Glorifié par les cinéphiles de plusieurs générations, adulé par les zombies des vidéoclubs, auteur d'une oeuvre profondément originale, George Romero est une légende du cinéma. Et pourtant, il revient de loin. Non seulement ses films n'ont jamais connu de réel succès lors de leur sortie (quand ils avaient la chance de bénéficier d'une sortie), mais il a dû lutter toute sa vie contre une inactivité forcée, ponctuée de passages à vide et de violentes confrontations avec les producteurs. Romero a réalisé à ce jour quatorze films, tous indépendants. Il est un représentant authentique de l'espoir contre-culturel de l'Amérique des années 1960 et 1970, qui demeure aujourd' hui, au terme d'un parcours sinueux et marginal, toujours non réconcilié.

Politique des zombies ; l'Amérique selon  Georges A. Romero

Avril 2010. Le cinéaste américain Michael Cimino - Voyage au bout de l'enfer (1978), La Porte du Paradis (1980), L'Année du dragon (1985), Le Sicilien (1987) - accepte une rencontre à Los Angeles avec le critique de cinéma Jean-Baptiste Thoret. Lors de cet entretien, le réalisateur lui propose alors un voyage à la recherche de "son Ouest". Partir sur la route avec Michael Cimino, c'est se lancer dans un road movie de 2500 miles, de Los Angeles aux Rocky Moutains du Colorado, à travers les collines pelées du désert Mojave, Las Vegas, les ocres des buttes du Nevada, les premières neiges du Colorado et les stations services perdues au creux de l'americana... Cimino évoque dans ce livre unique ses débuts de cinéaste, sa passion de l'architecture, son amour de Ford, réagit aux lieux traversés, revient sur ses films, mais aussi ses projets avortés, ces nombreux scénarios écrits, puis ce silence que lui impose depuis quinze ans l'industrie hollywoodienne...

Michael Cimino. Les voix perdues de l'Amérique

Michael Cimino, les voix perdues de l'Amérique

Le cinéma américain des années 70

Le cinéma est un art populaire, aisé à diffuser et qui rassemble le plus large des publics. A l'heure des sorties de films mondiales, de l'explosion des dessins animés familiaux destinés aux enfants comme à leurs parents, le cinéma semble moins élitiste et moins codifié que les autres formes de la création contemporaine. Pourtant, les grands réalisateurs font sans cesse référence à leurs aînés, aux chefs-d'oeuvre qui les ont marqués, revendiquent une esthétique. Ce guide richement illustré propose d'analyser des oeuvres plus complexes qu'il n'y parait. Il s'adresse au cinéphile autant qu'au néophyte, pour comprendre les origines du cinéma, ses nouveaux courants et les tendances de demain.

Cinéma contemporain

Découvrez Talk about cinéma, le livre de Jean-Baptiste Thoret. This fresh, engaging volume?one of six in the Talk About series?provides the key ideas for a better understanding of today's cinematic style and the reference terms that are crucial to film studies, by challenging preconceived ideas and clichés about cinema.
It defines the main notions of contemporary film, outlines the advances and evolutions in the field since the turn of the twentieth century, and explores the main genres and styles, allowing the reader to contextualize different cinematic movements. From mannerism to social realism, sci-fi to teen movies, and "September 11th Syndrome" to the return of melodrama, all the major trends, evolutions, and styles of recent times are examined to create a detailed picture of the contemporary cinematic landscape. In addition, the major dates in its history are identified along with the industry's pioneers.
The author also deciphers twenty seminal films that changed the world of cinema and presents the portraits of thirty influential filmmakers. Original photographs of legendary actors and directors, both on set and screen, provide real insight into their glamorous world, and a glossary of key film terms, a selected bibliography, and an index complete the work. If you want to understand and talk about film-related topics, Talk About Cinema offers alternative ideas that address numerous time periods and movements, gathering all the essential facts in one didactic and readable volume.

Talk about cinéma

A la fin des années 60, le succès de Bonnie & Clyde d'Arthur Penn et d'Easy Rider de Dennis Hopper révèle l'existence d'un public jeune, exigeant, politisé par la guerre du Vietnam et souvent engagé dans les mouvements contestataires. Le moment est venu pour une nouvelle génération de prendre d'assaut la citadelle hollywoodienne. Débute alors un moment de grâce du cinéma américain, un nouvel âge d'or baptisé le "Nouvel Hollywood". Pendant une dizaine d'années euphoriques, de jeunes cinéastes, acteurs et producteurs réalisent des films audacieux, porteurs d'une vision du monde radicalement neuve parmi lesquels Little Big Man, La Horde sauvage, Une femme sous influence, Voyage au bout de l'enfer, Macadam Cowboy, Taxi Driver, Apocalypse Now, Phantom of the Paradise, Délivrance, Rosemary's Baby. Le Cinéma américain des années 70 constitue un guide précieux sur une période cinématographique prolifique et protéiforme. Organisé de façon chronologique et thématique, écrit dans un style vif, il aborde les thèmes communs qui se dégagent des films américains de cette décennie : irrespect des règles classiques de la narration, sympathie pour les marginaux, rapport frontal au sexe et à la violence, méfiance vis-à-vis de toutes les formes d'autorité. Les spectateurs reconnaissent une part d'eux-mêmes chez une nouvelle pléiade d'acteurs comme Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Faye Dunaway, Gena Rowlands, Jane Fonda ou Diane Keaton. Une génération montante de cinéastes cinéphiles, influencés par les nouvelles vagues des années 60, prend en main les rênes des studios, manifestant une liberté créatrice jamais atteinte jusqu'alors. Ils s'appellent Francis F. Coppola, Brian De Palma, Martin Scorsese, William Friedkin, Hal Ashby, Michael Cimino.

Sixième titre de la collection « Mode d'emploi », Cinéma hier, aujourd'hui, demain, conçu à la manière d'un guide, proposera une approche du cinéma sous plusieurs angles, à la fois historique, sociologique et esthétique.
Il donnera des clés pour comprendre mieux les courants actuels et les références cinématographiques qui nourrissent les films d'aujourd'hui ainsi que les nouvelles tendances, l'influence des jeux vidéo, de la 3D, etc.
Ludique et didactique, en toute fidélité à la collection, il proposera des entrées sous forme de grandes questions, défera les idées reçues et, bien sûr, dressera le portraits des trente cinéastes les plus marquants des XXe et XXIe siècles.
Plus de 200 illustrations de sources variées viendront appuyer les propos de l'auteur comprenant des photos de films, de tournages et des principaux événements, (festivals).

Cinéma, mode d'emploi

" Le producteur de films pornos ", " l'ange fou ", " le héros du pinku eiga ", le réalisateur de l'Armée Rouge, Koji Wakamatsu a récolté toute les sortes de surnoms au cours de sa longue carrière. Dénigré, censuré, acclamé, " l'enfant terrible du cinéma Japonais " n'a jamais cessé d'agiter les esprits à travers ses films mêlant sexualité, violence et engagement politique. Composé de plusieurs essais et d'un long entretien, ce recueil de textes fait part des réflexions du cinéaste sur l'industrie cinématographique, sa position à propos du conflit israélo-palestinien et des mouvements contestataires ainsi que sur son enfance, son passé de yakuza et les différentes rencontres qui l'ont amené à devenir le cinéaste de renommée internationale qu'il est aujourd'hui. Complété par deux textes inédits de Nagisa Oshima et du critique Jean-Baptiste Thoret, ce recueil passionnant révèle les facettes d'un artiste controversé dont chaque oeuvre est un véritable " hymne à la révolte ". Inclus le DVD du film La femme qui voulait mourir (1970, 112 min). Interdite au Japon, cette œuvre décrit les méandres d'un quatuor amoureux dans un pays en pleine modernisation.

Koji Wakamatsu - Cinéaste de la révolte

Auteur et réalisateur, Jean-Baptiste Thoret nous permet depuis 20 ans  de vivre, découvrir et connaître autrement le cinéma populaire, d'auteur,  français ou étranger, en particulier le cinéma américain des années 70 - le Nouvel Hollywood. Après avoir été critique dans la presse populaire  et spécialisée (Les Cahiers du Cinéma, Charlie Hebdo, Le Nouvel Obs,  Libé...), à la radio (France Culture) ; avoir animé des ciné-clubs (Centre  des arts d'Enghien), écrit plus d'une dizaine d'ouvrages (Le cinéma  américain des années 1970...) et réalisé 3 films (We blew it, Dario Argento -soupirs dans un corridor lointain, Michael Cimino - un mirage  américain), Jean-Baptiste Thoret recueille dans ce livre une somme de  morceaux choisis, écrits, essais, articles, chroniques, parus de ses débuts  jusqu'à aujourd'hui dans la presse, l'édition papier et vidéo. Qu'elle était  verte ma vallée offre sous la forme d'un robuste compagnon imprimé  de 500 pages, une somme, un précipité en ce début des années 2020 de  la réflexion, de la pensée singulière, profonde et chaleureuse de JeanBaptiste Thoret sur le Cinéma ; pour tous les cinéphiles, amateurs de  films, hardcores ou modestes connaisseurs du 7e art, mais aussi pour les  néophytes désireux d'être initiés aux arcanes de cet univers cinéphilique  perdu et toujours retrouvé.

Qu'elle était verte ma vallée

Avec Suspiria, en 1977, Dario Argento marque une étape fondamentale dans l'histoire du cinéma fantastique. Il a depuis réalisé le deuxième volet, Inferno (1980) puis conclu sa trilogie des mères avec La Terza Madre (2007). Des cinéastes, et non des moindres comme John Carpenter et Brian De Palma, avouent leur admiration pour lui et de nombreux amateurs lui vouent une sorte de culte. Italien, fils d'un producteur et d'une photographe, d'abord critique de cinéma, il coécrit le scénario de Il était une fois dans l'Ouest au moment où les genres hollywoodiens moribonds viennent chercher en Italie un second souffle. Depuis son premier film en 1969, L'Oiseau au plumage de cristal, il a principalement uvré à l'intérieur d'un genre, le giallo, récit criminel où la violence se teinte de sadisme, et caractérisé par des codes immuables, connus du spectateur qui vient y chercher des sensations fortes et jouir pleinement de sa peur. Mais loin de rester confinée à l'intérieur de ces frontières, l'oeuvre d'Argento, au confluent d'influences multiples, tant de la peinture maniériste, de l'art baroque que des nouvelles vagues européennes, constitue une synthèse entre la modernité et le cinéma de genre. De la modernité, il a su tirer une audace formelle, le goût de l'expérimentation, du cinéma de genre, il a conservé les personnages, criminels, victimes, enquêteurs, et les récits à base de complots occultes et de rituels sanglants. Argento a le goût de la greffe et du métissage entre matières nobles et triviales. Chez lui, l'opéra côtoie le roman-photo entre chef-d'uvre et chromo. La beauté des films d'Argento ne tient qu'à un fil, à condition que le spectateur croie ce qu'il voit, qu'il accepte que ses sens prennent le pas sur la raison. Alors, un monde nouveau et enchanteur prend naissance, le réel révèle une part d'énigme, le spectateur plonge au cur d'un cauchemar métaphysique.

Dario Argento. Magicien de la Peur

On appelle « New Hollywood » cette jeune génération politisée de réalisateurs, notamment par la guerre du Vietnam, qui a pris d'assaut à la fin des années 60 les inaccessibles grands studios d'Hollywood. Ce véritable essai en bande dessinée nous éclaire sur cet âge d'or et revient sur les points communs qui lient les oeuvres de Scorsese, Coppola, Altman, Peckinpah, Romero, Woody Allen et bien d'autres...

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