Ceci n'est pas un Magritte : Essai sur Magritte et la publicité

La couleur ? Elle fascine et séduit. Elle semble échapper à toute appréhension. Longtemps son caractère " accidentel " a paru décourager toute science : sur elle on ne pouvait fonder un art. D'où la prééminence du dessin. Newton relance la recherche en établissant que la lumière blanche n'est pas homogène mais composée. Après lui Buffon, puis Goethe firent place aux couleurs accidentelles, ces couleurs d'origine physiologique qu'ils rapportaient à l'œil percevant. Il devait revenir à Chevreul, savant chimiste, de remettre en question, dans les années 1840, les rapports admis de l'œil et de l'objet perçu en établissant la loi générale qui régit la perception des rapports entre couleurs contiguës. Une revalorisation de la couleur s'ensuivit qui a exercé une influence considérable sur plusieurs générations de, peintres : Delacroix, les impressionnistes, Van Gogh, Gauguin, Seurat, Signac, les symbolistes, les futuristes et Delaunay. Ce changement de paradigme ou d'épistémé ouvre sur la conquête des voies propres de la couleur. Ce qui mènera la peinture jusqu'à l'abstraction. Dans ce livre d'histoire de l'art et d'histoire des sciences, Georges Roque étudie la démarche de Chevreul, et l'extrême complexité des échanges qui eurent lieu entre les théories scientifiques de la couleur et la pratique artistique. Il nous fait vivre cette révolution du regard qui ouvre l'art à l'espace de la couleur - et pas seulement en peinture. Un livre indispensable et passionnant.

Art Et Science De La Couleur. Chevreul Et Les Peintres, De Delacroix A L'Abstraction

Michel-Eugène Chevreul - Un savant, des couleurs !

Léon Monet. Frère de l'artiste et collectionneur - Journal de l'exposition

«Pierre Bonnard est-il un grand peintre ?», se demandait le directeur des Cahiers d'art dans son article nécrologique. La réponse, un non catégorique, pèsera lourd sur sa réputation posthume. Trop souvent considéré comme peintre «intimiste bourgeois», il a été rejeté de la modernité, par rapport à laquelle il a toujours adopté une position marginale. De ne pas avoir été jugée «moderne», son oeuvre a été soit rejetée sans appel par certains des apôtres du modernisme, soit récupérée par ceux qui, las des avant-gardes, prônent le retour au réalisme. C'est dire l'urgence de la nouvelle lecture que propose cet ouvrage : ni rejeter Bonnard parce qu'antimoderne, ni le louer pour la même raison, mais le réévaluer dans la perspective d'une histoire critique du modernisme. Cette réévaluation porte dans un premier temps sur une analyse de sa fortune critique, afin de comprendre la relation complexe qu'il entretient avec l'art moderne ; puis sur une nouvelle approche de sa démarche picturale mettant l'accent sur le rôle des sensations ; et enfin sur la mise en évidence de ce qui apparaît comme une stratégie systématique dans sa production : viser, par un travail patient sur la composition, la lumière et la couleur, à orienter le regard du spectateur vers la surface de la toile - une stratégie qui, lorsqu'elle aboutit, est de nature à lui rendre la place qu'il mérite parmi les grands peintres du XX? siècle.

La stratégie de Bonnard : Couleur, lumière, regard

Cathédrale et modernité ? Le rapprochement ne laisse pas de surprendre, car l'imaginaire moderne semble difficilement compatible de prime abord, avec l'idée de cathédrale. C'est à cette question que se sont attaqués les auteurs de cet ouvrage : comment l'imaginaire de la cathédrale s'est-il transformé à la fin du XIXe siècle et comment en vient-il à rejoindre les aspirations de la modernité en art ? Pourquoi des artistes et écrivains aussi variés que Huysmans et Proust, Delaunay et Apollinaire, Monet et Rodin, Matisse et Mondrian, Bazaine et Manessier, Pollock et Barnett Newman ont-ils été fascinés par la cathédrale et s'en sont-ils inspirés dans leurs oeuvres ? Pourquoi Notre-Dame de Paris et la Tour Eiffel ont-elles été si souvent comparées ? Et pourquoi le grand quotidien de Chicago, le Chicago Tribune, a-t-il fait construire à grands frais un gratte-ciel cathédrale pour y installer son siège ? Ce sont les questions soulevées dans cet ouvrage, qui essaye d'apporter des réponses dans divers champs de la pensée : histoire de l'art, des idées et des sensibilités, philosophie et esthétique. Sont ainsi passés en revue les différents domaines dans lesquels l'imaginaire moderne de la cathédrale s'est déployé : littérature, architecture, peinture et sculpture, en un parcours qui va de la fin du XIXe siècle jusqu'aux années 19600. Ont contribué à ce volume plusieurs spécialistes de la cathédrale, français et étrangers : Michel Coste, Stephanie A. Glaser, Jean-Pierre Greff, Ségolène Le Men, Joëlle Prungnaud, Roland Recht et Georges Roque.

L'imaginaire moderne de la cathédrale

La couleur ? Elle fascine et séduit. Elle semble échapper à toute appréhension. Longtemps son caractère « accidentel » a paru décourager toute science : sur elle, on ne pouvait fonder un art. D'où la prééminence du dessin.
Newton relance la recherche en établissant que la lumière blanche n'est pas homogène mais composée. Après lui Buffon, puis Goethe firent place aux couleurs accidentelles, ces couleurs d'origine physiologique qu'ils rapportaient à l'oeil percevant.
Chevreul, savant chimiste, remet en question, dans les années 1840, les rapports admis de l'oeil et de l'objet perçu en établissant la loi générale qui régit la perception des rapports entre couleurs contiguës. Une revalorisation de la couleur s'ensuivit qui a exercé une influence considérable sur plusieurs générations de peintres : Delacroix, les impressionnistes, Van Gogh, Gauguin, Seurat, Signac, les symbolistes, les futuristes et Delaunay. Ce changement de paradigme ouvre sur la conquête des voies propres de la couleur. Ce qui mènera la peinture jusqu'à l'abstraction.
Georges Roque, dans ce livre d'histoire de l'art et d'histoire des sciences, étudie la démarche de Chevreul, et l'extrême complexité des échanges qui eurent lieu entre les théories scientifiques de la couleur et la pratique artistique. Il nous fait vivre cette révolution du regard qui ouvre l'art à l'espace de la couleur - et pas seulement en peinture.

Art et science de la couleur

A partir de 1850, la côte méditerranéenne - entre la Catalogne eu le golfe de Gênes - a exercé sur de nombreux peintres, nés pour la plupart dans le Nord de la France ou de l'Europe, une fascination irrésistible. Loin du goût traditionnel pour l'orientalisme, le pittoresque ou l'Antiquité, la lumière et les couleurs méditerranéennes agissent sur eux comme une révélation, celle d'une liberté picturale nouvelle, acquise dans la délectation et la sensualité.
Cet ouvrage mène de l'immensité marine saluée par Courbet aux célèbres fenêtres ouvertes de Bonnard et de Matisse, en passant par les hymnes au mistral de Monet, les scintillements de Cross et de Signac, les nouvelles mythologies de Puvis de Chavannes et de Picasso ou le fauvisme de Derain, Braque et Matisse. Il souligne ainsi le rôle essentiel que la Méditerranée a joué dans l'histoire de l'art européen et témoigne, à travers une centaine d'oeuvres magnifiques, de l'émerveillement des peintres devant la mer et le soleil.

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