Hic Sunt Leones

Cette lecture illustrée de l'Odyssée d'Homère nous introduit aux thèses de la Dialectique de la Raison de Theodor W. Adorno et Max Horkheimer, une des oeuvres maîtresses de l'école dite de " Francfort ", écrite entre 1941 et 1944 au moment où la civilisation basculait dans le gouffre. Les deux auteurs y démontraient comme la raison occidentale fondatrice de la société européenne est viciée en son essence : une terreur originelle la motive. Sa relation à la Nature est pensée dans les termes antagonistes du tuer ou mourir. La fameuse raison des Lumières perpétue finalement la violence et les réflexes irrationnels qu'elle prétendait vouloir éliminer, elle contient son contraire, elle est d'essence dialectique. Pour illustrer leur propos, Adorno et Horkheimer sont remontés jusqu'à l'Ulysse d'Homère qu'ils présentent comme le passeur de la pensée mythique - qui pactise encore avec les forces naturelles - à la pensée rationnelle, qui est une stratégie, une ruse en vue de dominer celles-ci. Il incarne à la fois une victime ballottée par les éléments et un bourreau, le porteur d'un espoir - en grande partie déçu - d'émancipation et l'ancêtre du bourgeois qui défend à tout prix ses intérêts contre ceux des autres. Ce livre, illustré en eaux-fortes avec un anachronisme assumé, commente l'Odyssée depuis les jalons posés par les penseurs allemands. Il nous dévoile ainsi la geste sanglante de la naissance de la rationalité européenne.

L'odyssée d'Adorno et Horkheimer

Hortus Sanitatis, le récit de ville de Frédéric Coché est totalement muet. Pour raconter Bruxelles en bandes dessinées, le dessinateur a imaginé un récit d’aventures en images, un parcours vivifiant dans les mystères de l’art belge ancien et moderne.. Deux squelettes sur fond de paysage flamand ornent la couverture. La danse macabre secoue les pages d’un livre dessiné à l’eau-forte.La Mort fait une promenade de santé. Elle déambule dans les rues, où le carnaval et ses danses macabres offrent un environnement à son goût. Elle affronte Saint Michel et finit par planter sa lance dans le ventre de la Vierge Marie. Une explosion atomique s’ensuit qui accouche d’un gigantesque arbre de vie… Hortus sanitatis ne se raconte pas. En s’emparant de la commande qui lui était faite de donner à voir une « mythologie de Bruxelles », Frédéric Coché signe avec ce premier livre un véritable coup de maître. La gravure y retrouve son pouvoir enchanteur de faire circuler et vivre les visions.Le livre de Frédéric Coché a été réalisé à l’occasion des ateliers internationaux de création en bandes dessinées intitulés "Frigobox, Echangeur narratif, Récits de villes". Les ateliers ont été produits par Fréon et Bruxelles 2000 durant l’année 2000. Le principe de ces ateliers est de réunir des dessinateurs pour créer des récits de ville. En tout, une vingtaine de dessinateurs ont participé à ces ateliers de l’échangeur narratif.D’abord, cette remarque : les échanges, les passages entre les différentes pratiques artistiques s’avèrent le plus souvent extrêmement fécondes. Hortus Sanitatis, le livre dessiné par Frédéric Coché illustre avec on ne peut plus de vigueur ce principe des vases communicants interdisciplinaires. Trois pratiques se rencontrent dans le récit. L’eau-forte – qui est une méthode de gravure sur métal assortie de plongée dans des bains d’acide -, la bande dessinée, la peinture sont réunies pour créer un espace-temps ouvert et circulaire.Frédéric Coché réhabilite une ancienne pratique qui consistait à diffuser les représentations de la peinture par le biais de la gravure. De ce point de vue, la bande dessinée comme médium de diffusion populaire joue ici pleinement son rôle. Le récit s’origine dans l’art belge, ancien et moderne. On y rencontre des paysages flamands, des danses macabres ensoriennes à souhait, des moules à la Broodthaers, des réminiscences folkloriques et carnavalesques. Les motifs tissent un cercle magique entre les pratiques, la narration déploie l’espace de cet échange, lui donne une vie.C’est donc de fécondation, de vie et de mort, qu’il est question dans ce réacit fluide et, au premier regard, relativement linéaire. La couverture annonce au demeurant le thème par la juxtaposition de trois motifs de la narration : le squelette, la rencontre de Marie avec une vieille femme et l’arbre de vie.D’emblée l’ambiguité du sens de lecture est affirmé par la première vignette : deux poissons de profil se dirigent dans des sens opposés, l’un vers la droite, l’autre vers la gauche. La seconde case présente un appareil de projection qui semble être un ancêtre du cinématographe. Par le biais de cette image, le dessinateur opère une subtile mise en abîme du récit. Les séquences qui suivent se liront comme les images projetées par l’appareil. La dernière image qui clôture le livre reprend de manière différente ce jeu sur l’ambiguité du sens et sur l’image comme mise en abîme. La vignette a la forme d’un cercle, telle forme répète le dessin criculaire du tube de l’appareil de projection dans la seconde case. L’image qui apparaît dans la case peut se lire à la fois comme un paysage et une femme étendue les jambes ouvertes.Entre la première et la dernière page, la narration va, de façon quasiment classique, se construire en recourrant à une a lternance de séquences rythmées avec le plus grand soin. Ce sera un combat avec une mise à mort puis une répétition de ce combat où les motifs varieront ainsi que leurs agencements. Dans le premier combat, l’issue est fatale, du moins, on le présume. Dans le second combat, la Vierge Marie est victime de la même agression, mais l’issue est cette fois la vie. Le personnage rentre dans son appartement sereinement tandis que des anges tournoient dans le ciel. A ce ballet circulaire et céleste répondra quelques pages plus loin une assemblée terrestre de masques. Il est important de noter que la séquence est introduite par une réminiscence de la couverture. Ainsi, la couverture entretient avec l’intérieur de livre des rapports tels qu’elle en acquiert une fonction réellement narrative. Le récit commence sur la couverture. Les rapports entre l’intérieur et l’extérieur sont excédés de la sorte. La séquence suivante montre une assemblée masquée. L’assemblée – évoquant les rites magiques des premiers âges – invoque une casserole de moules clairement broodthaersienne. L’invocation à la casserole permet à l’arbre de vie de surgir des moules. Tandis que l’arbre croît, le squelette erre, il semble avoir perdu son agressivité initiale. Soumis à ce qui paraît être la dépression post-coïtale, le squelette est plongé dans une sombre mélancolie. Il découvre le personnage féminin qui se caresse le sexe. Exclu du plaisir, il ne peut que partir. La prise de conscience de sa superfluité l’amène à fuir du jardin de la santé et du plaisir. Une pluie de moules survient alors comme pour nourrir le récit et enrichir son humus. L’arbre de vie peut alors déployer toute sa majesté. Les rituels narratifs de Hortus Sanitatis débouchent sur l’éloge de la vie, une vie où la mort aurait sa place.

Hortus Sanitatis

L'anneau de Nibelung (Der Ring des Nibelungen) est l'oeuvre-monde de Wagner.
15 heures de théâtre et de musique qui nous transporte de la création du monde à la chute des dieux et l'avènement de la société des hommes.
Autour d'un anneau maudit, en compagnie d'un dragon, d'amours impossibles et de héros au destin tragique, Wagner redonne vie à la mythologie nordique et médiévale allemande et préfigure les mondes de la fantasy.
Mais supposons un dessinateur qui ne croit pas trop aux prophètes ni aux héros, qui désire rendre ces histoires à leur origine primitive, grotesque, irrévérencieuse. Comme un calque qui aurait bougé : des scènes s'ajoutent, des personnages disparaissent, des traits grossissent, des détails s'effacent, d'autres bouillonnent, et une demi-déesse amputée, abandonnée et trompée décide de bouleverser les plans des dieux et des hommes.
Brynhildr est l'histoire de cette femme, racontée par Frédéric Coché en 72 eaux-fortes.

Brynhildr : un opéra dessiné d'après Der Ring des Nibelungen

Hortus sanitatis

« Ici, la carte est restée vierge. De là, les explorateurs ne sont pas revenus. Hic sunt Leones : ici sont les lions. Pas de trace, pas de mémoire. »Frédéric Coché convie une nouvelle fois à un voyage, sans doute le plus périlleux et le plus précieux qu’il ait jamais proposé. Un voyage qui laisse des traces et dessine l’étrangeté de se sentir « dans l’étranger. » Se perdre ici, c’est laissez resurgir l’inconnu et le reconnaître. Hic sunt Leones est une suite de chocs. D’un espace à l’autre. D’une langue à l’autre. On n’avait pas vu depuis longtemps s’imposer ainsi, tant en force qu’en mystère, les pouvoirs mêlés du texte et de l’image.

Hic sunt Leones

Frédéric CochéC’est par un escalier dérobé que tout commence. Fonctionnant comme le traditionnel « il était une fois » des contes, cet escalier invite le lecteur à entrer dans le récit, à franchir la passerelle vers un monde où se mêlent légendes et mythes, références picturales et historiques. Se déploie alors au fil des pages une rêverie qui traverse les époques, dans une intemporalité à la frontière entre l’Histoire et le rêve.Des aigles volètent autour d’un château protégé par une forêt. Le Bisclavret côtoie Romulus et Rémus, tandis qu’un soldat perché sur son tank discute négligemment avec deux jeunes filles. L’absence de linéarité narrative et chronologique fait de La mort du roi une véritable œuvre ouverte : c’est au lecteur de reconstruire – de réécrire, d’une certaine manière – le récit en y investissant sa propre expérience individuelle, à partir des titres, des lieux, des personnages.Volontairement indéfinis, lieux et temps renvoient à un passé à la fois imaginaire et réel, et, par là-même, à l’universalité de la condition humaine. La mort du roi, pourtant jamais représentée, est en ce sens éminemment symbolique. Dans les contes, elle est le déclencheur du parcours initiatique du héros. Dans l’Histoire, elle marque l’avènement d’un nouveau souverain. Y sont inévitablement associées la lutte pour le pouvoir, la cruauté et la barbarie de l’homme envers son semblable. La mort, forme de renaissance, souligne ici le perpétuel recommencement de nos actions humaines. À travers ses gravures oscillant à la frontière du rêve, Frédéric Coché réécrit avec virtuosité et acuité notre Histoire.

La Mort du Roi

We waited for years. Until now, Frédéric Coché worked essentially his two favorite techniques alternately: small engravings for books, large paintings for exhibitions. His new book, L'homme armee , brilliantly mixes engraving and painting to offer us an epic story out of the ordinary.It all starts on a battlefield dominated by a man-beast with impressive musculature, a kind of Hulk Hogan whose pink flesh contrasts with the glittering armor of the medieval knights who try in vain to reduce it to thank you. From the first pages, the tone is given: the meeting between engraving and painting allows Frédéric Coché to build a story with multiple pictorial references, from comics to Renaissance paintings. The intrusion of superheroes in a Middle Ages with indefinite contours, timelessly delicately sketched by the fine line of engraving, sees the borders of the kingdom, physical, spiritual and scientific, collapse. Civilization and bestiality, art and violence, death and life are intertwined here as facets to question the ambiguity of human nature.A work of great formal virtuosity, the armed man is one of those books which, beyond the beauty of the images, artistic references which constitute a history of the very personal Art, offer a universal reflection on our human condition.

L’homme armée

Mathieu Riboulet nous livre ici des fragments poétiques, où il va à la rencontre des personnages obscurs du Nouveau Testament. Utilisant le potentiel de mystère des textes bibliques, il nous parle également de territoires : la Cisjordanie, la Cyrénaïque, la Galilée.. L'auteur, servi par une phrase toujours plus maîtrisée, précise, et une langue lumineuse, pratique ici un mysticisme laïque, utilisant des éléments narratifs des textes sacrés pour interroger la foi, loin du dogme religieux. Frédéric Coché lui donne la réplique par ses gravures dépouillées, où son imaginaire flamboyant se déploie pour donner naissance à une mythologie symbolique teintée d'uchronie.

Or, il parlait du sanctuaire de son corps

spoken openly, we didn't really say anything. But, where we encrypted something, and wrote it down in pictures, there we have hidden the truth."This sentence fom the "Rosarium philosophorum" (1550), one of the most popular and widespread alchemistic pictorial works, is not only true for medieval mysticism, but also for this silent, yet very telling comic by Frédéric Coché. In the old book, there's also to be found a picture poem, "Sol and Luna", which Coché is quoting from in several instances."Sol and Luna" deals with "intercourse or copulation", "extraction of the soul or impregnation", and the "jubilee of the soul".Coché is telling about childlike eroticism behind sheltering walls, about wild men and cultivated women, about sex and violence, and about art aping nature.

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