Conférences de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture - Tome 2, 1682-1699 Volume 2

Un examen de la nouvelle approche du phénomène artistique insistant sur le rôle de la sensibilité et centrée autour de la figure du spectateur au XVIIIe siècle, mutation dont témoignent la naissance de la critique d'art en France, de l'esthétique et de l'histoire de l'art en Allemagne.
A la Renaissance et à l'âge classique, la théorie de l'art est essentiellement une théorie d'artistes. Or, ce monopole dont avaient jusque-là bénéficié les artistes dans le domaine de la réflexion sur l'art est brutalement mis en cause au XVIIIe siècle par une nouvelle approche du phénomène artistique insistant sur le rôle de la sensibilité et centrée autour de la figure du spectateur. C'est cette mutation, dont témoigne la naissance quasi contemporaine autour des années 1750 de la critique d'art en France, de l'esthétique et de l'histoire de l'art en Allemagne, que ce livre propose d'examiner.
Conférence prononcée le 15 octobre 2012 au Grand Amphithéâtre de l'Université Lumière Lyon-II, dans le cadre du cycle «?L'Amphi des arts?» engagé en partenariat avec le Musée des Beaux-Arts de Lyon.

L'argument de l'ignorant ; le tournant esthétique au XVIIIe siècle

Philosophiquement suspecte à cause de son caractère matériel, moralement coupable en raison de son éclat séducteur, la couleur a longtemps été jugée esthétiquement dangereuse : source d'un plaisir et d'une beauté qu'on ne sentait pas immédiatement raccordables au Vrai et au Bien. C'est là un des aspects du conflit que la raison entretient avec l'univers des formes sensibles, et ce qui fait que la peinture (que l'on ne peut réduire au dessin) est un péril pour toute harmonie de savoir, toute ordonnance de théorie : tout discours qui doit faire en elle l'expérience de son insuffisance. Enquêtant à travers les siècles de ce conflit, l'ouvrage de Jacqueline Lichtenstein rencontre d'abord la pensée platonicienne qui frappe d'une même condamnation - et ainsi associe entre elles - la couleur du peintre et l'éloquence de l'orateur. Voici liés, définitivement, les arts de la parole et ceux de l'image. Pour la première fois, un discours se met en place, qui insiste sur ce qui fait que la peinture est peinture. Désormais, celle-ci est définissable comme ce qui se refuse au langage. On ne pourra parler du tableau, mais du regard qui le voit. C'est la naissance de l'esthétique, au sens que prend ce mot au XVIIIe siècle.

La couleur éloquente ; rhétorique et peinture à l'âge classique

Nietzsche ne s'y est pas trompé : Toujours le créateur s'est trouvé en désavantage vis-à-vis de celui qui ne faisait que regarder sans mettre lui-même la main à la pâte.

Triste privilège de la peinture : les philosophes énoncent des propositions sur la technique picturale et l'histoire de cet art indépendamment de tout critère empirique de validité, sans mobiliser aucune connaissance ni expérience, à l'encontre des philosophes qui, écrivant sur la musique - Nietzsche, Schopenhauer, Adorno ou Jankélévitch -, s'appuient toujours sur un savoir et sur un savoir-faire. Pourquoi la peinture, objet d'un discours philosophique sans objet, autorise-t-elle les interprétations sans contrôle, les analyses purement auto référentielles ?

Jacqueline Lichtenstein date du coup de force théorique de Kant, posant la double autonomie du jugement de goût par rapport au jugement de connaissance et de la théorie esthétique par rapport à la pratique artistique, la plupart des impasses philosophiques de l'esthétique.

En regard, elle restitue, à partir de l'étude des conférences de l'Académie royale de peinture et de sculpture de 1667 à 1793, l'importance de l'analyse artistique - l'explication de l'ouvre, chose mentale et matérielle tout à la fois, par les peintres. Ils y puisaient l'occasion de soulever un problème précis touchant à l'une des difficultés rencontrées - le sujet et la correction du dessin ; la répartition des lumières ; les libertés que le peintre peut prendre par rapport à l'histoire ; l'expression des passions.

Dans ce qu'on appelle philosophie de l'art, écrivait Friedrich Schlegel, il manque habituellement l'une ou l'autre : ou bien la philosophie, ou bien l'art. S'il fallait choisir, Jacqueline Lichtenstein soutiendrait sans doute aucun l'art contre la philosophie. Ou plutôt contre une certaine philosophie.

Prix Biguet 2015

Les raisons de l'art - Essai sur les théories de la peinture

Nietzsche ne s'y est pas trompé : "Toujours le créateur s'est trouvé en désavantage vis-à-vis de celui qui ne faisait que regarder sans mettre lui-même la main à la pâte". Triste privilège de la peinture : les philosophes énoncent des propositions sur la technique picturale et l'histoire de cet art indépendamment de tout critère empirique de validité, sans mobiliser aucune connaissance ni expérience, à l'encontre des philosophes qui, écrivant sur la musique - Nitezsche, Schopenhauer, Adorno ou Jankélévitch -, s'appuient toujours sur un savoir et sur un savoir-faire. Pourquoi la peinture, objet d'un discours philosophique sans objet, autorise-t-elle les interprétations sans contrôle, les analyses purement auto référentielles ? Jacqueline Lichtenstein date du coup de force théorique de Kant, posant la double autonomie du jugement de goût par rapport au jugement de connaissance et de la théorie esthétique par rapport à la pratique artistique, la plupart des impasses philosophiques de l'esthétique. En regard, elle restitue, à partir de l'étude des conférences de l'Académie royale de peinture et de sculpture de 1667 à 1793, l'importance de l'analyse artistique - l'explication de l'oeuvre, chose mentale et matérielle tout à la fois, par les peintres. Ils y puisaient l'occasion de soulever un problème précis touchant à l'une des "difficultés" rencontrées - le sujet et la correction du dessin ; la répartition des lumières ; les libertés que le peintre peut prendre par rapport à l'histoire ; l'expression des passions. Dans ce qu'on appelle philosophie de l'art, écrivait Friedrich Schlegel, il manque habituellement l'une ou l'autre : ou bien la philosophie, ou bien l'art. S'il fallait choisir, Jacqueline Lichtenstein soutiendrait sans doute aucun l'art contre la philosophie. Ou plutôt contre une certaine philosophie.

Tadanori Yokoo

L'ouvrage revient sur le projet de l'esthétique dite "scientifique", qui se constitue comme telle dans la 2e moitié du XIXe siècle : dépasser les postulats kantiens et spiritualistes au nom d'un rapprochement de l'esthétique avec les sciences expérimentales de son temps (psychologie, physiologie, psychophysique, anthropologie…). Croisant les approches de la philosophie et de l'histoire de l’art, l'ouvrage étudie en outre l'articulation de cette esthétique avec l'art de son temps, du néo-impressionnisme aux débuts de l'abstraction, de l'art nouveau à la géométrie sensible des puristes, et des réformateurs des arts du geste et de la danse aux zélateurs des synesthésies et de l'oeuvre d'art totale.

Vers la science de l'art - L'esthétique scientifique en France 1857-1937

Conférences de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture - Tome 5, Volume 1, Les Conférences au temps de Charles-Antoine Coypel (1747-1752)

Conférences de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture - Tome 6, 1752-1792 Volume 2

Conférences de l'Académie royale de peinture et de sculpture - Tome 3, Les Conférences au temps de Jules Hardouin-Mansart (1699-1711)

Buckminster fuller your private sky

D'où vient que, jusqu'à très tard dans le XXe siècle, la peinture ait été jugée communément supérieure à la sculpture ? De la Renaissance italienne, qui posa la supériorité de la vue sur le toucher, du travail du peintre, imitant la superficie par les lignes et les couleurs, sur celui du sculpteur, qui ne rend l'épaisseur que par des masses et des volumes ? Non pas, démontre Jacqueline Lichtenstein.Suite aux bouleversements de la physique nouvelle, une autre hiérarchie des arts se met en place dans la France des XVIIe et XVIIIe siècles. Préoccupée désormais par les effets sur le spectateur, l'esthétique nouvelle, sous l'impulsion de De Piles, oppose en une polarité inédite la sculpture, le toucher, le dessin et les Anciens d'une part, la peinture, la vue, le coloris et les Modernes de l'autre. Cette véritable topique structurera durablement le discours critique, de Diderot à Zola, de Baudelaire et Huysmans à nombre de contemporains.Aujourd'hui, le rapport entre la sculpture et la peinture s'est émancipé de toute hiérarchie. Pour mesurer ce bouleversement, il faut revenir à la généalogie et à l'histoire critique d'une vision des arts étonnamment durable.

Tache aveugle: Essai sur les relations de la peinture et de la sculpture à l'âge moderne

Conférences de l'Académie royale de Peinture et de Sculpture - Tome 2, 1682-1699 Volume 1

Les conférences de l'Académie royale de peinture et de sculpture constituent la base sur laquelle repose l'essentiel de la connaissance de l'art français sous l'Ancien Régime. Chaque conférence fait l'objet d'une notice détaillée et toutes les oeuvres discutées lors des conférences sont reproduites.

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