A la fin du XIXe siècle, la féerie semble moribonde. Ce genre théâtral apparu une centaine d'années plus tôt est menacé à la fois par la concurrence du cinématographe et par ses propres dérives commerciales. Pourtant, de Gautier à Mallarmé en passant par Flaubert, Banville ou Zola, nombre d'écrivains voient dans la forme féerique la promesse d'un renouveau dramaturgique. Et littéraire. Promesse que des auteurs aussi différents que Maeterlinck, Giraudoux, Supervielle, Cocteau, Audiberti et Weingarten vont s'employer à tenir, en transformant un divertissement populaire fondé sur le primat du spectaculaire en instrument de création poétique, d'hybridation générique, d'innovation scénique et de subversion artistique. Affranchies des contraintes et des modes, les féeries modernes échappent aux schémas convenus, bousculent les habitudes de pensée et remettent en cause certains a priori — d'ordre chronologique, hiérarchique, thématique — sur le théâtre français du XXe siècle.

Modernes féeries - Le théâtre du XXe siècle entre réenchantement et désenchantement

Ecrire pour la danse - Les livrets de ballet de Théophile Gautier à Jean Coctaeu (1870-1914)

La critique théâtrale souffre d'un déficit de légitimité. Production éphémère, on l'utilise en général à titre documentaire, pour éclairer les choix d'un dramaturge, les conditions de création d'une pièce, les réactions du public. Elle mérite pourtant mieux, et c'est ce que voudrait montrer ce livre, qui la saisit au moment où elle se constitue en genre à part entière au XIXe siècle. Le discours critique apparaît alors autant comme l'un des lieux où s'élabore une pensée du théâtre que comme un espace conflictuel marqué par la passion. Il distille le miel et le fiel au gré des modes et des polémiques. Qu'ils soient journalistes, écrivains, professeurs, ou parfois les trois tout ensemble, les chroniqueurs dramatiques doivent donc être considérés comme des acteurs essentiels de la vie théâtrale, telle qu'elle s'épanouit dans la France du XIXe siècle.

Le miel et le fiel ; la critique théâtrale en France au XIXe siècle

« Finalement, je suis pour le classicisme : c'est cela l'avant-garde. » Dans Notes et contre-notes (1962) Ionesco exprime en ces termes, volontiers provocateurs, sa conception de la modernité théâtrale. Sans doute cette tension dynamique entre héritage et innovation, tradition et révolution, constitue-t-elle une clef de lecture efficace pour une grande part de la production dramatique française des XXe et XXIe siècles. Les contributeurs de cet ouvrage interrogent, à la lumière des notions en apparence antagonistes de « classicisme » et de « modernité », le vaste répertoire qu'ont contribué à forger des auteurs tels que Claudel, Giraudoux, Genet, Ionesco, Beckett ou encore Schéhadé. Ils en explorent la dramaturgie, questionnant notamment l'usage réservé aux didascalies ou l'interaction entre le théâtre et la danse. Ils s'intéressent également à la réécriture, phénomène qui fait écho à la stratégie classique de l'imitation en introduisant un rapport ludique au texte matriciel. Ils soulignent enfin l'importance accordée depuis deux siècles au metteur en scène et étudient la façon dont ce dernier est à l'origine de nombreuses modifications du texte théâtral.

Classicisme et modernité dans le théâtre des XXe et XXIe siècles - Etudes offertes à Marie-Claude Hubert

"Finalement, je suis pour le classicisme : c'est cela l'avant-garde." Dans Notes et contre-notes (1962) Ionesco exprime en ces termes, volontiers provocateurs, sa conception de la modernité théâtrale. Sans doute cette tension dynamique entre héritage et innovation, tradition et révolution, constitue-t-elle une clef de lecture efficace pour une grande part de la production dramatique française des XXe et XXIe siècles. Les contributeurs de cet ouvrage interrogent, à la lumière des notions en apparence antagonistes de "classicisme" et de "modernité", le vaste répertoire qu'ont contribué à forger des auteurs tels que Claudel, Giraudoux, Genet, Ionesco, Beckett ou encore Schéhadé. Ils en explorent la dramaturgie, questionnant notamment l'usage réservé aux didascalies ou l'interaction entre le théâtre et la danse. Ils s'intéressent également à la réécriture, phénomène qui fait écho à la stratégie classique de l'imitation en introduisant un rapport ludique au texte matriciel. Ils soulignent enfin l'importance accordée depuis deux siècles au metteur en scène et étudient la façon dont ce dernier est à l'origine de nombreuses modifications du texte théâtral.

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