Avec près de 50 films à son actif depuis les années 70, Woody Allen est l'un des cinéastes les plus prolifiques. Réalisateur, acteur et scénariste, on lui doit une oeuvre complexe et populaire, qu'il est bien souvent difficile de mettre en perspective et de cerner dans sa globalité. La compréhension d'une oeuvre allant de pair avec celle de son auteur, cet ouvrage analyse et décrypte la filmographie de Woody Allen et les thèmes centraux de son oeuvre. Illustré par des photogrammes de ses films les plus emblématiques et largement  documenté  (extraits  d'interviews,  éléments biographiques), il permettra aux cinéphiles de parfaire leur connaissance et leur compréhension du cinéma de Woody Allen...

Dans la tête de Woody Allen ; le cinéma, Dieu, le sexe et le reste...

Quand le cinéma de science-fiction est-il né ? Quelles sont les formes qu'il a prises avant de s'imposer comme un genre à part entière ? Que peut-on y lire et que nous apprend-il du regard que nous portons sur le monde qui nous entoure ? De ses débuts comme genre dans l'Amérique des années 1950 jusqu'à aujourd'hui, toutes les facettes de ce cinéma sont ici décrites et analysées selon des angles résolument novateurs. Grâce à de très nombreux exemples, nous découvrons comment, de la peur atomique des années de Guerre froide à l'émergence, trente ans plus tard, du cyberpunk, les films de science-fiction nous éclairent sur les évolutions technologiques et esthétiques de leur époque. Dans un second temps, l'ouvrage propose une typologie des figures visuelles et narratives, depuis l'imagerie du voyage dans l'espace ou celle de l'extraterrestre jusqu'à la critique sociale et politique, et montre combien ce genre cinématographique, qui est création d'un monde, est fondé sur la désorientation de l'homme face à ses propres repères. Éric DUFOUR est professeur à l'Université de Grenoble. Il est spécialiste d'esthétique et a écrit plusieurs ouvrages sur la musique et sur le cinéma.

Le cinéma de science-fiction

L'interrogation qui anime cette réflexion de l'auteur, " qu'est-ce que la musique ? " présuppose de manière fondamentale que, si la musique est en tout premier lieu quelque chose qui s'écoute et qui cause chez l'auditeur une réaction affective, elle est également susceptible de conceptualisation. En effet, poser cette question, c'est se situer non plus dans la sphère d'immédiateté de l'émotion, mais bien plutôt dans le domaine de la médiation du discours et du concept. En d'autres termes, l'auteur se propose ici de penser la musique. Il apparaît ainsi au fil de cette étude que, contrairement à l'idée naïve de musique comme objet de perception immédiate et en cela en dehors de tout processus réflexif, celle-ci doit être considérée en tant qu'objet de connaissance : on apprend à décrypter une musique, à la reconnaître et à l'aimer. Bien plus, la musique est vectrice d'intention : celle du compositeur, du chef d'orchestre, des interprètes... Relativement à cela, l'auteur s'attachera par conséquent à distinguer les discours légitimes de ceux qui ne sont pas effectifs.

Qu'est-ce que la musique ?

Mort à Venise, considéré par beaucoup comme le chef-d'oeuvre de Luchino Visconti, reste un film aussi étonnant par le contenu que par la forme. Sans doute parce qu'il met un point d'honneur à illustrer ce qu'y déclare un de ses protagonistes : "L'art est ambigu" ... Ainsi ignore-t-on si le Beau est le but de l'admiration du héros, musicien vieillissant, pour le jeune Tadzio, ou s'il n'est qu'un prétexte pour masquer une vulgaire attirance pédophile. Et que dire de ces longs plans descriptifs, où l'on regarde regarder un personnage qui littéralement se décompose sous nos yeux ? Le livre examine à nouveaux frais ces ambiguïtés de fond et de forme, il analyse les rapports entre le film et la nouvelle en dont il est tiré, sans oublier de le replacer dans l'oeuvre de Visconti ni de brosser l'histoire de sa réception. On est alors mieux équipé pour comprendre les raisons qui font que Mort à Venise, près de cinquante ans après sa sortie, continue d'exercer sa fascination.

Analyse d'une oeuvre : Mort à Venise - Luchino Visconti, 1971

Ce livre présente la philosophie sociale de Paul Natorp. Il montre, en développant sa conception du statut de l'économique, de la gouvernance et du pédagogique, comment le philosophe soutient des positions beaucoup plus radicales que celles de ses collègues sociaux-démocrates (particulièrement Hermann Cohen), et en définitive très proches de celles des anarchistes que pourtant il combat, lorsqu'il défend la coopérative, la démocratie sociale qui équivaut à la disparition de l'Etat et, enfin, l'autoéducation. On montre également la grande cohérence entre ce que dit Natorp et ce qu'il fait, en analysant dans le détail ses luttes pour une réforme de l'éducation, ses actions en faveur des révolutionnaires et sa sympathie pour les spartakistes, ainsi que son engagement en faveur du pacifisme et d'un nationalisme qu'il faut bien comprendre : l'Allemagne comme origine d'une révolution socialiste coopératiste qui a une vocation universelle.

La philosophie sociale de Natorp

" Tout nouveau travail philosophique doit dans son progrès se nourrir d'une discussion avec Kant : c'est pourquoi, la condition d'un caractère philosophique véritablement original est la découverte et le traitement à nouveaux frais des thèmes kantiens. L'idéalisme de la raison pure a prouvé qu'il était dans l'histoire des sciences et de la civilisation la force essentielle. C'est en lui que la raison pure, dans leur travail jamais vaincu, ont acquis et affirmé leur droit incontestable à trouver de nouveaux fondements. Et c'est ainsi que l'idéalisme de la raison scientifique conquiert le soutien et la garantie de l'histoire ; car l'histoire... pourra creuser dans une fosse sans fond, mais aussi inébranlable, sans cesse changeante dans ses variations, mais toujours aussi immuable dans ses mobiles ; variations et mobiles forment le fondement éternel et cohérent de l'histoire de la culture, et, en tout premier lieu, celui de la science. " Hermann Cohen

Les néokantiens - Valeur et vérité

Dans les films de Lynch, on dirait que les images s'assemblent mal et délirent, faisant s'interpénétrer tous les mondes incompossibles sans arriver à se fixer et à produire un monde unitaire, se détachant sans cesse des corps et des situations qu'elles engendrent pour les déformer et les reformer autrement — pour donner naissance à un autre monde où on redistribue sans cesse les rôles et les choses, où les individus acquièrent une nouvelle identité et les objets de nouvelles fonctions.

David Lynch : matière, temps et image

Si Casque d'or est avant tout une tragédie amoureuse, c'est aussi un chef-d'oeuvre de mise en scène dosant dialogues et silences, économisant les mouvements de caméra, instaurant une esthétique qui lui est propre et qui fera date. Non dénuée de critique sociale (le monde des petits truands est opposé à celui des bourgeois, la morale de la prostituée Casque d'or à celle de la femme prétendument honnête), le film se distingue d'abord par le réquisitoire lancé en faveur du bonheur contre le tragique de la vie, mettant à ce titre en scène le jeu d'une certaine fatalité. Le présent ouvrage se propose, en explorant les recoins de ce film mythique, d'en sonder philosophiquement la beauté et le sens.

Analyse d'une oeuvre : Casque d'or - Jacques Becker, 1952

L'association Alpha France, qui organise les fameux Parcours Alpha depuis 1999, est à l'initiative de cette collection. L'association souhaite proposer des outils aux participants pour approfondir de manière individuelle leurs questionnements sur la foi. Cette collection offre des ouvrages apologétiques, c'est-à-dire visant à démontrer la crédibilité rationnelle et historique des réponses chrétiennes aux questions existentielles et spirituelles les plus courantes : la science et la religion, la souffrance, la sexualité, les religions, la Trinité, etc. Ce troisième volume de la collection aborde la question de la sexualité. Ce sujet est devenu un enjeu de société majeur tant au niveau économique que politique et psychologique. Les transformations profondes des comportements liés à la sexualité ont souvent des conséquences dramatiques sur les femmes et la jeunesse, mais aussi les hommes, comme on le voit aujourd'hui. Hélas, l'aspect spirituel de la sexualité est le grand absent de ces débats. Cet ouvrage propose donc de découvrir l'incroyable beauté de ce que le Dieu créateur nous offre au travers d'une sexualité harmonieuse et respectueuse de sa volonté, tant pour notre épanouissement spirituel que physique et émotionnel.

Dieu et la sexualité - Une voie au-delà des clichés

Tout le programme de français-philosophie 2020-2021 - Le portrait des 3 auteurs - Le résumé et l'analyse de chaque oeuvre - Le thème en fiches synthétiques - 2 sujets de dissertation rédigé - 120 citationsL'épreuve de français-philosophie aux concours des écoles d'ingénieurs est exigeante et décisive. Mais comment étudier 3 oeuvres importantes de la littérature, comprendre la pensée de 3 auteurs différents, les mettre en relation avec un thème précis, alors que les matières scientifiques occupent déjà une grande partie de votre temps ? - Pour vous accompagner dans ce travail, vous trouverez ici une présentation claire des auteurs, de leur époque et une analyse de chacune des oeuvres ainsi que les aspects essentiels du thème et des oeuvres au programme expliqués et commentés. - Une fiche méthodologique et 2 sujets de dissertation entièrement corrigés vous permettront de vous préparer aux concours. - 120 citations utiles à connaître complètent ces outils.

La force de vivre - Victor Hugo, Les contemplations, livres IV et V ; Nietzsche, Le gai savoir, avant-propos et livre IV ; Svetlana Alexievitch, La supplication

Le 7e art a exploré toutes les formes d'alliance et de contraste entre la difformité physique et la laideur morale, traquant l'innocence et la pureté sous les apparences les plus repoussantes et révélant des abîmes de noirceur sous les élégances affichées. Nous voici conviés à la plus jouissive des visites, celle de la grande galerie des anormaux, où des avortons de l'imagination involontairement comiques voisinent avec des créatures réellement dérangeantes, échappées au contrôle de leurs géniteurs scénaristes et réalisateurs... Car la force du cinéma, grand art des projections, n'est-elle pas d'avoir su mieux que tout autre donner figures inhumaines à cette part de monstruosité qui, en tout être humain, hésite entre déni de soi et soif d'exercice ?

Les monstres au cinéma

Ce livre cherche à mettre en évidence la spécificité du cinéma parmi les autres arts et à montrer en quoi il est une forme de pensée au même sens que la philosophie, mais qui passe par le biais des images. Il analyse le rapport de la dimension visuelle et de la dimension audio, et tente de caractériser, d'une part, ce qui caractérise la narration cinématographique et, d'autre part, en quel sens on peut parler d'un cinéma non narratif. Par là, il met l'accent sur la spécificité des techniques cinématographiques et particulièrement sur la question du montage, dont il essaie de classifier les formes.
Enfin, ce livre contient une analyse de deux textes. Le premier, de Gilles Deleuze, pose la question de savoir si l'image cinématographique est toujours au présent, et permet de mieux comprendre la structure et la loi d'organisation de certains films contemporains, comme par exemple Elephant (de Gus van Sant). Le deuxième, de Noël Burch, pose la question, non pas du cinéma politique, mais d'une lecture ou interprétation politique (et sociale) du cinéma.
On trouvera dans ce livre des exemples qui vont des films les plus classiques (Le cuirassé Potemkine, Citizen Kane) aux films les plus méconnus (Polyester, le seul film en odorama, par exemple).

Qu'est-ce que le cinéma ?

Qu'est-ce qu'un "bon" film ? Quels sont les critères qui permettent de juger de sa qualité et de son intérêt ? Comment définir et analyser le "beau" au cinéma ? Un bon film n'est-il pas tout simplement un film qui impacte notre vie d'une façon ou d'une autre ? Cet ouvrage tente de répondre à ces questions en proposant une réflexion sur ce qui fait la valeur d'un film et sur la façon de l'estimer : contextes artistique et sociopolitique, référents cinématographiques et historiques, théories des catégories et des genres... Pour étayer son propos, l'auteur s'appuie sur les concepts philosophiques de jugement, de goût, de valeur, de plaisir et d'usage, qu'il confronte à de nombreux exemples de films, de Glen ou Glenda d'Ed. Wood à Batman : le défi de Tim Burton, en passant par Ludwig de Luchino Visconti, Scarface de Brian de Palma et bien d'autres.

La valeur d'un film - Philosophie du beau au cinéma

Tout a déjà été dit sur les films de Hitchcock, dont Fenêtre sur cour est le paradigme même. On en connaît le dispositif très simple : un homme immobilisé, à travers sa fenêtre, jette un oeil amusé, lubrique et bientôt horrifié sur la vie de ses contemporains... Pourtant, non, tout n'a pas été dit. Au lieu de penser tout de suite que cette histoire n'est qu'une parabole sur le voyeurisme ou une allégorie des liens qui unissent l'amour et la mort, pourquoi ne pas commencer par le commencement, c'est-dire se souvenir qu'il s'agit d'un film de cinéma, composé de plans montés d'une certaine façon ? Back to basics... C'est à cette condition qu'ensuite on peut philosopher sur l'homme immobilisé, qui analyse le monde avec ses yeux, ses oreilles et ses jumelles.

Livres