l'exposer au regard, la partition est ici fidèlement reproduite dans son format d'origine. Ce livre propose d'en feuilleter les pages les plus significatives, guidé par les commentaires éclairants et passionnés. Pour découvrir, dans l'admirable élégance de l'écriture, l'urgence de la création, telle indication, des ratures, des corrections, parfois, tel passage abandonné au profit d'un autre. Et pénétrer ainsi dans l'atelier du musicien, penché sur sa table de travail...

Don Giovanni, Mozart - Le manuscrit, un trésor de la BNF

A la fin du XIXe siècle, Thomas Edison prophétisait au sujet de son kinetograph : " Je crois que, dans les années à venir, des opéras pourront être donnés au Metropolitan de New York sans qu'ils diffèrent en rien de l'original, mais avec des artistes et des musiciens morts depuis longtemps. " Plus d'un siècle après, on peut s'amuser de l'approximation et de la pertinence de tels propos, alors que les représentations d'opéra les plus prestigieuses sont retransmises en direct dans les salles de cinéma du monde entier. Aujourd'hui, le cinéma reste aussi inséparable de l'opéra qu'il l'était à ses débuts, à travers des relations institutionnelles, techniques, esthétiques, génériques, formelles et humaines multiples. L'étude de ces interactions, qui se répètent et se réinventent constamment, est l'objet de ce livre, divisé en cinq parties : " Espaces de transition entre opéra et cinéma, des pionniers à l'époque du muet ", " L'opéra sous l'influence du cinéma ", " Filmer, capter et montrer l'opéra ", " La question de l'opératique au cinéma ", et " Interactions multiples et multiformes ". Les contributions sont complétées d'entretiens avec la compositrice Michèle Reverdy et les réalisateurs Philippe Béziat, Benoît Jacquot, Jacques Martineau et Olivier Simonnet.

Opéra et cinéma

Hector Berlioz publie en 1843 un "Grand Traité d'instrumentation et d'orchestration modernes" dont il donne une édition augmentée de "L'art du chef d'orchestre" en 1855 : il y manifeste de façon éclatante sa créativité de musicien et d'écrivain. Ce volume tente de montrer l'originalité de sa démarche à une époque où la facture instrumentale se développe considérablement, mais où Berlioz est presque l'un des seuls à mener en France une réflexion d'ensemble sur l'orchestre. Dans ce texte surprenant, où se mêlent rêve utopique sur l'orchestre idéal et conseils très précis livrés aux instrumentistes et aux chefs, envolées lyriques et analyses d'exemples musicaux, l'orchestre apparaît comme un vaste théâtre où se joue l'avenir de l'art. Livre de chevet de plusieurs musiciens français, de Camille Saint-Saëns à Maurice Ravel, l'ouvrage est mieux accueilli encore à l'étranger, en Russie, en Allemagne et en Angleterre. Ce traité riche en perspectives sur la musique et la société futures concerne-t-il encore les musiciens de notre temps ? C'est ce qu'interroge cet ensemble d'études qui, nous l'espérons, ne manque pas d'actualité.

Berlioz, poète et théoricien de l'orchestre - Regards sur le Grand traité d'instrumentation et d'orchestration modernes

Pensés à l'orée du XIXe siècle comme des outils de fixation, d'expansion et d'investigation scientifique du lexique et de la nomenclature de la musique, les deux volumes Musique de l'Encyclopédie méthodique de Panckoucke s'inscrivent dans une perspective critique du Dictionnaire de musique de Rousseau et de l'Encyclopédie. Publiés longtemps après l'impulsion initiale du projet et à vingt-sept ans d'écart, ils ne rencontrèrent aucun succès. La polyphonie et le jeu d'intertextualité que développent les personnalités des trois éditeurs et principaux rédacteurs (Framery, Ginguené et Momigny) offrent aujourd'hui à dix chercheurs une inestimable source pour l'étude des discours sur la musique en France à la charnière des Lumières et du romantisme.

La série Musique de l’Encyclopédie méthodique (1791-1818) - Lexique, nomenclature, idéologies

Qualifié par Liszt de « centre intellectuel du monde », Paris concentre au xixe siècle un faisceau de talents qui en fait un pôle mythique de l?Europe musicale.Foyer dans lequel se forgent les renommées, Paris attire la plupart des musiciens étrangers. Si les concerts et les salons permettent aux interprètes de briller, les compositeurs rêvent de la consécration que confère l?Opéra. Mais pour les succès qu?il assure (Rossini, Meyerbeer), que de déboires pour les impétrants malheureux (Wagner) !Emmanuel Reibel fait percevoir le foisonnement de la « génération 1810 » dans le tumulte de la capitale. Berlioz, Chopin, Liszt, Bellini ou Mendelssohn se côtoient dans les salons, les salles de spectacle, les cafés, sur les boulevards, dans les bureaux des journaux.Tableau animé par des têtes d?affiche prestigieuses, cet ouvrage fait découvrir également des acteurs moins illustres mais non moins valeureux : élaborant des stratégies de conquête ou animés d?un idéal, tous subissent la séduction de la ville à séduire.

Les Musiciens romantiques : Fascinations parisiennes

De tous les grands mythes littéraires, Faust est celui qui paradoxalement a suscité le plus d'incarnations musicales. La génération romantique, de Berlioz à Gounod en passant par Schumann, puisa dans la magistrale tragédie de Goethe, notamment, la matière de quantité d'oeuvres de genres et de formes très divers, portant sur le mystérieux alchimiste des regards parfois contradictoires.
Mais le savant austère et damné n'avait pas dit alors son dernier mot : le XXe siècle le voit ressurgir et, après Busoni, il interpelle depuis une vingtaine d'années des compositeurs tels que l'Allemand York Hller, l'Italien Giacomo Manzoni, le Russe Alfred Schnittke, l'Américain John Adams, les Français Pascal Dusapin et Philippe Fénelon. Double défi que de s'affronter au plus métaphysique des mythes, tout en se mesurant à une lourde mémoire musicale !
Dans une enquête qui éclaire la fécondation réciproque entre mythe et musique, Emmanuel Reibel interroge ce que devient, dans un monde en pleine crise de la modernité, la figure née de l'Allemagne luthérienne, par laquelle s'était exprimé l'esprit de conquête artistique du XIXe siècle.
Ancien élève de l'Ecole normale supérieure, spécialiste de l'étude des relations entre musique et littérature, Emmanuel Reibel est maître de conférences à l'Université de Nanterre.

Faust

L'ecriture de la critique musicale au temps de berlioz

Son essence mystérieuse semble faire de la musique le langage même de la nature. Rêvant de pouvoir agir sur elle à la façon d'Orphée, les compositeurs ne cessent de l'écouter pour intérioriser ses voix : ils s'emploient tour à tour à l'imiter, à reproduire ses mouvements, à peindre ses effets sur la sensibilité, à enregistrer et métamorphoser ses sons, ou à puiser en elle de puissants modèles formels.Des Quatre Saisons (Vivaldi) à La Mer (Debussy), de la Symphonie pastorale (Beethoven) au Catalogue d'oiseaux (Messiaen) et à l'écologie sonore, Emmanuel Reibel met ici en lumière la façon dont les représentations musicales de la nature se sont articulées à l'histoire de l'idée de nature.En traversant les saisons, les paysages et les jardins, parfois troublés par des tempêtes, nous découvrons ainsi comment la musique se nourrit de tout ce qui constitue notre environnement - minéraux, végétaux, ou animaux, qui ont donné lieu à un foisonnant bestiaire musical - sans oublier les préoccupations les plus actuelles liées à la préservation de cette nature qui nous est chère.   Emmanuel Reibel, maître de conférences à l'université de Nanterre et membre de l'Institut universitaire de France, est l'auteur de Les musiciens romantiques, Fascinations parisiennes ; Faust, la musique au défi du mythe et Comment la musique est devenue romantique.

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