Le Théâtre au miroir des langues consiste à explorer les grandes notions théâtrales au moyen d’une étude lexicologique portant sur trois aires géolinguistiques : la France, l’Espagne et l’Italie des XVIe et XVIIe siècles. Divisé en huit chapitres (Genres théâtraux, Paratextes, Dramaturgie, Personnages, Notions esthétiques, Métiers et techniques, Lieu théâtral, Réception), l’ouvrage propose une étude comparative des composantes essentielles du théâtre à partir de leurs modes de désignation dans les trois langues. Prenant appui sur un vaste corpus de pièces, de préfaces et de traités, ces analyses permettent tout autant d’identifier les correspondances et les pratiques communes d’un pays à l’autre que de mettre à jour les spécificités nationales. Cet ouvrage a été conçu dans le cadre du projet ANR « IdT - Les idées du théâtre »

Le théâtre au miroir des langues - France, Italie, Espagne XVIe-XVIIe siècles

Avec pour fil conducteur la fonction accordée aux propos de table, quatorze spécialistes étudient ici l'évolution et les mutations d'un modèle issu de l'Antiquité. Ils mettent ainsi en lumière, dans une perspective historique, esthétique et culturelle, la manière dont ce modèle a pu s'incarner au fil des époques et refléter les transformations de la société. Envisagée sur le temps long, la tradition des propos de table permet en outre de confronter l'oralité de la parole et l'oralité de la manducation, dont le lien étroit est problématisé au moins depuis Platon. Cet ouvrage met également en évidence les métamorphoses d'un dispositif narratif et symbolique que sa stabilité au cours des siècles signale comme trait culturel majeur. Ingestion et expression apparaissent en effet comme les deux faces d'un même rituel de société, dont les formes épousent les enjeux du temps.

Parler en mangeant - La tradition littéraire des propos de table de l’Antiquité à nos jours

La tragédie, c'est bien connu, finit mal. Au point que le terme "tragique" définit désormais tout évènement funeste et sanglant. Mais la fin malheureuse n'a pas toujours été un élément essentiel du genre. C'est seulement lors de sa renaissance moderne que le dénouement malheureux a acquis une telle importance et ceci en dépit de son manque de bienséance morale : si la tragédie finit mal, c'est que le héros, contre toute attente, n'est pas récompensé pour ses vertus et que les actions du méchant ne reçoivent pas la punition escomptée. Le dénouement malheureux est efficace, car il suscite la surprise et le pathos. Mais il contrevient aux conventions éthique qui règlent la poétique renaissance : il n'est pas exemplaire. Par l'étude de la tragédie européenne de la première modernité, et plus spécifiquement de la théorie et de la pratique du genre en Italie, en France et en Espagne, cet ouvrage entend expliquer pourquoi le dénouement malheureux devient l'élément essentiel du genre au moment même où toute forme de poésie se doit d'être exemplaire. La tragédie moderne exprimerait alors la contradiction entre ce qui devrait être et ce qui est, en relevant l'écart qui sépare la foi en la providence divine et l'évidence de l'échec, de l'injustice et du malheur.

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