L'oeuvre de Magritte est internationalement reconnue comme un des moments essentiels de l'art du XXe siècle. De nombreuses rétrospectives et plusieurs monographies lui ont été consacrées à travers le monde ces quinze dernières années. Mais jamais jusqu'ici on n'avait étudié une facette peu connue de son oeuvre à savoir : les gouaches, dessins, lettres et croquis.

Or l'oeuvre sur papier, chez Magritte, constitue une plongée originale dans le laboratoire d'une pensée subversive. Fruit d'un travail de recherche réalisé au sein du Centre de Recherche René Magritte de l'Université libre de Bruxelles, l'ouvrage doublé d'une exposition à la fondation Maillol à Paris puis au Boijmans Museum de Rotterdam, présentera lettres, croquis, esquisses sur papier, dessins préparatoires, études à la gouache, préparations mises au carré, gouaches tirées de peintures, collages et objets peints. En même temps qu'une réelle rétrospective de l'oeuvre à travers ces mediums - premières pensées ou transcriptions de ses images désormais classiques - cet ouvrage permet de mettre en évidence plusieurs aspects méconnus de la création chez Magritte. D'abord une pensée en forme de collage. Procédé essentiel de la culture moderniste, au coeur de la démarche magritienne, le collage introduit une rupture dans le principe même de la représentation. Il en a radicalement transformé le langage. On touche ici un élément essentiel de la poétique surréaliste. Le dessin ensuite s'impose comme écriture de la pensée. Ce volet couvre l'ensemble de l'oeuvre. Des esquisses aux croquis introduits dans les lettres, Magritte a construit l'image tout en testant l'idée selon un travail qui fait de tout dessin un récit en action. Il s'agit de recomposer le processus créateur de l'artiste en montrant comment il a joué des supports et des techniques. De la lettre à l'image, le laboratoire de l'oeuvre se compose à l'instar d'une pensée en perpétuel mouvement. L'activité de copies, variante et dérivés, constitue un autre chapitre dans lequel on voit que la gouache a toujours eu pour Magritte une valeur promotionnelle. On s'en rendra compte en partant des travaux publicitaires du peintre réalisés dans les années 20. Rassemblés ici, ils introduisent les copies qui ont été réalisées en gouache à des fins commerciales. Par ce biais, Magritte brise la valeur unique de l'oeuvre sans pour autant que cette dernière perde son aura. La gouache permet de renoncer au tableau comme pratique conventionnelle. Désormais celui-ci vaut comme « idée poétique » vouée à être répétée, reprise, modulée, transformée par la gouache. Michel Draguet aborde ici ce jeu de variation auquel Magritte n'a cessé de se livrer avec liberté et ironie. Enfin, directement déduite des travaux publicitaires, la pratique de la gouache passe par une affirmation de la couleur comme lumière. Ce sens, Magritte l'a expérimenté dans une forme d'opposition à sa propre peinture à l'huile aux tonalités sombres et tragiques. La gouache a au contraire parti lié avec le soleil ; elle a aussi nourri la virulence de la période vache. La confrontation des deux séries rend compte d'horizons différents. De l'une à l'autre, deux valeurs chromatiques - postimpressionniste déduite de Renoir ou expressionniste et fauve - de la gouache influent Magritte dans sa recherche de redéfinition de l'imaginaire surréaliste. Toutes les gouaches ne sont pas que des variantes. Magritte a développé dans cette technique des oeuvres sans équivalents en peinture. La gouache apparaît ainsi comme un moyen d'expression en soi au même titre que certains dessins à la plume.

Magritte tout en papier

Art belge. Un siècle moderne présente une sélection exclusive et inédite d'oeuvres prestigieuses issues de la collection privée Caroline et Maurice Verbaet.

Art belge - Un siècle moderne

Dali & Magritte

Dans l'histoire de l'art moderne, le néo-impressionnisme est sans doute le premier mouvement d'avant-garde à s'être revendiqué comme tel. Se développent et s'opposent parfois en lui des préoccupations scientifiques (la décomposition de la lumière par le prisme), philosophiques (le principe d'harmonie) et culturelles (l'apprentissage et la maîtrise de la couleur par l'enseignement académique). Le présent volume distingue la vision symbolique sinon symboliste de Georges Seurat de celle de Paul Signac et de ses compagnons (Camille Pissarro, Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, Théo Van Rysselberghe...), davantage fondée sur la réforme de l'impressionnisme. D'inspiration positiviste, le néo-impressionnisme - terme inventé par le critique Félix Fénéon - entend donner une vision définitive de la réalité dégagée du fugace. Entre 1886 et 1898, l'évolution du mouvement témoigne d'une progression qui va du sensible au décoratif tout en soulignant l'implication des peintres dans les enjeux sociaux et politiques de l'époque. La déclinaison des thèmes (banlieue, bord de mer, paysage, figure humaine...) permet de resituer le néo-impressionnisme dans son contexte et dans ses interrogations. Les principaux sites de prédilection des peintres sont ici présentés et localisés sur une carte.

Signac, Seurat. Le Neo-Impressionnisme

Musée Magritte Museum : Guide officiel du musée

La rencontre entre l'artiste belge James Ensor - l'homme des foules et des masques - et le cinéaste et écrivain allemand Alexander Kluge n'est pas fortuite. Si le premier a tout d'un homme du XIXe siècle, s'exerçant à la gravure pour porter aux nues l'expression de sa vision nerveuse, sarcastique et fantastique, le second traverse, doté de bienveillance, les désastres du XXe siècle qu'il nomme "Siècle noir". Il y infiltre une oeuvre audiovisuelle et textuelle tournée vers l'Histoire, l'expérience et l'émotion. L'un et l'autre chevauchent des temps différents, des siècles noirs, pour nous conter une histoire de notre modernité ombragée, aux tonalités grotesques. Ce catalogue de l'exposition "James Ensor & Alexander Kluge : Siècles noirs", présentée à la Fondation Vincent van Gogh Arles, est né du dialogue heureux antre deux univers artistiques prolifiques. Les écrits de Julia Marchand, commissaire de l'exposition, Alexander Kluge, Paul B. Preciado, Xavier Tricot, Michel Draguet et Maxime Boidy en sondent les anfractuosités pour nous en offrir une lecture singulière et contemporaine.

Siècles noirs - James Ensor et Alexander Kluge

À la fois peintre, dessinateur, graveur et sculpteur, Fernand Khnopff (1858-1921) est considéré comme un des grands représentants du symbolisme.Cet album présente plus de soixante-dix oeuvres emblématiques de l’esthétique singulière de cet artiste belge – dont témoignaient les tons bleu, noir, blanc et or de son incroyable maison-atelier. Portraits mystérieux, comme hors du temps, paysages silencieux, études autour de sa soeur et muse Marguerite pour le grand pastel Memories, réinterprétation des mythes antiques – dont celui d’Hypnos, le dieu du Sommeil –, photographies rehaussées, nus évanescents, souvenirs oniriques de Bruges…Ces thèmes obsessionnels, explicités par de courts commentaires, permettent d’éclairer la personnalité complexe d’un artiste fascinant, dont la devise « On n’a que soi » affirmait son goût pour l’introspection et la solitude.

Fernand Khnopff: le maître de l’énigme

Rachel Labastie, artiste française née en 1978, vit et travaille en Belgique. Sculptrice, manipulant les paradoxes et jouant sur l'ambiguïté de formes à la fois séduisantes et dérangeantes, elle pose un regard critique sur les modes d'aliénation physique et mentale produits par une société toujours plus encline à contrôler les corps et les esprits. Dans un permanent jeu de forces contraires, elle nous invite à voir au-delà de l'apparence des choses. Son rapport à la matière est à la fois intime et puissant, conceptuel et physique, contemporain et ancré dans les pratiques séculaires de la terre crue et cuite. Alors qu'elle choisit des objets relevant du registre de la violence, comme des haches ou des entraves, elle n'exalte aucunement une activité pulsionnelle. Bien au contraire, elle réalise ses pièces avec beaucoup de minutie, un labeur patient. Ses sculptures se situent à égale distance de l'intimité et de l'universalité, servant tout à la fois d'illustrations, de contrepoids et de remèdes à la destinée humaine, sur un mode d'être tenant de l'inventaire (ce qui est), de l'enchantement (ce qui exalte), de la thérapie (ce qui sauve). L'ouvrage retrace la genèse des oeuvres réalisées pour les expositions à l'Abbaye de Maubuisson et aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique et porte un regard sur les créations antérieures et les projets à venir de l'artiste.

Rachel Labastie

Magritte / Renoir - Le surréalisme en plein soleil

Cet ouvrage présente un dialogue visuel exceptionnel entre deux peintres mondialement connus. Magritte, en ouvrant les chemins du mystère en peinture, porte en germe l'art de Folon, qui n'aura de cesse d'explorer les voies de la poésie. Là où Magritte prône le mystère qui émane du quotidien, Folon opte pour l'onirisme et la stylisation qui lui est inhérente. Au pigeon de Magritte, Folon substitue un oiseau épuré, dessiné d'un trait ; à la maison bien décrite chez le surréaliste, il préfère un parallélépipède rectangle, etc. Deux oeuvres admirablement définies dans cette phrase de Folon : "On peut vraiment tout faire en peinture. Même inventer des mystères."

Magritte-Folon - La fabrique poétique

Rubens, a genius at work

Et si l'art présageait du futur ?« L'art, plus qu'aucune autre activité, aidera à nous convaincre de l'urgence. C'est sa grandeur et ce sera sa responsabilité, parce qu'il est à l'avant-garde de toutes les audaces » (Jacques Attali). La rencontre inédite entre un essai, Une brève histoire de l'avenir de Jacques Attali, et le monde de l'art contemporain à l'occasion de l'exposition aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (11.09.2015 - 24.01.2016). Ce livre explore les thématiques de société étudiées par Jacques Attali en pointant la manière dont les plasticiens dépassent le simple constat pour prendre une part active au débat, en développant des projets portés par une forme d'utopie créative. Faire du musée le miroir d'un monde en mouvementEXTRAITLa première vague de l'avenir est celle du déclin de l'empire américain qui a déjà perdu de sa toute-puissance. Il ne représente plus qu'une part décroissante du PIB mondial. Il sera bientôt dépassé par la Chine, l'Europe, puis par d'autres. Même s'il reste la première puissance militaire encore longtemps. Ce déclin correspond aussi à une perte d'explosion de technologies collaboratives qui conduiront à des nouvelles découvertes, en particulier les technologies de l'information, les biotechnologies, etc., qui changeront beaucoup de choses. Cela entraînera des modifications dans les mours, ce qui marquera sans doute une victoire croissante et permanente des États-Unis dans l'idéologie dominante. La deuxième vague est le partage progressif du pouvoir que les États-Unis ont sur le reste du monde avec d'autres puissances. Ceci a déjà commencé par le biais du G20. Cette tentative de gouverner le monde ensemble est une réponse à l'éclatement en cours. Sans doute assistera-t-on à des conflits entre la Chine et le Japon, à des tensions entre l'Europe et les États-Unis, ces ensembles s'entrechoqueront. Nous sommes peut-être en train de vivre le dernier moment de l'Histoire où des conflits entre grandes nations ont encore lieu. A PROPOS DE JACQUES ATTALIEconomiste, écrivain, conseiller d'état honoraire, conseiller spécial de François Mitterrand de 1981 à 1991, Jacques Attali est né en 1943 à Alger. Il a publié plus de 50 ouvrages et rédige de nombreuses chroniques sur l'actualité. Il est également éditorialiste du magazine L'Express.

2050, une brève histoire de l'avenir

« Alechinsky est à la fois le peintre, la canne à pêche avec son hameçon, l'eau de la rivière et les poissons qui s'y trouvent. Je m'aperçois que je viens de dire tout simplement que son oeuvre fait la synthèse, non je n'aime pas ce mot-là, fait la réunion de l'intérieur et de l'extérieur. L'intérieur et l'extérieur se heurtent dans son travail et ont l'air d'en sortir, l'un et l'autre, cabossés. Ce "cabossage" si je puis dire est le résultat du mélange. » 
Eugène Ionesco, 1977.

Alechinsky de A à Y

S'il parle des arts premiers, Naga. La beauté de l'effroi n'est ni un livre de voyage porté sur l'exotisme ni un essai d'anthropologie appliquée. A travers l'exceptionnelle collection Gillion Crowet, il s'agit d'une invitation à rencontrer une société qui, aux confins de l'Inde et de la Birmanie, est restée longtemps inconnue. Fermée sur elle-même, elle a échappé aux principaux mouvements de civilisations tout en développant une culture spécifique fondée sur la "chasse aux têtes" comme économie de l'énergie vitale qui régit l'univers. A la fois sophistiquée et effrayante, la culture naga a trouvé dans la création artistique les moyens d'exprimer sa conception du cosmos avec une sensibilité et une subtilité trop peu mises en lumière. Riche de plusieurs centaines d'oeuvres, la collection magnifie l'art naga à travers ses parures et ornements toujours de grande qualité. Ainsi, l'approche culturelle ouvre la voie à une appréciation esthétique qui place la civilisation naga aux sommets des arts premiers. Se distinguant d'une littérature de nature essentiellement anthropologique, l'essai composé par Michel Draguet entend souligner la qualité artistique d'artefacts qui sont surtout des oeuvres d'art témoignant des valeurs culturelles et sociales propres aux différentes ethnies nagas. En associant des reproductions de l'ensemble des pièces à des photographies anciennes, le livre fait revivre une civilisation disparue à travers un imaginaire où le beau nourrit l'effroi.

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