Recourant depuis ses débuts aux technologies numériques les plus avancées, Ross Lovegrove défend une vision globale du design qui puise dans la biologie, l'anthropologie et l'écologie. L'économie des matériaux, l'utilisation minimale d'énergie, la tension des formes réduites à l'essentiel ont nourri une démarche qu'il qualifie d'« essentialisme organique ». Par le lien qu'il établit entre les technologies numériques, la science des matériaux et la nature, Ross Lovegrove questionne la place de l'homme dans un environnement en pleine mutation.

Ross Lovegrove

Ettore Sottsass, l'objet magique

La collection du FRAC Centre se donne comme un questionnement sur le rapport qu'entretiennent l'art et l'architecture. A travers les oeuvres de 65 artistes, de Dan Graham à Matta-Clark, de Charles Simonds à Kader Attia, d'Andreas Gursky à Berdaguer & Péjus, elle interroge la manière avec laquelle la production artistique des années 1960 à aujourd'hui s'est nourrie de l'architecture. La collection du FRAC Centre comprend également des réalisations exemplaires d'espace public, ainsi Les Deux Plateaux de Daniel Buren : des projets de James Turrell, Vito Acconci ou Tadashi Kawamata. Une douzaine d'essais (B. Blistène, M.-A. Brayer, T. Davila, E. During, P. Ursprung, etc.) nous apportent un éclairage approfondi sur ces enjeux, du modernisme du début du XXe siècle à l'architecture-sculpture, de l'art conceptuel aux pratiques artistiques actuelles. Après les ultimes avant-gardes des années 1960-1970, qui remirent en question la notion de projet architectural, les artistes vont renouer avec une vision critique de l'architecture. Photographies, films, dessins, installations, s'approprient l'architecture comme archétype, substrat iconique, référent historique. De la maquette aux installations architecturales à l'échelle 1 : 1, les artistes s'emparent de l'architecture dans sa dimension d'utopie, questionnant par là notre rapport au monde. La collection du FRAC Centre nous fait découvrir des oeuvres qui renouent avec la capacité critique de l'architecture. Cette collection apparaît comme un domaine de réflexion ouvert où art et architecture convergent dans une même aspiration à repenser l'espace social et politique.

Art & Architecture - Collection du FRAC Centre

Archilab

I've heart about - R&Sie(n)

Première monographie française consacrée à Ugo La Pietra, cet ouvrage présente les recherches d'une figure essentielle de la scène radicale des années 1960 et 1970. Artiste, architecte, designer, Ugo La Pietra (né en 1938 en Italie) s'engagea dans une critique du monde contemporain à travers un vaste programme alternatif, "le Système déséquilibrant". Environnements audiovisuels, interventions dans la ville et installations proposent une expérimentation nouvelle de l'espace tout en bouleversant le rapport traditionnel "oeuvre-spectateur". Dans le sillage du situationnisme, il arpente la périphérie de Milan, tel un anthropologue de la ville que chaque habitant devrait pouvoir se réapproprier : "Habiter, c'est être partout chez soi". A travers des essais inédits et une iconographie exceptionnelle, cette publication met en perspective le parcours artistique d'un créateur hors norme, qui renouvelle durablement le territoire de l'imaginaire architectural.

Ugo La Pietra - Habiter la ville

Entre expérimentation et radicalisme, transcendant les oppositions entre industrie et artisanat, le design italien ouvre la voie à une autre approche de l'objet, au-delà du fonctionnalisme, renouvelant la relation avec l'environnement domestique. Après l'esthétique rationaliste (Pagano, Albini) des années 1930-1940, le design industriel italien connaît un succès international dès les années 1950 (Sottsass, Borsani, Colombo, Castiglioni, etc.). Des utopies critiques portées par l'architecture radicale (Archizoom, Superstudio, Pettena, Ugo La Pietra) à la " réappropriation " des objets (Enzo Mari, Riccardo Dalisi), le design italien s'ouvre à la " création collective " dans les années 1970. Le catalogue se décline en dix chapitres : Rationalisme, Design organique, Généalogie de l'assise, Luminaires, Design industriel, Design radical, Des radicaux au style Memphis, Ville post-moderne, avec un focus sur deux figures majeures du design, Ettore Sottsass et Andrea Branzi. Les essais restituent l'histoire unique du design italien, de la récupération d'objets anonymes, ainsi que la selle de tracteur des frères Castiglioni dans les années 1950, transformée en assise, aux théâtres ébouriffants d'objets de Memphis au début des années 1980.

Futurissimo - L'utopie du design italien 1930-2000

L'avènement du numérique a profondément modifié le rôle de l'ornement dans le design. L'ornement n'est plus simple motif, mais se déploie comme une "forme animée" (Greg Lynn). Au croisement des sciences informatiques et de la biologie, les designers réalisent l'aide d'impressions 3D des objets calculés partir des principes de croissance de la nature. Dans toutes ces réalisations, la dimension générative de la nature a conféré l'ornement un rôle structurel nouveau. Cet ouvrage raconte une histoire inédite du design, entre végétal et ornement, nature et artifice. Le rôle de l'ornement y est exploré dans sa dimension de morphogenèse où l'objet ne cesse de se transformer travers une dynamique évolutive de formes. Trait d'union "entre le naturel et le surnaturel" (Etienne Souriau), l'ornement ouvre alors sur la notion de "merveilleux".

Design et merveilleux : de la nature de l'ornement

Fantasmapolis, la ville contemporaine et ses imaginaires est le fruit d'une réflexion sur la ville à l'ère de la globalisation. L'exposition réalisée dans ce cadre réunit des artistes qui abordent la ville contemporaine dans des perspectives utopiques, critiques ou poétiques. L'association de leurs œuvres crée un paysage urbain fantasmagorique plutôt qu'elle ne témoigne d'un regard documentaire. La circulation accrue des personnes et la communication accélérée des informations transforment les espaces urbains en lieux de transit où l'individu tend à disparaître. Reste alors un décor architectural immobile, suspendu dans le temps et dans l'espace. Les artistes proposent des visions de villes décontextualisées : cités existantes ou imaginaires, elles forment un univers urbain fantasmé. Conçu à la fois comme un complément de l'exposition et un ouvrage théorique, ce catalogue rassemble des textes qui reflètent une recherche pluridisciplinaire autour de la ville contemporaine. Valérie Mavridorakis et David Perreau introduisent la publication en résumant la problématique de Fantasmapolis. Évoquant la globalisation, Elvan Zabunyan inscrit le propos de l'exposition dans une perspective postcoloniale. Un texte de Lieven de Cauter présente les processus de théâtralisation qui affectent l'urbanité. Bruce Bégout se livre à une investigation philosophique de Las Vegas, emblème de la ville décor. Un entretien avec l'architecte et urbaniste Serge Wachter permet de soulever des questions relatives au transit urbain. Marie-Ange Brayer analyse l'utilisation de la maquette d'architecture dans l'art contemporain. Enfin, un écrit inédit de Bodys Isek Kingelez complète cet espace de réflexion et introduit les notices consacrées aux artistes.

Fantasmapolis - La ville contemporaine et ses imaginaires

Ce catalogue retrace l'aventure de la modernité en France dans les années 1920-1930 à travers la révolution de l'intérieur domestique. L'ornementation des salons fait place a l'équipement moderne. Autour de l'UAM (Union des artistes modernes), qui réunit les grands noms de la modernité (Robert Mallet-Stevens, Le Corbusier, Charlotte Perriand, Sonia Delaunay, Francis Jourdain, Pierre Chareau, Eileen Gray, etc.), les créateurs appellent à libérer l'espace et réalisent les premiers "équipements", dans lesquels les objets s'intègrent à l'architecture ; ils font l'éloge de la dynamique des corps à travers le sport et l'hygiénisme, et ouvrent l'intérieur sur l'extérieur. A travers de nombreux essais et une riche iconographie, cette publication explore les facettes de l'intérieur moderne en France : son héritage des arts décoratifs, sa dimension syncrétique, l'esthétique du paquebot et de la machine, la quête du confort, le rôle de la lumière et de la couleur, les salons de l'UAM, la chambre d'enfant, entre refuge et exploration du monde, ainsi que la nature comme élément décoratif et artifice. Trois intérieurs majeurs des années 1920 sont mis en avant : la villa Noailles de Robert Mallet-Stevens, la Maison de verre de Pierre Chareau et la villa E1027 d'Eileen Gray.

Intérieurs modernes 1920-1930

Avec cette édition 2013 (la dernière en 2008), Archilab renoue avec la prospective autour de la nature et de l'architecture. Après la révolution numérique des années 2000, qui redéfinit en profondeur les conditions de production de l'architecture, une nouvelle génération de concepteurs – artistes, architectes, designers – développe aujourd'hui une pratique à la croisée des sciences informatiques, de l'ingénierie et de la biologie... L'architecture se joue désormais au niveau de la "matière", qui se révèle performante et capable d'effacer la distinction entre nature et artifice, inaugurant un nouvel ordre – celui de l'hybridation. Comment penser cette nouvelle écologie du design, condition tout autant architecturale que politique et culturelle, au sein de laquelle nature et architecture se confondent ? Organisé autour de quatre thématiques (Rustique, Géométrique, Organique, Ecophysique), c'est à cette question que ce livre propose de répondre avec les auteurs et les projets de 40 architectes, artistes et designers internationaux aujourd'hui à la pointe de l'innovation scientifique.

Naturaliser l'architecture

Cet ouvrage propose une traversée des expérimentations architecturales et urbaines au sein de la collection du FRAC Centre, des années 1950 à nos jours. A travers les projets emblématiques de quelque 150 architectes et une dizaine d'essais (M.-A. Brayer, F. Migayrou, M. Ragon, M. Wigley, G. Teyssot, etc.), ce livre révèle les approches radicales et visionnaires qui ont bouleversé l'architecture et l'urbanisme de la seconde moitié du XXe siècle. Au cours des années 1960, de nombreux courants contestataires voient le jour. L'architecture est remise en question comme champ disciplinaire et s'ouvre à des pratiques conceptuelles ou artistiques. La collection du FRAC Centre réunit les projets les plus marquants de l'architecture radicale, d'Archigram à Superstudio, de Coop Himmelb(l)au à Archizoom. Villes spatiales (Yona Friedman), habitats en plastique (lonel Schein), structures gonflables, architectures mobiles, mégastructures se donnent moins comme des utopies que comme les vecteurs d'un "réalisme absolu" (Andrea Branzi). "Tout est architecture", déclare Hans Hollein en 1963. La collection du FRAC Centre rassemble aussi les projets emblématiques de la déconstruction des années 1980 : Daniel Libeskind, Bernard Tschumi, Zaha Hadid... Elle comprend de véritables icônes de l'architecture contemporaine, du Living-Pod de David Greene (Archigram) à Delirious New York de Rem Koolhaas ; de l'église Sainte-Bernadette-du-Banlay de Claude Parent et Paul Virilio (Architecture Principe) aux supermarchés de SITE (James Wines). Le FRAC Centre a acté le changement paradigmatique provoqué par le développement des technologies numériques dans les années 1990. Sa collection témoigne de ces voies multiples de prospection, architecture "non standard" (F. Migayrou) ou "matérialisme digital", dressant une cartographie de la recherche sur un plan international (Gramazio & Kohler, BIOTHING, Neri Oxman, Marc Fornes, etc.).

Livres