Cette étude d’histoire de l’art est l’une des premières à envisager le décor de théâtre non seulement comme support d’une action dramatique mais aussi comme une image artistique dans un espace. Elle s’appuie pour cela sur un corpus peu connu : les esquisses de décors du Mémoire de Laurent Mahelot, réalisées pour le théâtre de l’Hôtel de Bourgogne, qui regroupent notamment 47 dessins réattribués à l’artiste scénographe Georges Buffequin, peintre du Roi au service de Richelieu. Ces lavis offrent un témoignage précieux de l’esthétique baroque française des années 1630-1640 et de l’influence particulière du théâtre italien.Ces images de «feintes» (pour reprendre le terme employé au XVIIe siècle), sont rapprochées et mises en parallèle avec la première grande controverse de cette période : celle de la Querelle du Cid autour de la règle des trois unités qui opposa les partisans de l’écriture «régulière» aux «irréguliers». Cette controverse, irriguée par les réflexions des humanistes italiens du XVIe siècle, compose le débat théorique fondamental qui anime la pensée artistique française pendant les années du règne de Richelieu, puis une bonne partie du XVIIe siècle. La publication dans cet ouvrage du « Discours à Cliton sur les Observations du Cid« , servira de base à l’étude de l’esthétique de la variété, qui apparaît aux yeux de la critique d’aujourd’hui comme étant constitutive du baroque, et à laquelle, vers 1630, vont s’opposer avec une certaine force, les partisans de la poétique composée dans les règles aristotéliciennes de l’art, ceux que l’on qualifiera de «classiques».Collection d’histoire de l’art n° 12 – Version remaniée d’une thèse de doctorat en histoire de l’art sur l’iconologie des décors de théâtre, ou « feintes », en France au XVIIe siècle.

Feinte baroque: Esthétique et iconographie de la variété au XVIIe siècle

Palais et institution, cadre de l'événement et de la permanence, lieu où se matérialisent à la fois une doctrine et des pratiques, le Palazzo Mancini, siège de l'Académie de France à Rome de 1725 à 1804, est aussi un endroit extrêmement perméable : lieu de passage, d'échanges, de sociabilité, ouvert sur Rome, Paris et l'Europe. Cet ouvrage a pour objet d'étudier le palais et l'institution qu'il abrite, son fonctionnement, ses acteurs, ses pratiques. Ces dernières sont évaluées non seulement pour l'activité des artistes - pensionnaires et indépendants - au sein de l'Académie (travail et visites d'atelier, voyages d'étude...), mais aussi dans leurs relations avec la ville de Rome (institutions, cercles, botteghe d'une part, manifestations éphémères et récurrentes telles que fêtes et expositions de l'autre), et avec les milieux étrangers de la Ville (institutions et communautés étrangères). Enfin, elles envisagent la question du marché et du devenir des oeuvres, à travers la collaboration des artistes avec le foyer artistique romain, les relations avec les voyageurs du Grand Tour et leurs agents, et la diffusion des oeuvres en France et à l'étranger (expositions publiques, acquisitions de l'Etat et constitution de collections privées).

L'Académie de France à Rome - Le palais Mancini : un foyer artistique dans l'Europe des Lumières (1725-1792)

Dans le Nord de l'Italie, les montagnes de Lombardie et du Piémont abritent d'extraordinaires lieux de pèlerinage, édifiés à partir du XVe siècle. Ce sont les Sacri Monti, des ensembles architecturaux uniques en leur genre, donnant à voir, grandeur nature, des scènes de l'histoire religieuse catholique. Après le Concile de Trente et durant tout le XVIIe siècle, les Monts Sacrés devinrent un des principaux vecteurs de la Contre-Réforme en Italie, face à la poussée des idées de Luther. Comment convaincre le pèlerin, comment renforcer sa foi ? Par l'image, répondent les réformateurs catholiques, Carlo Borromeo en tête. Alors, dans une profusion baroque, les Monts Sacrés enflamment une spiritualité populaire, le pèlerin spectateur de ce théâtre immobile devenant aussi acteur du drame sacré, aux côtés de Pilate, d'Hérode, de la Vierge ou du Christ. Ce n'est plus un fidèle, mais un témoin... L'Autre Monde a choisi les trois plus beaux Monts Sacrés, Varallo. Orta et Varèse, pour vous faire découvrir, à travers les magnifiques photographies de Giovanni Ricci-Novara, ces lieux magiques, inscrits au patrimoine mondial de l'Humanité par l'UNESCO depuis 2003.

Sacri Monti - Incandescence baroque en Italie du Nord

Arts en cour - Les Gardes-Meubles en Europe (XVIe-XXIe siècles)

Au XVIIe siècle, le dialogue culturel entre Rome et Paris s’intensifie. 1640 est une année charnière pour l’État monarchique français, et Paris affirme une volonté de rayonnement artistique et politique, à l’instar de Rome. Le transfert culturel se fait grâce à de nombreux échanges entre les deux capitales, et Paris connaît une véritable renaissance des arts.Depuis le voyage d’artistes français à Rome et leur retour plus ou moins différé (Simon Vouet, Nicolas Poussin, Jacques Stella…), jusqu’au voyage d’Italiens en France (Orazio Gentileschi, Giovanni Francesco Romanelli, les Francini et autres hommes de théâtre, les assistants du Bernin…), les artistes et les commanditaires, les marchands et les collectionneurs n’ont de cesse de faire dialoguer les arts entre les deux pays.Mais au-delà de ces échanges, il y a de la part de la France un désir de supplanter Rome dans sa suprématie artistique et politique sur l’Europe. Les cardinaux Richelieu et Mazarin s’inspirent ainsi des grandes familles romaines, notamment des Barberini, pour développer les arts à Paris : commandes, collections, arts de la scène trouvent dans les années 1640 un nouvel essor.Pour saisir cette émergence, les échanges entre les deux pays et les deux villes sont abordés sous plusieurs aspects : le voyage des artistes et des intermédiaires, le déplacement des modèles et des théories de l’art, la réception et l’adaptation des artistes et des modèles. L’analyse de ces transferts culturels permet, par une approche pluridisciplinaire, d’aborder de manière plus précise la question du mouvement des idées, des artistes et des œuvres au XVIIe siècle.Collection d’histoire de l’art n° 11 – Actes du colloque « Rome-Paris, 1640. Transferts culturels et renaissance d’un centre artistique », Rome, Villa Médicis, du 17 au 19 avril 2008.

Rome-Paris 1640

Depuis 1964, l'Atelier de Recherche et de Création du Mobilier national est à l'écoute des designers pour réaliser des oeuvres atypiques, singulières voire symboliques ou plus simplement fonctionnelles, décoratives.
Depuis 50 ans, une petite équipe d'artisans-techniciens d'art, passionnée et ingénieuse, se met au service des projets parfois totalement innovants. Mais, plus généralement, elle travaille à la fabrication de meubles qui vont constituer une image et une représentation du pouvoir politique. En effet, chacun des objets réalisés vient prendre place dans les bureaux des plus hautes autorités de l'Etat français.
Durant ces cinquante dernières années, artiste-designers et artisans d'art ont tenté de répondre à la question d'un design au service du pouvoir. Une vaste problématique qui s'est déclinée en autant de variations autour de la fonctionnalité et de la forme pour servir le pouvoir et son image.
La publication aborde en premier lieu la question de l'imaginaire et les productions du design du pouvoir, pour, dans un second temps mieux envisager la production de l'ARC depuis 50 ans qui s'inscrit dans une temporalité particulière.

Le design du pouvoir ;  l'atelier de recherche et de création du mobilier national

Contributions sur la conception de l’Antiquité au XVIIe siècle, sur le rôle des textes antiques et des vestiges de sculptures et architectures antiques visibles à Rome dans la formation de l’esthétique et la sensibilité à l’art antique de Nicolas Poussin, et sur la postérité de l’intérêt de l’artiste pour l’antique.Nicolas Poussin a construit un imaginaire de l’Antiquité en collectant ses sources aussi bien dans le domaine visuel (gravure, architecture, sculpture) que littéraire, et ses lettres comme ses œuvres portent la marque indélébile de la pensée et des motifs antiques.La création picturale de l’artiste a déjà été envisagée de bien des façons. Ses relations avec la France et l’Italie, les différents thèmes déployés dans ses tableaux, la représentation de la nature, sont autant de sujets analysés par les spécialistes. Cette publication a pour objectif de faire le point plus spécifiquement sur le rapport de Poussin vis-à-vis de l’Antiquité. Elle propose une lecture de la culture romaine de l’antique au XVIIe siècle avec en toile de fond le souci de penser les créations poussiniennes comme une fabrique où se rencontrent différentes expérimentations, aussi bien à partir des textes que des connaissances contemporaines de l’art ancien. Un des fils conducteurs de cette publication est en effet de montrer que l’œuvre de Poussin ne s’inscrit pas uniquement dans une logique de l’emprunt et de l’influence, mais également dans une pratique de l’assemblage, propre au travail d’atelier.En s’engageant davantage dans le processus de création de l’artiste, l’ouvrage cherche à saisir sa manière de travailler, entre les modèles antiques disponibles et les réutilisations qu’il opère dans ses œuvres. Enfin, il envisage la postérité de cette manière propre à Poussin de concevoir l’Antiquité.Collection d’histoire de l’art n° 14 – Actes du colloque « Poussin et l’antique », Rome, Villa Médicis, des 13 et 14 novembre 2009.

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