Le cinéma américain des années 70

Avril 2010. Le cinéaste américain Michael Cimino - Voyage au bout de l'enfer (1978), La Porte du Paradis (1980), L'Année du dragon (1985), Le Sicilien (1987)... - accepte une rencontre à Los Angeles avec le critique de cinéma Jean-Baptiste Thoret. Lors de cet entretien, le réalisateur lui propose alors un voyage à la recherche de "son Ouest". 
Partir sur la route avec Michael Cimino, c'est se lancer dans un road movie de 2500 miles, de Los Angeles aux Rocky Moutains du Colorado, à travers les collines pelées du désert Mojave, Las Vegas, les ocres des buttes du Nevada, les premières neiges du Colorado et les stations services perdues au creux de l'americana... 
Cimino évoque dans ce livre unique ses débuts de cinéaste, sa passion de l'architecture, son amour de Ford, réagit aux lieux traversés, revient sur ses films, mais aussi ses projets avortés, ces nombreux scénarios écrits, puis ce silence que lui impose depuis quinze ans l'industrie hollywoodienne...

Michael Cimino. Les voix perdues de l'Amérique

A la fin des années 60, le succès de Bonnie & Clyde d'Arthur Penn et d'Easy Rider de Dennis Hopper révèle l'existence d'un public jeune, exigeant, politisé par la guerre du Vietnam et souvent engagé dans les mouvements contestataires. Le moment est venu pour une nouvelle génération de prendre d'assaut la citadelle hollywoodienne. Débute alors un moment de grâce du cinéma américain, un nouvel âge d'or baptisé le "Nouvel Hollywood". Pendant une dizaine d'années euphoriques, de jeunes cinéastes, acteurs et producteurs réalisent des films audacieux, porteurs d'une vision du monde radicalement neuve parmi lesquels Little Big Man, La Horde sauvage, Une femme sous influence, Voyage au bout de l'enfer, Macadam Cowboy, Taxi Driver, Apocalypse Now, Phantom of the Paradise, Délivrance, Rosemary's Baby. Le Cinéma américain des années 70 constitue un guide précieux sur une période cinématographique prolifique et protéiforme. Organisé de façon chronologique et thématique, écrit dans un style vif, il aborde les thèmes communs qui se dégagent des films américains de cette décennie : irrespect des règles classiques de la narration, sympathie pour les marginaux, rapport frontal au sexe et à la violence, méfiance vis-à-vis de toutes les formes d'autorité. Les spectateurs reconnaissent une part d'eux-mêmes chez une nouvelle pléiade d'acteurs comme Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Faye Dunaway, Gena Rowlands, Jane Fonda ou Diane Keaton. Une génération montante de cinéastes cinéphiles, influencés par les nouvelles vagues des années 60, prend en main les rênes des studios, manifestant une liberté créatrice jamais atteinte jusqu'alors. Ils s'appellent Francis F. Coppola, Brian De Palma, Martin Scorsese, William Friedkin, Hal Ashby, Michael Cimino.

Le nom de Sergio Leone est attaché au western, version italienne, à qui il donna ses lettres de noblesse. Sortis dans les années soixante, Il était une fois dans l'Ouest, Le Bon, la Brute et le Truand ou Pour une poignée de dollars sont des films universellement connus, toutes générations confondues, qui influencent aujourd'hui encore de grands cinéastes américains tels Francis Ford Coppola, Martin Scorsese ou Quentin Tarantino, et au-delà même du cinéma les images de la bande dessinée ou de la publicité. Clint Eastwood, cigarillo coincé entre les dents et poncho défraîchi sur les épaules, est devenu une icône et les ritournelles entêtantes d'Ennio Morricone sont aujourd'hui des classiques. Leone, styliste brillant dont on reconnaît chaque plan, est le créateur d'un univers ludique et violent où les chasseurs de primes, volontiers picaresques, s'affrontent dans des duels filmés comme des opéras lyriques. La critique n'a longtemps vu en lui qu'un formaliste surdoué, voire le profanateur d'un genre sacré, le western. Il est aujourd'hui considéré comme l'artisan de son second souffle, revisitant et revivifiant ses codes et sa mythologie. A la fois grands films populaires et véritables leçons de cinéma, les films de Sergio Leone sont de ceux qui réconcilient le grand public avec le cinéma d'auteur.

Sergio Leone

Panorama des métamorphoses survenues dans le cinéma américain à partir de la fin des années 1960, privilégiant deux paramètres pour analyser la période 1967 à 1980 : l'espace et l'énergie.

Sixième titre de la collection « Mode d'emploi », Cinéma hier, aujourd'hui, demain, conçu à la manière d'un guide, proposera une approche du cinéma sous plusieurs angles, à la fois historique, sociologique et esthétique.
Il donnera des clés pour comprendre mieux les courants actuels et les références cinématographiques qui nourrissent les films d'aujourd'hui ainsi que les nouvelles tendances, l'influence des jeux vidéo, de la 3D, etc.
Ludique et didactique, en toute fidélité à la collection, il proposera des entrées sous forme de grandes questions, défera les idées reçues et, bien sûr, dressera le portraits des trente cinéastes les plus marquants des XXe et XXIe siècles.
Plus de 200 illustrations de sources variées viendront appuyer les propos de l'auteur comprenant des photos de films, de tournages et des principaux événements, (festivals).

Cinéma, mode d'emploi

22 novembre 1963 : John F. Kennedy est assassiné à Dallas. A l'aide d'une caméra Super 8, Abraham Zapruder filme l'explosion du crâne du président. 26 secondes au cours desquelles l'Amérique bascule. Ce film spectaculaire, censé détenir la vérité de l'événement, fait l'objet d'exégèses inépuisables qui ne débouchent sur aucune vérité. Bien au contraire, le délire interprétatif infini auquel il soumet les regards des Américains, convaincus de devenir les témoins d'un moment charnière de leur histoire, semble faire sombrer le pays dans l'imagination d'une conspiration aux ramifications invisibles. 26 secondes d'un home movie qui porte alors un coup fatal au principe de transparence sur lequel sont fondés la société américaine et le cinéma hollywoodien. Rapidement, le film de Zapruder devient l'emblème d'une innocence perdue et l'une des matrices fondamentales de l'histoire moderne des images. Ses figures et les fantasmes qu'il déclenche (le sniper caché, l'explosion du crâne, la théorie du complot...) engendrent, en déplaçant la violence au centre de l'image, les métamorphoses du cinéma américain de la fin des années soixante. Ce dernier invente de nouvelles formes, repérables tant dans les films d'Arthur Penn, de Brian De Palma et de Clint Eastwood que dans le film d'horreur réaliste. 11 septembre 2001 : les deux tours du World Trade Center s'effondrent, sous les mille yeux des caméras de télévision. Un cycle s'achève. En quoi ces deux événements sont-ils jumeaux ? De quelle singularité américaine sont-ils dépositaires ? De l'un à l'autre, une même question se pose : comment se tisse le rapport des faits les plus brutaux de l'histoire américaine avec la fabrication continue, via le cinéma, de sa mythologie

26 secondes. L'Amérique éclaboussée

Cet essai montre en quoi le film de Tobe Hopper, Massacre à la tronçonneuse, s'inscrit dans une période où l'Amérique subit le contrecoup de la guerre du Viêt Nam, de l'assassinat de Kennedy et de Luther King, et entre dans l'ère du doute.

Le cinéma américain des années 70

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