Art belge. Un siècle moderne présente une sélection exclusive et inédite d'oeuvres prestigieuses issues de la collection privée Caroline et Maurice Verbaet.

Art belge - Un siècle moderne

Cet ouvrage présente un dialogue visuel exceptionnel entre deux peintres mondialement connus. Magritte, en ouvrant les chemins du mystère en peinture, porte en germe l'art de Folon, qui n'aura de cesse d'explorer les voies de la poésie. Là où Magritte prône le mystère qui émane du quotidien, Folon opte pour l'onirisme et la stylisation qui lui est inhérente. Au pigeon de Magritte, Folon substitue un oiseau épuré, dessiné d'un trait ; à la maison bien décrite chez le surréaliste, il préfère un parallélépipède rectangle, etc. Deux oeuvres admirablement définies dans cette phrase de Folon : "On peut vraiment tout faire en peinture. Même inventer des mystères."

Magritte-Folon - La fabrique poétique

Alechinsky de A à Y

À la fois peintre, dessinateur, graveur et sculpteur, Fernand Khnopff (1858-1921) est considéré comme un des grands représentants du symbolisme.Cet album présente plus de soixante-dix oeuvres emblématiques de l’esthétique singulière de cet artiste belge – dont témoignaient les tons bleu, noir, blanc et or de son incroyable maison-atelier. Portraits mystérieux, comme hors du temps, paysages silencieux, études autour de sa soeur et muse Marguerite pour le grand pastel Memories, réinterprétation des mythes antiques – dont celui d’Hypnos, le dieu du Sommeil –, photographies rehaussées, nus évanescents, souvenirs oniriques de Bruges…Ces thèmes obsessionnels, explicités par de courts commentaires, permettent d’éclairer la personnalité complexe d’un artiste fascinant, dont la devise « On n’a que soi » affirmait son goût pour l’introspection et la solitude.

Fernand Khnopff: le maître de l’énigme

Catalogue de l'exposition Stanley Kubrick Photographer, Bruxelles, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, 21 mars-1er juillet 2012. La présente exposition a pour objectif de présenter les premiers pas créateurs de Stanley Kubrick qui reste un des cinéastes phares du XXe siècle. En 1945, Stanley Kubrick entre au service de la revue new yorkaise "Look" où il travaille cinq ans durant comme photographe. Ses reportages photographiques - aujourd'hui largement conservés au New York City Museum - témoignent par leur construction en séquence d'une conception déjà cinématographique. Scène criminelle, vie d'un cireur de chaussure, panorama des acteurs d'un campus universitaires... Kubrick se révèle un photographe de premier plan. A travers l'objectif se compose un portrait de l'Amérique qui vien

Stanley Kubrick Photographer - Exposition au musées royaux des beaux-arts de Belgique du 21 mars 2012 au 1er juillet 2012

La rencontre entre l'artiste belge James Ensor - l'homme des foules et des masques - et le cinéaste et écrivain allemand Alexander Kluge n'est pas fortuite. Si le premier a tout d'un homme du XIXe siècle, s'exerçant à la gravure pour porter aux nues l'expression de sa vision nerveuse, sarcastique et fantastique, le second traverse, doté de bienveillance, les désastres du XXe siècle qu'il nomme "Siècle noir". Il y infiltre une oeuvre audiovisuelle et textuelle tournée vers l'Histoire, l'expérience et l'émotion. L'un et l'autre chevauchent des temps différents, des siècles noirs, pour nous conter une histoire de notre modernité ombragée, aux tonalités grotesques. Ce catalogue de l'exposition "James Ensor & Alexander Kluge : Siècles noirs", présentée à la Fondation Vincent van Gogh Arles, est né du dialogue heureux antre deux univers artistiques prolifiques. Les écrits de Julia Marchand, commissaire de l'exposition, Alexander Kluge, Paul B. Preciado, Xavier Tricot, Michel Draguet et Maxime Boidy en sondent les anfractuosités pour nous en offrir une lecture singulière et contemporaine.

Siècles noirs - James Ensor et Alexander Kluge

L'oeuvre de Magritte est internationalement reconnue comme un des moments essentiels de l'art du XXe siècle. De nombreuses rétrospectives et plusieurs monographies lui ont été consacrées à travers le monde ces quinze dernières années. Mais jamais jusqu'ici on n'avait étudié une facette peu connue de son oeuvre à savoir : les gouaches, dessins, lettres et croquis.

Or l'oeuvre sur papier, chez Magritte, constitue une plongée originale dans le laboratoire d'une pensée subversive. Fruit d'un travail de recherche réalisé au sein du Centre de Recherche René Magritte de l'Université libre de Bruxelles, l'ouvrage doublé d'une exposition à la fondation Maillol à Paris puis au Boijmans Museum de Rotterdam, présentera lettres, croquis, esquisses sur papier, dessins préparatoires, études à la gouache, préparations mises au carré, gouaches tirées de peintures, collages et objets peints. En même temps qu'une réelle rétrospective de l'oeuvre à travers ces mediums - premières pensées ou transcriptions de ses images désormais classiques - cet ouvrage permet de mettre en évidence plusieurs aspects méconnus de la création chez Magritte. D'abord une pensée en forme de collage. Procédé essentiel de la culture moderniste, au coeur de la démarche magritienne, le collage introduit une rupture dans le principe même de la représentation. Il en a radicalement transformé le langage. On touche ici un élément essentiel de la poétique surréaliste. Le dessin ensuite s'impose comme écriture de la pensée. Ce volet couvre l'ensemble de l'oeuvre. Des esquisses aux croquis introduits dans les lettres, Magritte a construit l'image tout en testant l'idée selon un travail qui fait de tout dessin un récit en action. Il s'agit de recomposer le processus créateur de l'artiste en montrant comment il a joué des supports et des techniques. De la lettre à l'image, le laboratoire de l'oeuvre se compose à l'instar d'une pensée en perpétuel mouvement. L'activité de copies, variante et dérivés, constitue un autre chapitre dans lequel on voit que la gouache a toujours eu pour Magritte une valeur promotionnelle. On s'en rendra compte en partant des travaux publicitaires du peintre réalisés dans les années 20. Rassemblés ici, ils introduisent les copies qui ont été réalisées en gouache à des fins commerciales. Par ce biais, Magritte brise la valeur unique de l'oeuvre sans pour autant que cette dernière perde son aura. La gouache permet de renoncer au tableau comme pratique conventionnelle. Désormais celui-ci vaut comme « idée poétique » vouée à être répétée, reprise, modulée, transformée par la gouache. Michel Draguet aborde ici ce jeu de variation auquel Magritte n'a cessé de se livrer avec liberté et ironie. Enfin, directement déduite des travaux publicitaires, la pratique de la gouache passe par une affirmation de la couleur comme lumière. Ce sens, Magritte l'a expérimenté dans une forme d'opposition à sa propre peinture à l'huile aux tonalités sombres et tragiques. La gouache a au contraire parti lié avec le soleil ; elle a aussi nourri la virulence de la période vache. La confrontation des deux séries rend compte d'horizons différents. De l'une à l'autre, deux valeurs chromatiques - postimpressionniste déduite de Renoir ou expressionniste et fauve - de la gouache influent Magritte dans sa recherche de redéfinition de l'imaginaire surréaliste. Toutes les gouaches ne sont pas que des variantes. Magritte a développé dans cette technique des oeuvres sans équivalents en peinture. La gouache apparaît ainsi comme un moyen d'expression en soi au même titre que certains dessins à la plume.

Magritte tout en papier

Et si l'art présageait du futur ?« L'art, plus qu'aucune autre activité, aidera à nous convaincre de l'urgence. C'est sa grandeur et ce sera sa responsabilité, parce qu'il est à l'avant-garde de toutes les audaces » (Jacques Attali). La rencontre inédite entre un essai, Une brève histoire de l'avenir de Jacques Attali, et le monde de l'art contemporain à l'occasion de l'exposition aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique (11.09.2015 - 24.01.2016). Ce livre explore les thématiques de société étudiées par Jacques Attali en pointant la manière dont les plasticiens dépassent le simple constat pour prendre une part active au débat, en développant des projets portés par une forme d'utopie créative. Faire du musée le miroir d'un monde en mouvementEXTRAITLa première vague de l'avenir est celle du déclin de l'empire américain qui a déjà perdu de sa toute-puissance. Il ne représente plus qu'une part décroissante du PIB mondial. Il sera bientôt dépassé par la Chine, l'Europe, puis par d'autres. Même s'il reste la première puissance militaire encore longtemps. Ce déclin correspond aussi à une perte d'explosion de technologies collaboratives qui conduiront à des nouvelles découvertes, en particulier les technologies de l'information, les biotechnologies, etc., qui changeront beaucoup de choses. Cela entraînera des modifications dans les mours, ce qui marquera sans doute une victoire croissante et permanente des États-Unis dans l'idéologie dominante. La deuxième vague est le partage progressif du pouvoir que les États-Unis ont sur le reste du monde avec d'autres puissances. Ceci a déjà commencé par le biais du G20. Cette tentative de gouverner le monde ensemble est une réponse à l'éclatement en cours. Sans doute assistera-t-on à des conflits entre la Chine et le Japon, à des tensions entre l'Europe et les États-Unis, ces ensembles s'entrechoqueront. Nous sommes peut-être en train de vivre le dernier moment de l'Histoire où des conflits entre grandes nations ont encore lieu. A PROPOS DE JACQUES ATTALIEconomiste, écrivain, conseiller d'état honoraire, conseiller spécial de François Mitterrand de 1981 à 1991, Jacques Attali est né en 1943 à Alger. Il a publié plus de 50 ouvrages et rédige de nombreuses chroniques sur l'actualité. Il est également éditorialiste du magazine L'Express.

2050, une brève histoire de l'avenir

- Catalogue officiel de l'exposition Gao Xingjian au musée des Beaux Arts de Mons (Belgique) du 6 janvier 2003 au 30 janvier 2003 ;  






Dramaturge, romancier, nouvelliste, Gao Xingjian, Prix Nobel de littérature en 2000, est aussi peintre. 



Le présent ouvrage, publié à l'occasion de la rétrospective qui s'ouvrira en janvier 2003 au Musée des Beaux-Arts de Mons (Belgique) - avant d'être présentée en Europe, aux Etats-Unis puis au Japon -, constitue le premier essai consacré à l'oeuvre peint de Gao Xingjian. 




Le livre met d'abord l'accent sur la dimension de cette recherche liée à un désir de repenser la tradition chinoise de peinture à l'encre, l'auteur analyse l'oeuvre que Gao Xingjian poursuit depuis 1964 à travers différents thèmes : le rapport à la tradition, le désir de briser le carcan des conventions en se tournant vers l'Occident, l'appropriation moderne de la technique ancestrale de l'encre. Les conditions d'émergence de l'image, le rituel spiritualiste qui conduit à sa formulation. 



À cette lecture intérieure de l'imaginaire pictural de Gao Xingjian répond sa mise en situation dans une oeuvre multiple. 

Le rapport à la littérature constitue un élément déterminant. L'engagement de la scène littéraire face à l'évolution politique de la Chine - depuis l'épisode tragique de la Révolution culturelle (1966) jusqu'aux événements de Tian'anmen (1989) - a influé sur la conception que cet écrivain, rapidement perçu comme un opposant majeur, a nourri en l'endroit de la peinture. Au-delà des mots, libre des orientations qu'impose le langage, la peinture s'est imposée à Gao Xingjian comme le lieu même d'une recomposition du sujet. De nombreux thèmes peuvent ainsi être développés : le retour à l'enfance, le besoin de retourner dans une nature inviolée, l'abandon de la ville, l'équivalence du geste et du son, l'abandon du discours dans l'image, l'aspiration au blanc... livrent autant de facettes d'une oeuvre qui puise son inspiration dans un besoin fondamental de recomposer cette part d'humanité que la dictature a vainement tenté de bannir de l'homme nouveau. 


À travers ces thèmes l'oeuvre de Gao Xingjian, dans son ensemble, est éclairé d'un jour qui lui donne sa cohérence.



Ainsi, littérature - qu'il s'agisse du théâtre, des nouvelles ou des deux romans majeurs que constituent La montagne de l'âme et Le livre d'un homme seul - et peinture se répondent pour témoigner de façon sensible de la condition humaine face aux idéologies assassines et à la barbarie de l'histoire. 
Commentant certaines oeuvres, des légendes rédigées à partir d'entretiens menés avec Gao Xingjian ou de sentences poétiques évoquant son « goût de l'encre » permettent de restituer la parole de l'artiste ainsi que sa pensée face à des encres qu'il répugne à décrire afin de ne pas entraver l'imagination du spectateur.



Parallèlement à cette relation personnelle que le peintre entretient avec ses images, un bref essai de Gao Xingjian à portée plus théorique sera intégré dans l'ouvrage.

Art belge - Un siècle moderne

Résumé

Plus de livres de Michel Draguet

Critiques

Ce livre n'a pas encore de critiques