" Rodéo " : quel artiste n'a jamais souhaité disposer d'un droit de réponse face aux propos de la critique ? S'expliquer, développer, contredire, tomber d'accord, réinterpréter, telles sont les ambitions de ces " entretiens " écrits, qui donnent la parole aux artistes autant qu'à leurs commentateurs, préférant le dialogue à un discours en surplomb de l'autorité historique ou critique. " Rodéo ": un ensemble de peintures et dessins réalisé par Marc Desgrandchamps en 1989-1990 et consacré à une même scène agitée et surprenante, une campeuse menacée par un cheval. Et l'artiste pour répliquer, pour réfuter une interprétation s'il le faut, pour ne pas laisser l'auteur, Philippe Dagen, maître du jeu.

Rodéo

"Je sais, pour l'avoir entendu parfois, que certains trouvent ma sculpture très sombre. Elle l'est sans doute à la première vision, mais si l'on prend le temps de regarder encore, un nouveau sentiment peut naître. J'espère que mon travail invite à nous accepter tels que nous sommes et nous garde du désir trop grand de nous masquer à nous-mêmes. Il souligne la beauté des traces du temps. Chacun peut s'y reconnaître comme dans un miroir s'il le désire, s'il est prêt à s'y voir". Marc Petit - Préface d'Alexia VOLOT - Textes de Philippe DAGEN et de Lydia HARAMBOURG

Marc Petit - Rétrospective

Que faut-il entendre par «art» au XXe siècle ? Matisse ou Godard, Braque ou Brassai, Duchamp ou Laurens ? Faut-il y inclure les «naïfs», les «fous», les statues «nègres» et les «poupées» hopi ? L'histoire de l'art, quand elle écrit le mot au singulier, le prend pour l'abréviation de «beaux-arts», au sens que la tradition académique assigne à la formule. Or il faut l'écrire au pluriel, car il est prudent de ne pas prétendre savoir ce qui est «de» l'art au XXe siècle, ce qui n'en est pas, ou plus, ou pas encore.

L'art français au XX siècle

La collection égotique - Abbaye d'Auberive, morceaux choisis

Otto dix : la guerre

L'exposition sera accompagnée d'un livre d'artiste édité en français et anglais. Cet ouvrage sera le résultat d'une forme hybride entre un livre d'artiste et un catalogue d'exposition. Trois textes viennent approfondir l'oeuvre d'Eric Manigaud — rapprochant l'ouvrage des catalogues d'expositions traditionnellement conçus — tandis que le cahier d'images inclura un travail graphique et une présentation inédite des oeuvres de Manigaud — le rapprochant ainsi d'un livre d'artiste. Né en 1971 à Paris Vit et travaille à Saint-Etienne. Agrégé d'arts plastiques, Eric Manigaud, en historien, exhume les premières photographies scientifiques témoignant d'un passé refoulé (première guerre mondiale etc) et se propose d'en révéler la part d'ombre par l'usage du crayon et du graphite, en dessinateur. Si l'artiste au moyen d'une projection par la lanterne magique s'emploie à calquer son dessin sur la photographie, favorisant ainsi, par cette représentation à première vue mimétique, une certaine confusion des mediums, son entreprise de création n'est pas réductible à une simple opération de retranscription. Par le recours à la mine de plomb, il renforce l'effet de réel, conférant ainsi une certaine densité à l'ombre et offrant ainsi à ces individus l'épaisseur leur permettant de prendre corps. Mais par cette technique et le geste qui lui est associé, il esquisse aussi les contours vacillants de l'ombre, tentant de figurer un espace transitoire entre lumière et obscurité, vie et mort, la figuration de ces individus qui semblent dans un entre-deux ontologique confine ainsi à l'irréel. De ces images caractérisées par l'objectivité de la capture photographique, il fait émerger, en portraiturant mutilés de guerre, individus malades, internés, la subjectivité. Il propose au regardeur de reconsidérer ces individus dont la défiguration tient surtout au filtre déformant que l'on appose sur eux. Cette mise à distance induite par un sentiment d'étrangeté se mue en un mouvement de recul propice à la prise de conscience de notre intolérance vis à vis de ce que l'on considère comme une déviance à la norme. Eric Manigaud met ainsi au jour la part d'ombre de notre humanité en faisant de ces âmes sondées au moyen de ses dessins un miroir qu'elle se tend à elle-même.

Eric Manigaud - La mélancolie des vaincus

La France entretient avec l'art d'aujourd'hui des relations difficiles. Depuis quelques mois, une polémique veut démontrer que l'art français contemporain n'a "ni sens, ni existence". Elle réunit un parti disparate d'intellectuels, de conservateurs de musée et d'essayistes. Quels en sont les enjeux ? Depuis le début du siècle s'exprime un traditionalisme esthétique qui se réclame du bon goût français, professe un anti-intellectualisme explicite, déplore la perte du métier des maîtres anciens et en appelle au classicisme. Ce traditionalisme s'accommode à merveille du culte des morts qu'est devenue l'industrie des commémorations... Autre spécificité française, l'alliance de l'art et de l'Etat, vieille habitude remontant au moins à Louis XIV. L'Etat protège, commande, entretient les artistes. Mais, sans lui, la création mourrait plus sûrement encore... Il serait temps de se demander ce que signifie cette haine du présent que la crise actuelle avoue. Symbolique funèbre de la pyramide du Louvre, hypertrophie générale des musées, dévotion populaire au patrimoine, seraient autant de négations implicites de la création par une société qui ne demande qu'une chose : qu'on la laisse dormir en paix.

La haine de L'art

Coédition Gallimard/Musée du quai Branly-Jacques Chirac

Ex Africa

Cet ouvrage réuni les notes manuscrites de Rose Valland-(1898-1980) accompagnées d'un appareil critique et documentaire. A partir de mars 1941, Rose Valland, attachée de conservation au musée du Jeu de Paume, est l'unique témoin français des exactions perpétrées par une organisation culturelle du parti nazi dirigée par le ministre du Reich Alfred Rosenberg, sous l'autorité personnelle d'Adolf Hitler. La mission principale de l'Einsatzstab Rosenberg (E.R.R.) consiste dans le repérage et la confiscation des collections d'oeuvres d'art juives - mais pas uniquement-, en France, Belgique, Luxembourg et Pays-Bas : le pillage des galeries d'art, des commerces d'antiquités et des habitations particulières mais également l'enlèvement de maints dépôts faits en banque. Grâce à Rose Valland, le quotidien ignoble de la spoliation apparaît ici au grand jour.

Les carnets de Rose Valland - Le pillage des collections privées d'oeuvres d'art en France durant la Seconde Guerre Mondiale

Alors que l'histoire des cultures est en cours de réécriture et ne peut plus être réduite à la chronique des avant-gardes occidentales, une notion demeure à l'abri des révisions critiques : primitivisme. Primitif est devenu, dans le dernier tiers du XIXe siècle, une obsession de la pensée occidentale. Quant à primitivisme, son usage est courant en histoire de l'art depuis un siècle. Il est donc plus que temps de mettre à nu ce que l'un et l'autre renferment de sous-entendus et de stéréotypes. A l'origine de cet examen critique, deux constats. D'une part, le colonialisme s'avère la condition nécessaire du développement de l'ethnologie, de l'anthropologie et des musées : sans colonies, pas une de ces immenses collections africaines et océaniennes que les puissances européennes accumulent à Berlin, Bruxelles, Londres ou Paris - tout en dénigrant systématiquement la supposée grossièreté d'objets produits par des peuples que l'on prétend inférieurs. D'autre part, ces "sauvages" ne sont pas les seuls primitifs qui intéressent les sciences humaines du temps : il y a aussi les enfants, les fous, les préhistoriques et les rustiques. Tous ont en commun, pour des raisons diverses, d'incarner l'inverse de l'homme moderne, urbain, savant, industrialisé. Il apparaît dès lors que les primitivismes, loin de n'être qu'affaires de formes et de styles, expriment en peintures, sculptures et gravures des protestations politiques contre le monde des révolutions industrielles et techniques ; et qu'ils vont donc de pair avec des tentatives de réforme de ce quotidien moderne : pour la liberté des corps contre l'ordre moral bourgeois, pour la vie dans la nature loin des métropoles et des usines, pour la singularité de l'individu contre l'uniformité imposée par la société.

Primitivismes - Une invention moderne

Ce catalogue présente une soixantaine de dessins de Vincent Bioulès, exposés du 17 mai au 15 juillet 2011 au Cabinet des dessins Jean Bonna de l’École des beaux-arts. En 2007 et 2008, Vincent Bioulès séjourna pendant six mois à la villa Médicis, sur l’invitation de Richard Peduzzi. Il y réalisa une série de 90 dessins figurant Rome et la Villa, avant d’en faire don en 2010 à l’École des beaux-arts qui en présente aujourd’hui une sélection. De grands formats colorés utilisant le pastel et la gouache voisinent avec des croquis extraits de ses carnets.

Bioulès Roma - Dons de dessins de Vincent Bioulès à l'Ecole des Beaux-Arts

Murakami Versailles - Editions Xavier Barral - Octobre 2010 Le catalogue de l'exposition Murakami Versailles du 14 septembre au 12 décembre 2010 Fiche technique 245330mm Livre relié environ 320 pages Textes : Jean-Jacques Aillagon Laurent Le Bon Photos Philippe Chancel Version française : 978-2-915173-71-0 Version anglaise : 978-2-915173-72-7 Prix : environ 60 euros Murakami Versailles Murakami Versailles est un moment exceptionnel qui voit le Château de Versailles renouer avec les artistes de son temps au cours d'une promenade qui fait (re)découvrir des lieux connus et méconnus du domaine. Sur le même principe que Jeff Koons Versailles, ce livre suit le principe radical de l'exposition, une ouvre une salle. Sa publica- tion a donné lieu à une campagne photographique exception- nelle, dans des conditions uniques, au moment de l'installation des ouvres. L'oil du photographe a ainsi pu pénétrer au cour de chaque sculpture, sous des angles parfois insolites et inac- cessibles aux visiteurs de l'exposition. Takashi Murakami Takashi Murakami est né à Tokyo en 1963. Ses ouvres vont de tableaux de style bande dessinée à des sculptures quasi minimalistes, de ballons gonflables géants à la réalisation d'événements, et de produits fabriqués en série. A travers son oeuvre, Murakami joue sur les oppositions entre Orient et Occident, passé et présent, art et culture populaire, tout en restant accessible en permanence. Son ouvre est issue à la fois du monde des dessins animés japonais populaires contemporains et de celui de la peinture japonaise historique - il a reçu une formation classique et possède un Doctorat en style traditionnel nihon-ga. En plus de son ouvre artistique, Takashi Murakami est un conservateur, un entrepreneur et un étudiant en sociologie japonaise contemporaine. En 2000, il a été le conservateur d'une exposition d'art japonais intitulée Superflat qui regroupait des artistes japonais contemporain. Murakami est aussi connu dans le monde entier pour sa collaboration avec le designer Marc Jacobs à la création de sacs à main et autres produits pour la maison de haute couture Louis Vuitton.

Murakami Versailles

Apollinaire critique d'art

A la fois biographique et réflexive, cette monographie cherche à répondre à un certain nombre de questions que soulèvent le tempérament artistique et l'œuvre exceptionnelle de Picasso surgis à une époque non moins exceptionnelle.
Picasso y est considéré en fonction de sa situation en son temps, au sens le plus large du mot, bien au-delà des amitiés et des rivalités strictement artistiques du milieu parisien et français. Lui-même par nombre de ses prises de position n'a-t-il pas affirmé qu'il refusait de s'enfermer dans l'atelier et se réservait le droit d'intervenir dans les affaires du monde – d'y réagir et de leur répondre ? C'est donc d'un Picasso résolument moderne parce que constamment et consciemment confronté à la modernité du monde qu'il s'agira de montrer : comment il laisse cette modernité pénétrer dans ses travaux – matériaux, images, techniques, inventions - et comment, en réaction contre elle, il donne forme picturale ou sculpturale à des archétypes – à des passions, à des pulsions-  dont, à ses yeux en tout cas, la permanence atteste de l'intemporalité. Mouvement d'acceptation mouvement de refus : cette confrontation sans trêve est, peut-être, l'explication la plus satisfaisante que l'on puisse avancer de la volonté de changement qui l'a animé au point de laisser l'œuvre la plus polymorphe et la plus diverse de toute l'histoire de l'art.

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