Le cinéma américain des années 70

Cet essai montre en quoi le film de Tobe Hopper, Massacre à la tronçonneuse, s'inscrit dans une période où l'Amérique subit le contrecoup de la guerre du Viêt Nam, de l'assassinat de Kennedy et de Luther King, et entre dans l'ère du doute.

Une expérience américaine du chaos. 'Massacre à la tronçonneuse' de Tobe Hooper

En onze films, Michael Mann a su tracer au sein de l'industrie hollywoodienne une ligne singulière et novatrice. Heat, Révélations, Ali, Collateral, Miami Vice, ou encore Public Enemies ont rebattu les cartes du cinéma américain au point de faire de Mann l'un des cinéastes les plus importants de ces trente dernières années. Quelques plans suffisent pour reconnaître son style : une prédilection pour les univers urbains et cristallins, et en particulier Los Angeles, dont il a su renouveler l'image ; un goût pour les hommes solitaires et concentrés ; une manière contemplative de filmer qui allie fascination et mélancolie. Né en 1943 à Chicago, Michael Mann réalise son premier film en 1981 (Le Solitaire). Il révolutionne l'écriture télévisuelle avec la série Deux flics à Miami et, en 1995, signe avec Heat le 2001 du polar. Comment un cinéaste de la génération du Nouvel Hollywood est-il parvenu à trouver ses marques au sein d'une décennie, les années 1980, qui en constituait la négation ? Que signifie son obsession pour le monde du crime et ces professionnels prêts à tout sacrifier à leur travail ? Quels sont ces mirages du contemporain que son cinéma rend sensibles ?

Michael Mann - Mirages du contemporain

En 1968, un jeune cinéaste de Pittsburgh, George A. Romero, réalise un petit film en noir et blanc qui révolutionne le cinéma fantastique. Avec la Nuit des morts-vivants, premier volet d'une tétralogie poursuivie jusqu'en 2005 avec Land of the Dead, Romero dépoussière le genre de ses oripeaux mythologiques et, à l'heure de la guerre du Vietnam et des révoltes sociales, invente l'une des figures politiques majeures du cinéma américain de ces quarante dernières années. Métaphore limpide et permanente d'une Amérique en proie à un refoulé qui fait retour, le zombie est ainsi devenu l'être buvard d'une nation obsédée par la question de l'Autre et la définition du Mal. Si, comme le déclare à l'envi les personnages de la série, " Ils sont comme nous ", à quoi ressemblons-nous ? De quelle vision du monde, ces morts-vivants sont-ils dépositaires ? Quelle image critique de la société nous renvoient-ils ? Autant de questions auxquelles ce livre tente de répondre.

Politique des zombies. L'Amérique selon George A. Romero

22 novembre 1963 : John F. Kennedy est assassiné à Dallas. A l'aide d'une caméra Super 8, Abraham Zapruder filme l'explosion du crâne du président. 26 secondes au cours desquelles l'Amérique bascule. Ce film spectaculaire, censé détenir la vérité de l'événement, fait l'objet d'exégèses inépuisables qui ne débouchent sur aucune vérité. Bien au contraire, le délire interprétatif infini auquel il soumet les regards des Américains, convaincus de devenir les témoins d'un moment charnière de leur histoire, semble faire sombrer le pays dans l'imagination d'une conspiration aux ramifications invisibles. 26 secondes d'un home movie qui porte alors un coup fatal au principe de transparence sur lequel sont fondés la société américaine et le cinéma hollywoodien. Rapidement, le film de Zapruder devient l'emblème d'une innocence perdue et l'une des matrices fondamentales de l'histoire moderne des images. Ses figures et les fantasmes qu'il déclenche (le sniper caché, l'explosion du crâne, la théorie du complot...) engendrent, en déplaçant la violence au centre de l'image, les métamorphoses du cinéma américain de la fin des années soixante. Ce dernier invente de nouvelles formes, repérables tant dans les films d'Arthur Penn, de Brian De Palma et de Clint Eastwood que dans le film d'horreur réaliste. 11 septembre 2001 : les deux tours du World Trade Center s'effondrent, sous les mille yeux des caméras de télévision. Un cycle s'achève. En quoi ces deux événements sont-ils jumeaux ? De quelle singularité américaine sont-ils dépositaires ? De l'un à l'autre, une même question se pose : comment se tisse le rapport des faits les plus brutaux de l'histoire américaine avec la fabrication continue, via le cinéma, de sa mythologie

26 secondes. L'Amérique éclaboussée

Avec Suspiria, en 1977, Dario Argento marque une étape fondamentale dans l'histoire du cinéma fantastique. Il a depuis réalisé le deuxième volet, Inferno (1980) puis conclu sa trilogie des mères avec La Terza Madre (2007). Des cinéastes, et non des moindres comme John Carpenter et Brian De Palma, avouent leur admiration pour lui et de nombreux amateurs lui vouent une sorte de culte. Italien, fils d'un producteur et d'une photographe, d'abord critique de cinéma, il coécrit le scénario de Il était une fois dans l'Ouest au moment où les genres hollywoodiens moribonds viennent chercher en Italie un second souffle. Depuis son premier film en 1969, L'Oiseau au plumage de cristal, il a principalement uvré à l'intérieur d'un genre, le giallo, récit criminel où la violence se teinte de sadisme, et caractérisé par des codes immuables, connus du spectateur qui vient y chercher des sensations fortes et jouir pleinement de sa peur. Mais loin de rester confinée à l'intérieur de ces frontières, l'oeuvre d'Argento, au confluent d'influences multiples, tant de la peinture maniériste, de l'art baroque que des nouvelles vagues européennes, constitue une synthèse entre la modernité et le cinéma de genre. De la modernité, il a su tirer une audace formelle, le goût de l'expérimentation, du cinéma de genre, il a conservé les personnages, criminels, victimes, enquêteurs, et les récits à base de complots occultes et de rituels sanglants. Argento a le goût de la greffe et du métissage entre matières nobles et triviales. Chez lui, l'opéra côtoie le roman-photo entre chef-d'uvre et chromo. La beauté des films d'Argento ne tient qu'à un fil, à condition que le spectateur croie ce qu'il voit, qu'il accepte que ses sens prennent le pas sur la raison. Alors, un monde nouveau et enchanteur prend naissance, le réel révèle une part d'énigme, le spectateur plonge au cur d'un cauchemar métaphysique.

Dario Argento. Magicien de la Peur

Avril 2010. Le cinéaste américain Michael Cimino - Voyage au bout de l'enfer (1978), La Porte du Paradis (1980), L'Année du dragon (1985), Le Sicilien (1987). - accepte une rencontre à Los Angeles avec le critique de cinéma Jean-Baptiste Thoret. Lors de cet entretien, le réalisateur lui propose alors un voyage à la recherche de "son Ouest". 

Partir sur la route avec Michael Cimino, c'est se lancer dans un road movie de 2500 miles, de Los Angeles aux Rocky Moutains du Colorado, à travers les collines pelées du désert Mojave, Las Vegas, les ocres des buttes du Nevada, les premières neiges du Colorado et les stations services perdues au creux de l'americana. 

Cimino évoque dans ce livre unique ses débuts de cinéaste, sa passion de l'architecture, son amour de Ford, réagit aux lieux traversés, revient sur ses films, mais aussi ses projets avortés, ces nombreux scénarios écrits, puis ce silence que lui impose depuis quinze ans l'industrie hollywoodienne.

Michael Cimino, les voix perdues de l'Amérique

L'Amérique a tout de suite eu besoin du cinéma : pour tirer le portrait de tout un peuple d e migre s venus bâtir une nation. Pour s'imposer comme le pays de la liberté. Pour saisir comme dans un miroir grands espaces, ciels bleus et routes a perte de vue, autant de promesses de trajets initiatiques. Des Raisins de la colère a La Balade sauvage, de la fin des Temps modernes à Easy Rider, de New York-Miami a Route One/USA, le road movie un drôle de genre qui doit beaucoup au western et veut encore y croire s'est confronté a cette immensité du continent, lieu de tous les fantasmes, de toutes les de mesures, de tous les paradoxes. Paradoxe de voyages qui en chemin n en finissent pas de retrouver les traces du passe . Paradoxe d'aventures qui se révèlent toutes, pour le meilleur et pour le pire, une expérience intérieure, un aller sans retour, voire une hallucination. Paradoxe de films qui voudraient prendre la mesure d'un pays gigantesque comme une carte rêve de correspondre à son territoire.

Road Movie, USA

Auteur et réalisateur, Jean-Baptiste Thoret nous permet depuis 20 ans  de vivre, découvrir et connaître autrement le cinéma populaire, d'auteur,  français ou étranger, en particulier le cinéma américain des années 70 - le Nouvel Hollywood. Après avoir été critique dans la presse populaire  et spécialisée (Les Cahiers du Cinéma, Charlie Hebdo, Le Nouvel Obs,  Libé...), à la radio (France Culture) ; avoir animé des ciné-clubs (Centre  des arts d'Enghien), écrit plus d'une dizaine d'ouvrages (Le cinéma  américain des années 1970...) et réalisé 3 films (We blew it, Dario Argento -soupirs dans un corridor lointain, Michael Cimino - un mirage  américain), Jean-Baptiste Thoret recueille dans ce livre une somme de  morceaux choisis, écrits, essais, articles, chroniques, parus de ses débuts  jusqu'à aujourd'hui dans la presse, l'édition papier et vidéo. Qu'elle était  verte ma vallée offre sous la forme d'un robuste compagnon imprimé  de 500 pages, une somme, un précipité en ce début des années 2020 de  la réflexion, de la pensée singulière, profonde et chaleureuse de JeanBaptiste Thoret sur le Cinéma ; pour tous les cinéphiles, amateurs de  films, hardcores ou modestes connaisseurs du 7e art, mais aussi pour les  néophytes désireux d'être initiés aux arcanes de cet univers cinéphilique  perdu et toujours retrouvé.

Le cinéma américain des années 70

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