Léon Monet. Frère de l'artiste et collectionneur - Journal de l'exposition

«Pierre Bonnard est-il un grand peintre ?», se demandait le directeur des Cahiers d'art dans son article nécrologique. La réponse, un non catégorique, pèsera lourd sur sa réputation posthume. Trop souvent considéré comme peintre «intimiste bourgeois», il a été rejeté de la modernité, par rapport à laquelle il a toujours adopté une position marginale. De ne pas avoir été jugée «moderne», son oeuvre a été soit rejetée sans appel par certains des apôtres du modernisme, soit récupérée par ceux qui, las des avant-gardes, prônent le retour au réalisme. C'est dire l'urgence de la nouvelle lecture que propose cet ouvrage : ni rejeter Bonnard parce qu'antimoderne, ni le louer pour la même raison, mais le réévaluer dans la perspective d'une histoire critique du modernisme. Cette réévaluation porte dans un premier temps sur une analyse de sa fortune critique, afin de comprendre la relation complexe qu'il entretient avec l'art moderne ; puis sur une nouvelle approche de sa démarche picturale mettant l'accent sur le rôle des sensations ; et enfin sur la mise en évidence de ce qui apparaît comme une stratégie systématique dans sa production : viser, par un travail patient sur la composition, la lumière et la couleur, à orienter le regard du spectateur vers la surface de la toile - une stratégie qui, lorsqu'elle aboutit, est de nature à lui rendre la place qu'il mérite parmi les grands peintres du XX? siècle.

La stratégie de Bonnard : Couleur, lumière, regard

Qu'est-ce que l'art abstrait ? On connaît, croit-on, la réponse : c'est le non-figuratif et il naît du côté de Kandinsky vers 1913.
La réalité, pourtant, est autre. D'abord, parce que le débat sur l'abstraction est antérieur à l'émergence de l'art abstrait. Nourri par les arguments pour ou contre le fauvisme, le terme, qui circule dans les acceptions les plus diverses, de Cézanne à Derain, de Matisse à Braque, de Van Gogh à Kandinsky, renvoie à d'autres domaines, où il a surgi : la philosophie, l'esthétique, les sciences physiques ou bien encore l'optique physiologique.
Étudier au plus près des oeuvres et des écrits des peintres comme de la réception critique, la migration du terme et les significations nouvelles dont il se charge, permet à Georges Roque de saisir l'art abstrait sous une lumière tout à fait autre. Dépassant les deux écoles très historiques dans leur approche (l'esthétique ou formaliste : en épurant les couleurs, les peintres ont atteint l'abstraction  ; la spiritualiste ou absolutiste : en devenant visionnaires, les peintres ont atteint l'essence), il révèle l'abstraction comme une grammaire de la ligne et de la couleur, dont il nous permet de redécouvrir la fraîcheur des signes.

Qu'est-ce que l'art abstrait ? une histoire de l'abstraction en peinture (1860-1960)

Cet ouvrage collectif porte sur les relations complexes entre argumentation et persuasion, abordées à partir, non de l'histoire de la rhétorique, mais des théories actuelles de l'argumentation. Il réunit des contributions de spécialistes francophones et anglo-saxons.

Persuasion et argumentation

Cet ouvrage a pour objet les rapports entre couleur et lumière, principalement en histoire de l'art. Ces rapports complexes n'avaient pas encore été étudiés sous l'angle retenu : la dépendance de la couleur à l'égard de la lumière, puis son difficile affranchissement. Comme la plupart des traités artistiques depuis la Renaissance font dépendre la couleur de la lumière, il s'agit d'aller à l'encontre de cette vieille tradition.

Cette question est abordée sous différents angles. D'abord interroger les rapports entre les deux premiers parmi les trois critères qui définissent d'ordinaire une couleur donnée (teinte, clarté et saturation). Puis questionner l'opposition classique faite entre le Nord qui serait coloré et le Sud lumineux, une distribution datant de l'Époque des Lumières et qui en viendra à s'inverser diamétralement dans la seconde moitié du XIXe, à partir du moment où certains artistes (Gauguin, Van Gogh) transformeront l'intensité lumineuse en intensité chromatique.
Enfin réfuter cette idée selon laquelle l'aventure de la couleur dans l'art moderne à partir de l'impressionnisme aurait consisté à se focaliser sur les couleurs « spectrales » en éliminant le noir, alors que cette aventure a eu lieu grâce à la prise en compte du noir et du blanc et non par son rejet, d'abord au XIX e , puis chez les plus grands coloristes du XXe siècle.

Quand la lumière devient couleur

Cent trois ans ! Une extraordinaire longévité a donné à Michel-Eugène Chevreul une stature scientifique et historique exceptionnelle. Père de la chimie organique, inventeur de nouvelles substances, cet homme de laboratoire sut appliquer ses connaissances scientifiques à la technologie des colorants et à la perception de la couleur. Du Muséum à l'atelier des Gobelins, il transposa la méthode analytique des corps gras aux phénomènes colorés. Sa renommée, consacrée par les formidables fêtes qui célébrèrent son centenaire, gagna l'Europe et le Brésil. Cet ouvrage constitue une synthèse originale sur l'oeuvre de Chevreul. Des spécialistes de la chimie des corps gras et des colorants, de l'épistémologie et de l'histoire des sciences, de la vision des couleurs, de l'histoire de l'art, des textiles et de l'architecture ont apporté des points de vue croisés sur les rapports de Chevreul avec la science et la technique, ainsi qu'avec la communauté scientifique et la communauté nationale du XIXe siècle.

Michel-Eugène Chevreul - Un savant, des couleurs !

Cathédrale et modernité ? Le rapprochement ne laisse pas de surprendre, car l'imaginaire moderne semble difficilement compatible de prime abord, avec l'idée de cathédrale. C'est à cette question que se sont attaqués les auteurs de cet ouvrage : comment l'imaginaire de la cathédrale s'est-il transformé à la fin du XIXe siècle et comment en vient-il à rejoindre les aspirations de la modernité en art ? Pourquoi des artistes et écrivains aussi variés que Huysmans et Proust, Delaunay et Apollinaire, Monet et Rodin, Matisse et Mondrian, Bazaine et Manessier, Pollock et Barnett Newman ont-ils été fascinés par la cathédrale et s'en sont-ils inspirés dans leurs oeuvres ? Pourquoi Notre-Dame de Paris et la Tour Eiffel ont-elles été si souvent comparées ? Et pourquoi le grand quotidien de Chicago, le Chicago Tribune, a-t-il fait construire à grands frais un gratte-ciel cathédrale pour y installer son siège ? Ce sont les questions soulevées dans cet ouvrage, qui essaye d'apporter des réponses dans divers champs de la pensée : histoire de l'art, des idées et des sensibilités, philosophie et esthétique. Sont ainsi passés en revue les différents domaines dans lesquels l'imaginaire moderne de la cathédrale s'est déployé : littérature, architecture, peinture et sculpture, en un parcours qui va de la fin du XIXe siècle jusqu'aux années 19600. Ont contribué à ce volume plusieurs spécialistes de la cathédrale, français et étrangers : Michel Coste, Stephanie A. Glaser, Jean-Pierre Greff, Ségolène Le Men, Joëlle Prungnaud, Roland Recht et Georges Roque.

L'imaginaire moderne de la cathédrale

Des discussions passionnées se sont élevées récemment sur la distinction entre ce qui est " haut " et ce qui est " bas " en art.
En anglais, c'est la question du " high and low ". En français, on parle plutôt d'arts " mineurs " (par exemple les arts décoratifs ou l'art populaire) sans avoir vraiment de terme pour désigner les arts " majeurs ", sinon en parlant de l'art tout court ou de " l'Art avec un grand A ". Les textes réunis dans ce volume essaient d'analyser cette distinction en reconnaissant d'abord qu'il n'y a pas une, mais plusieurs hiérarchies.
Il faut ainsi distinguer la hiérarchie au sein d'un même domaine et celle qui oppose des domaines artistiques différents. Parallèlement à la hiérarchie artistique, il faut aussi étudier la hiérarchie sociale, en montrant comment y intervient le public. Une des visées du livre est d'interroger les mutations qui ont eu lieu au XXe siècle dans la hiérarchie dans et entre les arts, mutations qui constituent toujours l'horizon général des interrogations qui nous portent.
Georges Roque, spécialiste d'esthétique et d'histoire de l'art, dont le livre Art et science de la couleur publié dans la collection Rayon Art a établi la réputation, a rassemblé ici les contributions des plus éminents historiens et théoriciens actuels de l'art (Lichtenstein, Démoris, Rochlitz, Schaeffer, Escande, Arasse, Gretton, etc.) sur ce sujet.

Majeur ou mineur ? - les hierarchies en art

A partir de 1850, la côte méditerranéenne - entre la Catalogne eu le golfe de Gênes - a exercé sur de nombreux peintres, nés pour la plupart dans le Nord de la France ou de l'Europe, une fascination irrésistible. Loin du goût traditionnel pour l'orientalisme, le pittoresque ou l'Antiquité, la lumière et les couleurs méditerranéennes agissent sur eux comme une révélation, celle d'une liberté picturale nouvelle, acquise dans la délectation et la sensualité.
Cet ouvrage mène de l'immensité marine saluée par Courbet aux célèbres fenêtres ouvertes de Bonnard et de Matisse, en passant par les hymnes au mistral de Monet, les scintillements de Cross et de Signac, les nouvelles mythologies de Puvis de Chavannes et de Picasso ou le fauvisme de Derain, Braque et Matisse. Il souligne ainsi le rôle essentiel que la Méditerranée a joué dans l'histoire de l'art européen et témoigne, à travers une centaine d'oeuvres magnifiques, de l'émerveillement des peintres devant la mer et le soleil.

Méditerranée - De Courbet à Matisse

La couleur ? Elle fascine et séduit. Elle semble échapper à toute appréhension. Longtemps son caractère « accidentel » a paru décourager toute science : sur elle, on ne pouvait fonder un art. D'où la prééminence du dessin.
Newton relance la recherche en établissant que la lumière blanche n'est pas homogène mais composée. Après lui Buffon, puis Goethe firent place aux couleurs accidentelles, ces couleurs d'origine physiologique qu'ils rapportaient à l'oeil percevant.
Chevreul, savant chimiste, remet en question, dans les années 1840, les rapports admis de l'oeil et de l'objet perçu en établissant la loi générale qui régit la perception des rapports entre couleurs contiguës. Une revalorisation de la couleur s'ensuivit qui a exercé une influence considérable sur plusieurs générations de peintres : Delacroix, les impressionnistes, Van Gogh, Gauguin, Seurat, Signac, les symbolistes, les futuristes et Delaunay. Ce changement de paradigme ouvre sur la conquête des voies propres de la couleur. Ce qui mènera la peinture jusqu'à l'abstraction.
Georges Roque, dans ce livre d'histoire de l'art et d'histoire des sciences, étudie la démarche de Chevreul, et l'extrême complexité des échanges qui eurent lieu entre les théories scientifiques de la couleur et la pratique artistique. Il nous fait vivre cette révolution du regard qui ouvre l'art à l'espace de la couleur - et pas seulement en peinture.

Art et science de la couleur

Ceci n'est pas un Magritte : Essai sur Magritte et la publicité

La vie nous en fait voir de toutes les couleurs est le résultat de la rencontre de Georges Roque, philosophe et historien de l'art, et de Claude Gudin, biologiste.
Ils voyagent beaucoup tous les deux. C'est donc sous forme de lettres échangées entre la France et le Mexique, alternant avec les conférences de l'un et de l'autre, que se construit cet échange vivant, libre et parfois vif.
Ensemble, ils explorent, questionnent, échafaudent des hypothèses sur la place de la couleur dans l'art, la vie et la science au travers de thèmes variés : 
Y a-t-il une palette méditerranéenne ?
Les couleurs, du phytoplancton à l'animal. 
La symbolique des couleurs est-elle arbitraire ?
Le message de l'artichaut.
Feu vert, feu rouge ?
Le livre s'achève par un court texte du réalisateur Chris Marker sur la place de la couleur au cinéma.

Livres