Ettore Sottsass, l'objet magique

Recourant depuis ses débuts aux technologies numériques les plus avancées, Ross Lovegrove défend une vision globale du design qui puise dans la biologie, l'anthropologie et l'écologie. L'économie des matériaux, l'utilisation minimale d'énergie, la tension des formes réduites à l'essentiel ont nourri une démarche qu'il qualifie d'« essentialisme organique ». Par le lien qu'il établit entre les technologies numériques, la science des matériaux et la nature, Ross Lovegrove questionne la place de l'homme dans un environnement en pleine mutation.

Ross Lovegrove

Fantasmapolis, la ville contemporaine et ses imaginaires est le fruit d'une réflexion sur la ville à l'ère de la globalisation. L'exposition réalisée dans ce cadre réunit des artistes qui abordent la ville contemporaine dans des perspectives utopiques, critiques ou poétiques. L'association de leurs œuvres crée un paysage urbain fantasmagorique plutôt qu'elle ne témoigne d'un regard documentaire. La circulation accrue des personnes et la communication accélérée des informations transforment les espaces urbains en lieux de transit où l'individu tend à disparaître. Reste alors un décor architectural immobile, suspendu dans le temps et dans l'espace. Les artistes proposent des visions de villes décontextualisées : cités existantes ou imaginaires, elles forment un univers urbain fantasmé. Conçu à la fois comme un complément de l'exposition et un ouvrage théorique, ce catalogue rassemble des textes qui reflètent une recherche pluridisciplinaire autour de la ville contemporaine. Valérie Mavridorakis et David Perreau introduisent la publication en résumant la problématique de Fantasmapolis. Évoquant la globalisation, Elvan Zabunyan inscrit le propos de l'exposition dans une perspective postcoloniale. Un texte de Lieven de Cauter présente les processus de théâtralisation qui affectent l'urbanité. Bruce Bégout se livre à une investigation philosophique de Las Vegas, emblème de la ville décor. Un entretien avec l'architecte et urbaniste Serge Wachter permet de soulever des questions relatives au transit urbain. Marie-Ange Brayer analyse l'utilisation de la maquette d'architecture dans l'art contemporain. Enfin, un écrit inédit de Bodys Isek Kingelez complète cet espace de réflexion et introduit les notices consacrées aux artistes.

Fantasmapolis - La ville contemporaine et ses imaginaires

La collection du FRAC Centre se donne comme un questionnement sur le rapport qu'entretiennent l'art et l'architecture. A travers les oeuvres de 65 artistes, de Dan Graham à Matta-Clark, de Charles Simonds à Kader Attia, d'Andreas Gursky à Berdaguer & Péjus, elle interroge la manière avec laquelle la production artistique des années 1960 à aujourd'hui s'est nourrie de l'architecture. La collection du FRAC Centre comprend également des réalisations exemplaires d'espace public, ainsi Les Deux Plateaux de Daniel Buren : des projets de James Turrell, Vito Acconci ou Tadashi Kawamata. Une douzaine d'essais (B. Blistène, M.-A. Brayer, T. Davila, E. During, P. Ursprung, etc.) nous apportent un éclairage approfondi sur ces enjeux, du modernisme du début du XXe siècle à l'architecture-sculpture, de l'art conceptuel aux pratiques artistiques actuelles. Après les ultimes avant-gardes des années 1960-1970, qui remirent en question la notion de projet architectural, les artistes vont renouer avec une vision critique de l'architecture. Photographies, films, dessins, installations, s'approprient l'architecture comme archétype, substrat iconique, référent historique. De la maquette aux installations architecturales à l'échelle 1 : 1, les artistes s'emparent de l'architecture dans sa dimension d'utopie, questionnant par là notre rapport au monde. La collection du FRAC Centre nous fait découvrir des oeuvres qui renouent avec la capacité critique de l'architecture. Cette collection apparaît comme un domaine de réflexion ouvert où art et architecture convergent dans une même aspiration à repenser l'espace social et politique.

Art & Architecture - Collection du FRAC Centre

Entre expérimentation et radicalisme, transcendant les oppositions entre industrie et artisanat, le design italien ouvre la voie à une autre approche de l'objet, au-delà du fonctionnalisme, renouvelant la relation avec l'environnement domestique. Après l'esthétique rationaliste (Pagano, Albini) des années 1930-1940, le design industriel italien connaît un succès international dès les années 1950 (Sottsass, Borsani, Colombo, Castiglioni, etc.). Des utopies critiques portées par l'architecture radicale (Archizoom, Superstudio, Pettena, Ugo La Pietra) à la " réappropriation " des objets (Enzo Mari, Riccardo Dalisi), le design italien s'ouvre à la " création collective " dans les années 1970. Le catalogue se décline en dix chapitres : Rationalisme, Design organique, Généalogie de l'assise, Luminaires, Design industriel, Design radical, Des radicaux au style Memphis, Ville post-moderne, avec un focus sur deux figures majeures du design, Ettore Sottsass et Andrea Branzi. Les essais restituent l'histoire unique du design italien, de la récupération d'objets anonymes, ainsi que la selle de tracteur des frères Castiglioni dans les années 1950, transformée en assise, aux théâtres ébouriffants d'objets de Memphis au début des années 1980.

Futurissimo - L'utopie du design italien 1930-2000

Avec cette édition 2013 (la dernière en 2008), Archilab renoue avec la prospective autour de la nature et de l'architecture. Après la révolution numérique des années 2000, qui redéfinit en profondeur les conditions de production de l'architecture, une nouvelle génération de concepteurs – artistes, architectes, designers – développe aujourd'hui une pratique à la croisée des sciences informatiques, de l'ingénierie et de la biologie... L'architecture se joue désormais au niveau de la "matière", qui se révèle performante et capable d'effacer la distinction entre nature et artifice, inaugurant un nouvel ordre – celui de l'hybridation. Comment penser cette nouvelle écologie du design, condition tout autant architecturale que politique et culturelle, au sein de laquelle nature et architecture se confondent ? Organisé autour de quatre thématiques (Rustique, Géométrique, Organique, Ecophysique), c'est à cette question que ce livre propose de répondre avec les auteurs et les projets de 40 architectes, artistes et designers internationaux aujourd'hui à la pointe de l'innovation scientifique.

Naturaliser l'architecture

Première monographie française consacrée à Ugo La Pietra, cet ouvrage présente les recherches d'une figure essentielle de la scène radicale des années 1960 et 1970. Artiste, architecte, designer, Ugo La Pietra (né en 1938 en Italie) s'engagea dans une critique du monde contemporain à travers un vaste programme alternatif, "le Système déséquilibrant". Environnements audiovisuels, interventions dans la ville et installations proposent une expérimentation nouvelle de l'espace tout en bouleversant le rapport traditionnel "oeuvre-spectateur". Dans le sillage du situationnisme, il arpente la périphérie de Milan, tel un anthropologue de la ville que chaque habitant devrait pouvoir se réapproprier : "Habiter, c'est être partout chez soi". A travers des essais inédits et une iconographie exceptionnelle, cette publication met en perspective le parcours artistique d'un créateur hors norme, qui renouvelle durablement le territoire de l'imaginaire architectural.

Ettore Sottsass, l'objet magique

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